Datos personales

Trujillo, La Libertad, Peru
Un espacio para mostrar ideas y puntos de vista ligados al arte, a la cultura y la vida de una sociedad tanto peruana como universal

sábado, 29 de noviembre de 2008

COMER EN PIURA



Creo que ya es tiempo que rinda mi homenaje y pleitesía a este sacrosanto lugar. Visitas de visitas a huariques y restaurantes en mi ciudad ya me han confirmado lo que todos dicen y que no quería aún reconocer: Piura es un paraíso gastronómico. Cuando fui en septiembre, luego de algunos años de no pisar la ciudad, un grupo de amigos me guió por el paraíso. La consabida visita a Catacaos se realizó y entre moscas, calor y un poco de tierra consumamos un encuentro regular con los cebiches de la zona. Mi dolencia de triglicéridos, colesterol y otras pesadillas de la vida moderna, me coactaron un poco y me estoy perdiendo un real banquete como son los mariscos, bendición de la culinaria piurana..Pero mi revancha ya llegará. Esa noche nos dirigimos a un restaurante llamado Capuccino; el lugar es agradable, simpático, placentero; la comida ya es casi tocar el cielo. Mi teriyaki de pescado no hizo sino tocar esa fibras recónditas de la memoria de la humanidad de encuentros con lo sagrado. Mientras degustaba bocado tras bocado, el vino iba avivando más ese placer del buen comer y del buen hablar. Ya estaba en la Piura real. Mis últimos viajes fueron periplos mucho mejores, ya tenía en mente qué es lo que quería y no iba a escatimar ni gastos ni contemplaciones para seguir hurgando los manjares. Volví a la Santitos luego de años; este restaurante se había quemado tiempo ha y volvió abrir sus puertas en otra casa: los tamalitos verdes, la carne aliñada, esos nobles platos de origen popular desfilan delante de tus ojos para abrir tu voraz apetito. Hace dos semanas descubrí un nuevo restaurante (hay muchos más, pero tuve una mente circuscrita al pasado) el cual me permitió acercarme a un delicioso filete de pez espada. Uff. Las nobles hierbas habían ingresado en su carne y la habían aromatizado; crujiente iba cortando pedazos que engullía con la convicción de estar pecando, porque se nos ha enseñado que lo bueno tiene algo de malo en su interior. Moriré feliz. Piura es un cielo, pronto iré nuevamente para caer sobre las langostas y los nobles frutos del mar. A la mierda con el colesterol.


SECHURA 1




16 de noviembre. Un domingo caluroso en la cálida Piura. El día anterior habíamos comido con mucha fruición todo lo que el mar piurano da a sus ciudadanos y visitantes; la movida noche del sábado no nos impidió levantarnos tempramo para hacer una visita a un lugar que había visitado hacía 23 años: SECHURA. Muchas personas refieren este nombre con un desierto, el más extenso del Perú; otros lo refieren con el gran potencial que esta zona va a tener no sólo para la región sino para todo el país: la riqueza de los fosfatos. Pero pocos vinculan este nombre con una joya que se halla en el medio del desierto cual atalaya: la iglesia de San Martín de Tours. Esta gran edificación puede descollar desde cualquier punto y es una gran referencia (y alivio, si vienes en micro) cuando inicias tu travesía desde Piura.
Piura es una ciudad que carece de servicios que hagan agradable la permanencia a un turista que quiera información al paso. La Oficina de Turismo que está en la Plaza de Armas deja de funcionar cuando tienen una parada cívico-militar: simple y llanamente no puedes pasar y esos eventos duran la penuria de una hora con los pobres chiquillos desfalleciendo por el intenso calor. Pese a esa situación, no nos amedrentamos y decidimos preguntar en agencias de viaje ; no había ninguna abierta y los hoteles no tienen mucha información sobre algunos servicios que puedan prestar a un turista que quiera ir a este lugar. Pero no cejamos en nuestra terca decisión de ir y fuimos a tomar un servicio de transporte público (que es privado) y viajamos en unas condiciones bastante tercermundistas que me hacían recordar esos viajes por pequeñas y perdidas ciudades hindúes. El dichoso micro sonaba (y olía) de manera muy rara y temíamos algún discreto percance, como que lo hubo: parte del cartel de la empresa que estaba en el techo del micro voló. Nos causó un buen susto. En fin; ya estábamos en el bus y a seguir remando. El viaje por el Bajo Piura es impresionante, vas descubriendo pequeñas ciudades que las recuerdo pobres y semiderruidas (la primera vez fui a los 3 años del Niño del 82-83), ahora pujantes y grandes; y un valle feraz, verde, con palmeras por todas partes. Ciudades como La Unión, Vize, El Arenal, iban apareciendo en la ruta. El día anterior Claudia, una amiga de Piura, contaba cómo se iba a transformar todo esto a raíz de la nueva industria fosfatera; espero que sea para bien.
Pero el calor no dejaba de molestarnos; la precaria ventanilla dejaba ingresar un poco de aire, ya estábamos amodorrados; de pronto, como agujas enhiestas ves a los lejos las dos torres de la iglesia. Ya casi estábamos en nuestro objetivo; la carretera sinuosa era devorada por el micro y la imagen era cada vez más clara y grande. En cuanto entramos a los primeros barrios de la ciudad, algunos pasajeros comenzaron a descender. Faltaba poco, el bus dobló por un malecón y nos topamos con el mercado. Un poco desconcertados, preguntamos al chofer dónde estaba la catedral, nuestro objetivo; nos dijo que nos quedáramos un rato para acercarnos un poco más y luego nos indicó dónde descender y caminar; ya estábamos casi en nuestra meta.
Bajamos en una esquina a no poca distancia de la iglesia, la cual ya era bastante visible para nosotros. Bajo el agobiante calor (era casi mediodía) marchamos a nuestro objetivo. Al comenzar nuestra marcha, vemos una oficina de Manpower, la cual está reclutando a varios sechuranos que han de trabajar en el proyecto Vale Do Sol (¿es así?) que cambiará todo el panorama de Sechura.
Seguimos la marcha y llegamos a un costado de la monumental iglesia; como era domingo, estaba abierta y nos enrumbamos. Sólo el hecho de estar frente al frontis de la misma ya es de por sí toda una experiencia. El interior luce un poco descuidado, pero se ve que fue toda una magnífica iglesia, como lo demuestra el fino estucado que tiene, las imágenes que aún quedan y en sí la magnífica construcción que es. Logramos subir al campanario para ver el juego de campanas que según nos dijo nuestro guía su sonido es fácilmente perceptible a la distancia. Además en una zona tan tranquila, su sonido debe ser oídos por todos, salvo los momentos en que las estridentes fiestas populares con todos sus parlantes "a todo meter" acallan a las campanas.

La visita concluyó con una visita al pequeño balneario que está cerca a Sechura, al cual llegamos con un mototaxi y vimos algunos oasis en el camino.

viernes, 28 de noviembre de 2008

IRREVERENCIA IBÉRICA DE LA ERA SOCIALISTA




“..Audacia que, con independencia de los resultados,
solicita nuestra adhesión y despierta mi admiración”
MIGUEL MARÍAS, TODO SOBRE MI MADRE EN LA TRAYECTORIA DE PEDRO ALMODÓVAR



Para una persona más allá de los 30 años no le es extraño el inmenso vuelco que dio el cine español en las últimas décadas, sobre todo a partir de los 80. Tras una etapa oscura durante el régimen totalitario de Francisco Franco, el cual gobernó España con mano férrea con la consabida trilogía de opresión juez (estado) – cura (iglesia) – maestro (sistema educativo), la sociedad española daba sus primeros pasos hacia una sociedad moderna. La mojigata televisión de la época franquista, al igual que la prensa y los artistas e intelectuales de entonces se desperezaban lentamente de una opresión de casi 50 años (1939 -1975), y no era una cosa fácil de hacer. El pasado histórico había abierto una dura y profunda herida difícil de cerrar.

Muchos artistas e intelectuales fueron oprimidos e incluso asesinados durante la nefasta Guerra Civil del 36 al 39. Federico García Lorca cae asesinado y Miguel de Unamuno muere por no poder soportar lo que le había sucedido a su terruño; se fueron al exilio Picasso, Juan Pablo Casals, Buñuel, Mirò, Rafael Alberti, Dámaso Alonso; la lista conformada por grandes, medianos y pequeños artistas que tuvieron que irse para no pelear con el hermano (como sucedió con los hermanos Machado), con el vecino, con el padre, sería interminable; España desangró. Muchos de nuestros países recibieron cantidades de españoles republicanos, comunistas, socialistas, o simplemente gente cuya herencia social e histórica los hacía incómodos al régimen franquista, tal como sucedió con los vascos, cuya extraordinaria terquedad les ha permitido mantener su lengua viva, su identidad, pese a las terribles acciones que realizó el ejército de la Falange para amedrentarlos, no solo fusilando a sus dirigentes, sino a sus intelectuales y curas, hasta llegar a bombardear su ciudad símbolo: Guernica (inmortalizada por el intenso cuadro de Pablo Picasso).

El régimen franquista preparó a un grupo de personas para ser la imagen del mismo, muchos de los cuales hemos conocido por cine, televisión, en vivo o por disco, algunos de estos artistas se sometieron para sobrevivir al régimen; otros le dieron la espalda y sufrieron ciertos exilios o vetos; otros abrieron los ojos y dieron un gran vuelco; en favor de Franco tenemos a los más notables Nati Mistral, Massiel, Nino Bravo, Panero; por otro lado, uno de los más importantes que sufrió el oprobio y el rechazo oficial fue Joan Manuel Serrat, quien se opuso a cantar en castellano, ya que su lengua materna era el catalán. Entre los que abrieron los ojos tenemos a Pepa Flores, más conocida en el cine de los 60 como Marisol. Tras la muerte del tirano, un grupo de directores de cine comienza a exponer sus propuestas, pero eran aún tiempos difíciles; el arte no tenía aún un soporte económico que le permitiera salir, abrir sus ideas y “ponerse al día”. En Europa había la sensación que este continente terminaba en los Pirineos, así clasificando a la península ibérica como una suerte de subcontinente de la pobreza y atraso (Portugal estaba bajo el poder del dictador Salazar).

El interesante ensayo de Eduardo Merchán “Raíces de una generación” (UN SIGLO DE CINE ESPAÑOL, Cuadernos de la Academia, octubre 2000) propone que el boom que experimentó el cine ibérico de los últimos años obedece a una serie de factores, sociales, políticos, económicos y culturales. La España post Franco era muy dependiente del cine americano, los patrones de visión del cine de entonces venía de una férrea censura política y religiosa (en realidad, era poca la diferencia en ese mundo oficial tenebroso). La mayoría de autoridades estaba ligada a un movimiento religioso que surge bajo la sombra del franquismo: el Opus Dei. Era muy difícil ver algún desnudo o alguna referencia discrepante con el Generalísimo (así se le llamaba a Franco). Pero con la llegada del partido socialista en 1982 al poder comenzó una interesante dinámica en la sociedad española; cierto es que aún quedaban muchos rezagos anacrónicos, sino vean el intento de golpe del General Tejero contra el Congreso español, rápidamente y sagazmente desautorizado por el rey Juan Carlos II; ya no había marcha atrás.

El ascenso de la directora Pilar Miró a la Dirección General de Cinematografía va a abrir las puertas a una serie de viejos directores silenciados o jóvenes cineastas a la espera de su oportunidad; los inicios eran difíciles, sea por el poco hábito de trabajar sólidos proyectos cinematográficas (hubo proyectos que se tragaban todo el presupuesto a la mitad de la filmación, así como fallidos intentos descabellados) o por temores de censura. Pero ciertos sucesos positivos a nivel internacional (premios, reconocimientos, ingreso a la Comunidad Europea) han de alentar una cada vez más creciente producción. La internacionalización de este cine con directores como Pedro Almodóvar, Bigas Luna, Alejandro Amenábar, o actores como Penélope Cruz, Antonio Banderas, no harán sino seguir abriendo las puertas a esta interesante y pujante cinematografía.

Algunas películas fuera de las emblemáticas de Almodóvar.

CARMEN CARLOS SAURA 1985 este film pertenece a este ciclo de películas que trabajaron en conjunto nuestro director con el bailaor Antonio Gades (una trilogía). Saura permaneció activo en el cine durante el periodo franquista, reaparece con algunas buenas obras (ahí está CRÍA CUERVOS), y ha tenido cierta irregular producción. Este film es una peculiar y en muchos casos bien lograda relectura de la ópera del mismo nombre de Antoine Bizet. Gades con su ballet logra escenas cumbres como la de la tabacalera, cuando Carmen (Laura Del Sol) se convierte en una asesina furtiva al matar en una refriega a Virginia Hoyos (genial bailaora), apoyan no solo los integrantes de dicho ballet (que alguna vez recaló por Lima) sino, además, Paco de Lucía con su extraordinario grupo de cantantes; hay una aparición fugaz de la que fue esposa (falleció hace tres años) de Gades: Marisol (Pepa Flores)

LA VAQUILLA LUIS BERLANGA 1985 este gran director sobrevivió a los embates de la censura y, durante ese periodo oscuro para la intelectualidad y el arte españoles, produjo sus mejores películas burlando de manera inteligente la burda barrera de entonces. Sus clásicos BIENVENIDO, MR MARSHALL y EL VERDUGO lo hacen uno de los directores más sólidos de los 50 y 60, y se ganó respeto internacional. Su regreso, quizá de guerrero cansado, no le permite hacer un trabajo brillante como lo vivió bajo la censura. Pero este film es un simpático y jocoso regreso a ver ese periodo nefasto de la guerra fraticida española; con la actuación de Alfredo Landa, Santiago Ramos, Guillermo Montesinos y sobre todo José Sacristán saca adelante esta sátira de ese triste pedazo de la historia con elementos muy españoles

LA LEY DEL DESEO PEDRO ALMODÓVAR 1986 Para muchos una de las películas más perfectas de la “juventud” de Almodóvar, no alcanzó quizá la fama por lo polémico del tema presentado en el film Es una historia melodramática llevada al extremo, que nos muestra el amor obseso e inmaduro de un joven homosexual rico y mimado (Antonio Banderas) que se enamora enfermizamente de un escritor maduro (Javier Poncela) hasta el crimen. La hermana de este (Carmen Maura) lo trata de ayudar para evitar, inevitablemente, un desenlace final. Un film sincero y perturbador que causó más de un público rechazo y que, además, por censura velada social no se haya mostrado comercialmente en muchos países o ciudades (¿se estrenó en Trujillo?).

ÁTAME PEDRO ALMODÓVAR 1990 este film aprovecha en cierta manera la resaca de triunfos que nuestro director había estado obteniendo no solo interna sino externamente a España. El mundo estaba ya inquieto por la producción de Almodóvar y recibió con inquietud este film; a decir verdad no es muy sólida la narración aquí mostrada, pero no deja de trabajar en la provocación; es otro trabajo simpático además con Antonio Banderas, quien hace el papel de un marginado social atractivo e irreverente, y cae enamorado de Victoria Abril, actriz de filmes seudo pornos. La palabra “átame” es la clave de una intensa relación sadomasoquista tal como Almodóvar la puede presentar, como si fuera un folletín rosa.

JAMÓN, JAMÓN BIGAS LUNA 1992 este es un alucinante trabajo de Luna, irreverente, que mezcla lo tradicional (corrida de toros, jamones) con la modernización de vivió España, el “ponerse al día” por lo de la Comunidad Europea. El film respira sensualidad con personajes femeninos dominantes, manipuladoras; la más poderosa trata de controlar con determinación sus intereses familiares, y suple sus carencias con dinero y seducción; los otros personajes femeninos se ven desterrados por su condición de marginación social. Los personajes masculinos se atienen a lo que decidan las relaciones y acciones de las otras. Con Penélope Cruz, Stefania Sandrelli, Anna Galiena, Jordi Molà y Javier Bardem.

BELLE EPOQUE FERNANDO TRUEBA 1992 este film es la puerta de entrada del cine español en el mundo de la cinematografía mundial. Una simpática visión de la sociedad ibérica al borde de la guerra civil a través de un rapaz desertor que es acogido por un artista liberal republicano; este tiene cuatro hijas que de una manera u otra van a envolver al desertor; ellas están muy atadas a su padre y a una madre genial, artista viajera con realiza largos trayectos por Sudamérica con su promotor amante. Con el mayor desparpajo conviven el amante, esposo, las cuatro hijas y la artista. En realidad, la cinta no se mete en honduras, sino que es un simpático prisma de la sociedad antes de la guerra con un cura liberal, un joven mojigato leal al rey, entre otros. Actúan Jorge Sanz, Maribel Verdú, Penélope Cruz, el genial Fernando Fernán Gómez, entre otros.

LA TETA Y LA LUNA BIGAS LUNA 1994 una película bastante irreverente como cándida, ya que la narración depende de la reconstrucción de un joven que inicia sus primeros devaneos sexuales. Por eso el esplendor y la candidez emanan a lo largo de este discurso visual, muchas veces ligado a lo erótico como telúrico en el sentido básico de la palabra, raíces, fundamento, descubrir la vida tal cual es, y lo maravilloso y doloroso que significa descubrirla. Protagonizan este film Matilda May, Gerard Darmon, Biel Duran y Miguel Poveda.

LA FLOR DE MI SECRETO PEDRO ALMODÓVAR 1995 Una de las más sólidas películas de la madurez de Almodóvar. Un film melodramático, cual folletín rosa (es más, es un leit motiv durante el desarrollo del mismo) se va convirtiendo en un campo de reflexiones personales sobre la viudez emocional, el abandono y la presencia de oportunidades que a veces no vemos por no tener la ecuanimidad del momento. En cierta manera pertenece a una trilogía, que con CARNE TRÉMULA, culmina con TODO SOBRE MI MADRE. Almodóvar es más reflexivo y habla a través de sus personajes con una peculiar visión de su sociedad por los ojos de un hombre más maduro. La soledad de Leo Macías (extraordinaria Marisa Paredes) es la posibilidad de caer uno en las fantasías que uno mismo crea; y estas muchas veces no nos dejan ver nuestras nuevas oportunidades. Obligada.

CARNE TRÉMULA PEDRO ALMODÓVAR 1997 Una sólida película de madurez en planos dicotómicos de poder y frustración; el personaje joven (Víctor – Liberto Rabal) encarna el poder, pero que desconoce el saber. Los personajes maduros (Ángela Molina, Javier Bardem, Francesca Neri, José Sancho) encarnan diversas frustraciones sociales y físicas, las cuales Víctor las va a ir liberando para darles un final casi redentor. Sintomático el hecho, además, que Víctor nace en un bus en plena navidad durante el régimen franquista en una serie de escenas de los más alucinantes, las cuales se han de replicar en cierta manera con otro contenido hacia el final del film.

ABRE LOS OJOS ALEJANDRO AMENÁBAR 1998 Tras el éxito de TESIS, rueda este film mucho más sólido, con mejores ideas y recursos más interesantes sobre un tema bastante recurrente en la cinematografía de entonces: la realidad virtual. Con una fuerte evocación al maestro Alfred Hitchcock, una serie de escenas evocan muchas de sus mejores películas con el fin de trabajar esos elementos oníricos muy recurrentes a lo largo del film. La historia merece una atención permanente para no caer en despiste de lo narrado, ya que muchas veces es fantasía, deseo o virtualidad. Trabaja Penélope Cruz y Eduardo Noriega.

LA NAVIDAD COMO LEIT MOTIV



Para el discurso cinematográfico y para las artes, en general, la fuente de inspiración está en la consecución de un objeto que provoque sorpresa o desequilibrio, y un artista atento a ese objeto o momento. Así, el creador tiene en su torno un sinfín de leit motiv que se pueden convertir en su elemento motivador.

Uno de esos momentos que pueden convertirse en tal es la fiesta religiosa: cualquiera de ellas es el sincretismo de diversos sueños, traumas e interpretaciones de nuestro mundo, tanto físico como virtual, ideal. Y una de las fiestas que más carga tiene al respecto es la navidad, la natalidad, el dar un hijo, el repetir el ciclo de la reproducción como una perpetuación de nuestra especie.

Difícil en nuestro mundo actual no percibir la navidad; sin embargo, es poco conocida como tal en sus orígenes y la fecha misma no figura en la Biblia, salvo por referencias astrológicas que corresponden al mundo hebreo y su entorno. Desde su institucionalización como fiesta religiosa, otras realidades paganas se han ido “acoplando” a esta fiesta; recuerdo mucho en mi niñez, las navidades eran más a la usanza española que la actual, muy norteamericana; esta, a su vez, viene de las tradiciones inglesas y holandesas, que, además, vienen de las antiguas tradiciones celtas y nórdicas. En mi niñez, Jesús era el niño Manuelito, de Inmanu-el, el enviado de Dios. Ese vínculo de carnalidad le confería un poder especial, y a él se le dedicaba los cantos de los antiguos pobladores de las villas: el villancico. El Siglo de Oro español se ve plagado de escritores que produjeron prolíficamente villancicos, siendo los de Quevedo los más populares y aún hoy cantamos de él “Sopa le dieron al Niño, no se la quiso tomar.” Del acerbo peruano, los villancicos de la colonia llegaron hasta los 60 y fueron muchos rescatados por grupos corales y se volvieron, incluso, política de estado bajo el gobierno de Velasco, quien quería contrarrestar la rápida aculturación de la población peruana ante la contundente influencia de la cultura norteamericana.

El cristianismo católico ha dado muestras a lo largo de su historia de una excelente capacidad de asimilación en las comunidades en las que se implantaba. La navidad sajona protestante es más intolerante al hecho, pese a que sus orígenes son tan paganos como las católicas.

Algunos de los filmes de este ciclo servirán para explicar más detalles al respecto.

¡QUÉ BELLO ES VIVIR! FRANK CAPRA (1946) Quizá una de las más bellas películas inspiradas en la Navidad. Además fue uno de los filmes que irónicamente le trajo más problemas a nuestro director, que pasó a engrosar la lista negra de intelectuales y artistas norteamericanos acusados de comunistas o simpatizantes rojos. Capra nos muestra, a través de la vida del personaje encarnado por James Stewart, una feroz crítica al capitalismo inhumano, insensible, que impera en la actualidad; aquí no tiene ninguna concesión con el capitalista negrero, explotador, metalizado. Y es precisamente en esta fiesta, la cual tristemente es todo un derroche de consumismo y angustia, en la que debemos recordar lo más valioso de cada uno de nosotros: nuestra vida. Y todo lo que ella significa para los otros, tus padres, hermanos, amigos, tu sociedad; tus oportunidades así como tus fracasos, conflictos, todo aquello por lo que te hace único. Sencillamente bella.

EL RUISEÑOR DEL EMPERADOR DE LA CHINA JIRI TRNKA (1949) es una bella película de marionetas de este famoso director checo, un genio en estas artes. El famoso cuento de H. C. ANDERSEN se transforma en una bella obra cinematográfica que va a captar la atención de cualquier amante del cine, porque en realidad para un director como él, el teatro de marionetas adquiere la categoría de arte mayor. Todo un deleite. Esta película es una gran sucesión de fotografías, reunidas en un montaje increíble, todo un excelente trabajo para la época. La narración corre a cargo de Boris Karloff (la versión en francés la hizo Jean Cocteau, gran amante de los cuentos de hadas)

NOS ENCONTRAREMOS EN SAN LUIS VICENTE MINNELLI (1944) Es uno de los mejores trabajos de este director, especialista en musicales, con la que iba a convertirse en su esposa, Judy Garland. Una típica familia de Missouri, precisamente de la ciudad de St. Louis, que se va a ver pronto en la disyuntiva de emigrar a Nueva York, por el trabajo del padre; el alma de la familia cambia y durante las fiestas navideñas ocurre una sorpresa. Es una película de buen color, buena música y nos muestra la bella voz de la Garland, la cual ya oímos en la película EL MAGO DE OZ.

EL ÚLTIMO FRIEDRICH MURNAU (1924) Quizá una de las películas más extremas, circunscrita al movimiento Expresionista alemán, con Emil Jannings en un rol de portero que nos invita a la lástima. Ya viejo él, su función en el mundo laboral se acabó y va a ser despedido dramáticamente. No debemos olvidar que la Alemania de esa época vivía lo que nuestro país ya arrastra por años, un masivo desempleo y los más débiles y pobres eran los que sufrían las más graves consecuencias (¿no les parece muy parecido a la realidad peruana?) En esa época previa al gran crack capitalista, la sociedad alemana hubiera entrado en una gran depresión si no se hubiere agregado el final que lleva; es por eso que otras llaman a este film “LA ÚLTIMA CARCAJADA” en alusión de quien ríe último, ríe mejor. Ojalá fuese así la vida.

EL EXTRAÑO MUNDO DE JACK HENRY SELICK (1994) Aunque dirigida por Selick, el mérito es de TIM BURTON, que la soñó por mucho tiempo. Como toda fiesta de origen religioso sincrético conlleva muchas tradiciones y este film está plagado de tradiciones nórdicas, como la famosa fiesta de las luces (el árbol de navidad es una tradición muy antigua de origen remoto pre-cristiano). En la tradición nórdica casi una semana y media antes de navidad se lleva a cabo la fiesta de las luces, incluso las jóvenes doncellas solían llevar velas en la cabeza para dar paso a la luminosidad preparándose para los largos noches invernales, sobre todo la del 21 de diciembre, considerada la noche más larga. Casi coincide en 40 días la distancia entre la Noche de Brujas con la fiesta de Lucía; como los calendarios religiosos son movibles quizá la Navidad bien hubiera caído un 17 ó 18 de diciembre; a más tardar 21. Equidistante a la relación CARNAVAL y PASCUA DE RESURECCIÓN; aquí no tenemos una Doña Cuaresma, pero los horrores de la Noche de Brujas se amainan con los regalos y el mensaje de amor de la Natalidad. Aunque dichos elementos religiosos no se expliquen, están tácitamente dichos a lo largo de los personajes y la trama presentada en esta fantasía visual, y un llamado al orden a través del amor.

LUCES DE LA CIENCIA FICCIÓN








“Todo lo que un hombre puede imaginar,
puede ser realizado por otro hombre”
JULES VERNE


La ficción es el recurso intención base de las artes, en la representación de un contexto o idea; la ficción tiene como base los sueños, las proyecciones o los deseos frustrados de la humanidad, aquellos que anhelamos y que algún día serán realidad, para nuestro bien o…nuestro mal como especie.
En la literatura, grandes escritores del siglo XIX supieron retratar, a través de las letras, los profundos cambios de la Revolución Industrial, así como la fe ciega en la ciencia basada en un estudio sistemático capaz de trasladar ese planteamiento lógico-matemático a la interpretación de las ciencias humanas. Así pues, a la par del desarrollo de las ciencias físicas (bajo la perspectiva filosófica del Positivismo), van apareciendo ciencias como la lingüística, la sociología y la psicología. El espíritu capitalista de procesar el mundo, sea como materia prima o como mercado, lo lleva a rincones insospechados: a descubrimientos geográficos importantes, al acercamiento de sociedades tradicionales y cerradas y a “sacarle el jugo al tiempo”. Es el inicio de la era de las máquinas. Hombres y mujeres de gran imaginación, rodeados de descubrimientos naturales y artificiales del momento, hacen uso de esta para comenzar a proyectar el porvenir. Si Mary Shelley crea un nuevo Prometeo (Frankenstein) que encarna el anhelo de la eternidad por parte de los seres humanos (quizá fascinada por los estudios y descubrimientos de Galvani y Volta) , o Conan Doyle utiliza las ciencias Física y Química para el desarrollo de la Criminología a través de la mente lúcida de Sherlock Holmes; son Jules Verne y H. G. Wells los que, visionariamente, van a ver la sociedad del futuro, aquel con una visión expansiva y dominante; otro, reflexivo y demandante de responsabilidad de lo que el hombre va a hacer de su entorno. Verne nos da la praxis de ese mundo que, como dijo Marx, está ahí para ser transformado, ocupado, dominado. Wells, socialista él, nos advierte que el mal uso de nuestro saber nos puede conducir a la infelicidad.
Ambos pueden ser considerados los padres de la Ciencia Ficción; Verne, el artesano; Wells, el filósofo. Sus obras nos van a mostrar de lo que el hombre puede ser capaz: LA MÁQUINA DEL TIEMPO, DE LA TIERRA A LA LUNA, EL HOMBRE INVISIBLE, VEINTE MIL LEGUAS DE VIAJE SUBMARINO, LA GUERRA DE LOS MUNDOS, VIAJE AL CENTRO DE LA TIERRA, LA ISLA DEL DR. MOREAU, LA VUELTA AL MUNDO EN OCHENTA DÍAS, son muchas de ellas todo un muestrario de posibilidades para ese entonces; ahora muchas de ellas ya son realidad. Si no existe aún en la vida real un Capitán Nemo varado en una Isla Misteriosa, los norteamericanos no tuvieron mejor idea que rendir un homenaje a nuestro escritor llamando a su primer submarino nuclear NAUTILUS.
Con la aparición del cine a fines del siglo XIX, Méliès va a ser ese genio que va a tomar algunas obras literarias de esta índole y va a abrir el campo a la ficción visual. Es el padre del cine moderno al haber utilizado los trucajes y efectos especiales, primero para divertir; luego para exponer sus ideas. Si uno ve la mayor parte de sus obras, los principios del cine ya están en ellas; lo demás es solo perfeccionamiento tecnológico en este tipo de cine. Es como Johan Sebastian Bach para la música occidental. Son las raíces y hay que volver a ellas de vez en cuando para empezar algo nuevo.
Pero cada cierto tiempo, algunos genios vuelven a esas raíces y le suelen arrancar poesía a la tecnología; además se vuelve un verdadero espacio de ideas, propuestas filosóficas y muchas dudas sobre el hombre en sí. Ya no son un mero entretenimiento, son obras de peso, con toda una visión sociológica y una profunda lectura del alma humana con sus demonios, sus anhelos y temores. Y son obras abiertas, no conclusas que se irán releyendo, a medida que pasen los años, por hombres y mujeres que tendrán las mismas dudas.
Por otro lado, hay que llamar la atención que esta conjunción de imagen y sonido ha ido perdiendo paulatinamente el encanto de maravillarnos como lo hizo hace más de 110 años (primero mudo, luego ya con el sonido); ahora es tan cotidiano este trabajo que se necesita de otros elementos o acciones recurrentes para poder volver al asombro; este reto no va solo al cine, sino a todas las artes y, en general, a todo quehacer humano con el fin de hacer atractivo el mensaje que subyace en la obra (he ahí los retos a la educación, la media informativa, la publicidad, etc.). Es un eterno desafío de la forma; si se trabaja en ella, podemos hacer atractivo el mensaje, para capturarnos en la maravilla otra vez.

EL HOMBRE INVISIBLE (1933) JAMES WHALE Una interesante película que tiene como tema el libro que lleva el mismo título de H. G. Wells, libro que apareció dos años antes que fuera descubierto los Rayos X. Es todo un alarde de recursos técnicos y efectos especiales para la época, cómo lograron filmar las escenas en las que nuestro actor era un cuerpo desvanecido y del que solo se veían vendas u otros accesorios. Como trucaje es excelente, todo ideado por este gran Director como lo fue Whale, quien también hizo otras dos grandes obras maestras, FRANKENSTEIN y LA NOVIA DE FRANKENSTEIN. Whale fue un buen artesano que supo recurrir a los efectos especiales de entonces para crear esa fascinación por el misterio. El actor elegido para el papel de hombre invisible, Claude Rains, supo aportar una voz idónea a través de la cual vamos “viendo” su locura.

METRÓPOLIS (1927) FRITZ LANG Este extraordinario filme mudo que nos muestra una ciudad – madre en la cual sus habitantes son acogidos o marginados. Quien haya leído la obra La Máquina del Tiempo de H. G. Wells comprenderá esa división estricta de la clase trabajadora, que habita el subsuelo, y la clase ociosa, rica y débil, la que habita en la superficie, alimentada por la clase trabajadora. El endiosamiento de la máquina, denominada Moloch, pinta de cuerpo entero nuestro mundo moderno, el cual está rodeado de interesantes y sutiles formas de comunicación inductiva, aquí encarnada por una mujer-robot. Pese a los posibles conflictos difíciles de resolver por conciliación, nuestro Director logra una propuesta que no fue del todo bien vista. Debemos entender esta película en el contexto de la Gran Depresión y la fuerte inflación que tuvo Alemania en este entonces, mucho peor que la que vivimos del 85 al 90. Es un film premonitorio y que nos advierte de muchas cosas que todavía faltan por llegar pero están allí, a la vuelta de la esquina.

BLADE RUNNER (1982) RIDLEY SCOTT Una aguda visión del mundo hecha. Una megápolis conformada por la fusión de San Francisco y Los Ángeles nos ofrece esta absurda ciudad con especiales relaciones urbanas, apabullante. Aparición de nuevas lenguas (algo así como el spanglish o el portuñol), presencias vitales de emigrantes y etnias en nuevos espacios, publicidad multiétnica. Además se le agrega una fuerte dosis de acción con una gran metáfora del sentido de la vida en su esencia. Quizá los humanos ya estemos planteando, con esta propuesta cinematográfica y literaria, la idea de lo expuesto por Isaac Asimov en su trilogía de Fundación e Imperio, en la que ya se habla de un planeta – ciudad; pero que no contempla todos los fuertes cambios que le significarían al ser humano como tal. Es una visión un poco ácida de la globalización como pensamiento de la humanidad. Planteamientos como Androides, clonaciones, ingeniería genética son las ideas cotidianas de ese entonces; discusiones éticas, filosóficas y humanísticas se ven a lo largo del discurso tanto del que “retira de circulación” a los Nexus 6 como el de ellos mismos.

ALPHAVILLE (1965) JEAN LUC GODARD es un filme poético de anticipación, con un actor fetiche para el cine galo de la nouvelle vague francesa, como lo fue Eddie Constantine en el rol del detective Lemmy Caution, quien viaja a Alphaville a destruir este planeta sometido por una computadora llamada Alpha. Logra su plan y salva a una chica que le sirve a su causa gracias a que ella pronuncia las palabras prohibidas: TE AMO. Todo un juego semántico, de imágenes, que se remonta a los expresionistas alemanes que rescata lo humano frente a la lógica fría y calculadora (lo que llamaba a la atención Henry Marcuse). Tiene muchos pasajes que recuerdan los métodos de los que habla George Orwell en su obra 1984.

SOLARIS (1972) ANDREI TARKOVSKI Un film de la era soviética, una bella propuesta para reflexionar. Un planeta que influye en la mente humana, escudriñando sus recuerdos y haciéndoles reales; así pues, seres amados muertos vuelven al círculo íntimo de uno. Desata una crisis en la tripulación, ya que uno no puede controlar el campo de las emociones; en su lento desarrollo, vemos cómo el retorno del pasado nos hace meditar sobre ese inmenso campo de la psique humana, plagado de emociones, recuerdos, impresiones; y también es saldar con lo ido para poder empezar algo nuevo. Es una madura observación de los pasados personales, cargados de momentos que muchas veces no queremos ver, ni abrir.


2001, ODISEA DEL ESPACIO (1968) STANLEY KUBRICK Sobre esta película se ha escrito tanto: casi un fracaso económico en sus inicios, 2001 es una obra maestra; con ella el género de la Ciencia Ficción llega a su madurez y deja de ser una historieta hecha animación. Además con ella inaugura un trabajo feliz entre el mundo de las escenas y la música culta. Magistral es el uso de ALSO SPRACH ZARATUSTRA de Richard Strauss, como el inmortal DANUBIO AZUL, de Johann Strauss: las escenas en movimiento giratorio no tuvieron música más feliz que este vals, y esto es uno de los tantos méritos de este filme. En las entrevistas que se hicieron tanto a Arthur Clarke como a György Ligetti, ambos expresaron su admiración sobre la misma así como el extraordinario trabajo cotidiano de nuestro director, preocupado por la perfección, casi hasta la obsesión. Como obra maestra, la película tiene muchas lecturas. Para entender el inicio hay que remontarse al pequeño folleto que alguna vez hayamos leído de Friedrich Engels, “El papel del trabajo en la transformación del mono en hombre”, todo contenido en la más bella elipsis mejor lograda en toda la historia del cine: el paso del hueso-instrumento a la nave espacial. Simplemente genial. Otra maravillosa sensación, así como agobiante, es la del hombre frente a la inmensidad, tanto del espacio como del planeta en que habitamos. En el patrimonio fílmico norteamericano, se la considera entre las 10 mejores películas de todos los tiempos. Justa elección y de visión imprescindible.

NAZISMO EN EL CINE




La inflación redundó en gran beneficio de los grandes industriales
y de los productores agrícolas, en tanto que las clases medias
y los asalariados se vieron reducidos a la miseria
JACQUES NÉRÉ, HISTORIA CONTEMPORÁNEA




El periodo nazi es una de las etapas históricas más fascinante y oscura de la humanidad, plagada de errores intencionales aún no asumidos por grupos que empujaron a este fenómeno sociopolítico al poder. Reflexión del mal uso de los medios para evitar procesos inexorables históricos; visión maquiavélica de un estrato social, el cual no tuvo escrúpulos en usar como contenedor de acontecimientos históricos que iban provocándose en la Europa de entreguerras con las nefastas consecuencias que conocemos.

El ascenso vertiginoso del nazismo corresponde a una convulsionada etapa de la Alemania derrotada y humillada después de la Primera Guerra Mundial. El oneroso Tratado de Versalles significó una carga pesada para el pueblo alemán, un tratado en el que comprometió su territorio y su población a los desalmados intereses de los capitalistas y políticos de los países vencedores. Aunque también lo fue cuando se partió en dos, después de la Segunda Guerra Mundial, Alemania además se convirtió en una zona experimental para las ideas del comunismo bolchevique y el capitalismo monopolista, como ya lo había vislumbrado Lenin en sus diversas tesis al respecto. La clase alta alemana se acomodó rápidamente a la nueva situación y trató de mantener una suerte de statu quo que, obviamente, la beneficiara. Cuando el peligro rojo aparecía como una sombra siniestra en el panorama teutón, un grupúsculo surgido en la Bavaria conservadora hace su aparición y este grupo va a poder “conjurar” todos los temores de una población temerosa y humillada por los resultados de la guerra, desmoralizada por los pagos abusivos impuestos a su industria y toda actividad económica y una terrible espiral inflacionaria, (que hace palidecer la terrible que tuvimos los peruanos bajo la hecatombe de los 80 con el inefable Alan García en su primer y devastador gobierno). Los alemanes se veían acorralados por enemigos internos y externos, y su país no era visto con simpatía por las demás naciones, sobre todo por los vencedores. Los réditos humillantes hicieron que el pueblo alemán busque un salvador. Además la inestabilidad política en la era Hinderburg, manejado el país por una casta de gobernantes egoístas, interesados e insensibles favoreció el ascenso de este mediocre partido manejado por un resentido (a todo nivel) que supo reunir todas las frustraciones del momento. Personajes oscuros como Franz von Papen, Wilhem von Gayl o el intrigante general Kurt von Schleicher no hicieron nada más que crear la incredulidad del pueblo alemán por sus gobernantes y permitir el ascenso del nuestro oscuro personaje. Tal como sucede en nuestras débiles democracias, el sentido político pasa a un segundo plano dando prioridad a líderes emergentes demagogos, incapaces de trazar una línea de nación a largo plazo (como ha pasado en nuestro país desde su Independencia). Hitler fue un perfecto líder, no hay que negarlo, pues surgió en una coyuntura, supo “leerla” y darle una respuesta; dirigió al pueblo bajo las ideas que él creía y los demás las abrazaron como suyas en esas circunstancias. Le dio fe a un pueblo desilusionado. Hay que entender todo esto bajo esa óptica. Si para los peruanos durante los finales de la debacle aprista y los años iniciales del oscuro Fujimori la solución se hallaba en vírgenes que lloraban o aparecían en puertas, o en santeros que te curaban con la mano; para los alemanes ese santo fue un poco Hitler. El poder acumulado por él fue atractivo para los grandes industriales y comerciantes quienes lo intentaron de utilizar como un títere para sus intereses y contener el malestar social. El avance comunista entre los descontentos alemanes era imparable y esta clase dirigente no tuvo ningún reparo en apoyarlo; además los demás países como Inglaterra o Estados Unidos trataron de presionar para que el enfrentamiento sea entre Unión Soviética y el Reich, es por eso que el pacto Molotov (STALIN) – Von Ribbentrop (HITLER) fastidió mucho a los intereses de estas potencias. La rara posición de estos países se ve en la ambigua postura que asumieron estos gobiernos (no así sus pueblos) frente a la abierta participación de los nazis apoyando a Franco durante la Guerra Civil española, en la que la Luftwaffe participó con algunos tipos de aviones para bombardear algunas ciudades desprotegidas enemigas de los falangistas, como el terrible caso de GUERNICA (inmortalizada en la pintura de Pablo Picasso).

El costo que la humanidad ha pagado por el apoyo abierto o sesgado a este movimiento ha sido muy alto, pero bajo la perspectiva fría de los líderes de ese entonces (o actuales) sí ha sido rentable. Así de sencillo. A su derrota, el mundo estaba “hecho” a la medida de los poderosos.

He aquí algunos filmes que tienen como tema el nazismo, sea directa o tangencialmente:

TRIUMPH DES WILLENS (EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD) (LENI RIEFENSTAHL) (1935) ¿qué podemos decir de este documental? Si por las imágenes solas nos quedáramos, muchos se sentirían (y se sienten, peligroso) fascinados por el Nazismo y su líder Adolfo Hitler. Es un documental que muestra el congreso del partido nazi que se llevó a cabo en setiembre de 1934 en la ciudad de Nuremberg. Es un despliegue de recursos para mostrar ese increíble espíritu de organización, coordinación y gigante parafernalia que caracterizó (y caracteriza) a los partidos fascistas. Las imágenes ayudan a crear esa sensación de poder, pura y sofisticada propaganda. Es difícil desprenderse del poder de algunas imágenes bellas y no reconocer que, tras ellas, un poder oscuro y letal las movilizaba. Para muchas personas de poca formación política y personalidad desmembrada y encontrada, encuentra en ésta un mensaje de orden y salvación. Como muchos que admiran a Franco o a Pinochet por la gran calma y progreso que gestaron en sus países. Sin lugar a dudas, es para discutir y evitar que esto vuelva a suceder

BALLADE O SOLDATE (BALADA DEL SOLDADO) (1960) (GRIGORI TCHOUKHRAI) (URSS.) Drama dirigido por Grigori Tchoukhrai es un sincero y emotivo filme sobre aquellos héroes anónimos que fueron a la guerra con muchos sueños e ideales, y nunca retornaron. La historia es muy sencilla: Alecha, nuestro soldadito, hace un acto heroico y es recompensado con una visita a su casa y pueblo...por última vez. El reencuentro con la madre, tras un largo periplo, con enamoramiento incluido, concluye con un emocionante abrazo por unos cuantos minutos, y ella no quiere dejarlo partir. La guerra es “ese monstruo grande” como dice León Gieco, que aplasta la dignidad y la esencia de lo humano, desvirtúa el sentido de la muerte, quiebra esa intimidad que nos liga a ese momento trascendental para convertirlo en un acción cotidiana. Una lágrima para esos héroes desconocidos

DER UNTERGANG (LA CAÍDA) OLIVER HIRSCHBIEGEL 2004 ALEMANIA Una madura reflexión de los últimos días del Führer en su búnker de Berlín. A través de los ojos de una secretaria, Traudl Junge (Alexandra María Lara), vemos la decadencia del Tercer Reich, con una ciudad terriblemente sitiada, bombardeada, con héroes anónimos y con la insana actitud de jerarcas capaces de exigir sacrificio a la golpeada población civil. Alguna vez proyectaron un ciclo televisivo de ciudades héroes, las cuales fueron arrasadas por la locura de la guerra como Leningrado, Varsovia, Dresden, entre otras; una de estas es Berlín, destrozada por bombardeos sistemáticos y dirigida por un loco que aún soñaba con ejércitos desaparecidos y una tenaz lealtad de niños, mujeres y viejos. El fanatismo de un pueblo se ve en los ojos de esta secretaria, quien cree a pie juntillas en su líder; paulatinamente surge el desencanto, pero el temor es más fuerte que la verdad y todo el pueblo alemán es aún arrastrado por estos locos hacia un holocausto del cual lentamente Alemania curará en los años posteriores. Hay una buena interpretación de Bruno Ganz como el Führer.

THE GREAT ESCAPE (EL GRAN ESCAPE) JOHN STURGES 1963 USA es una buena película de suspenso, de un maestro que trabajó el western y cine de aventura. Un grupo de prisioneros en un campo de concentración especializados en reincidentes planea una gran fuga masiva. Los sucesos acaecen rápidamente, buen trabajo de actores y escenas brillantes de aventura. Es una película ágil, la acción no para. Es un clásico. Con Steve MacQueen (una excelente escena de moto), James Garner y Richard Attenborough. La música ayudó a inmortalizar más este film.

CABARET BOB FOSSE 1972 USA Alemania antes de la guerra. Berlín es un hervidero de artistas y es el esplendor de los clubes nocturnos en la capital germana y muchos actores y actrices buscan suerte. Interesante ver a través de los bailes cómo va apareciendo la ideología reinante de la época, la amenaza nazi, la censura velada y luego abierta, la decadencia de un momento. Surge el antisemitismo y una fuerte homofobia en un contexto en el cual había muchas personas con esas características. Alemania va lentamente hacia la hecatombe. Los artistas de la talla de Werner Finck, Friedirch Hollaender, Karl Valentin fueron silenciados y tuvieron que irse del país. El chiste político se volvió peligroso y muchos clubes fueron clausurados; eran espacios en los que la gente, pese al miedo, aplaudía a rabiar a Finck por sus ocurrencias agudas. Actúan Lisa Minelli y Michael York.

INDIGÈNE (DÍAS DE GLORIA) RACHID BOUCHAREB 2006 FRANCIA/ ARGELIA/ MARRUECOS Este es un film de reivindicación en un momento en Francia en la que su sociedad tiene personajes como Le Pen y un presidente con comentarios que hirieron susceptibilidades de comunidades de emigrantes, con sesgos bastante fascistas. Francia mantuvo una gran cantidad de colonias y, durante la Segunda Guerra, la patria había sido invadida por las tropas nazis; el continente reclama la ayuda de sus colonizados y acuden masivamente. Los sentimientos de la elite militar para con ellos es muy ambigua y los hombres que exponen su vida reclaman sus derechos. La intolerancia y el racismo surgen por doquier, algunos que no diferían como los nazis con los judíos. Más de 130 mil “indígenas” lucharon por Francia contra los nazis; poco ha sido reconocido de esta etapa. Actúa una serie de actores franceses hijos de emigrantes y que hacen carrera en la cinematografía gala: Jamel Debbouze, Samy Naceri, Sami Bouajila, Roschdy Zem.

LA NIÑA DE TUS OJOS FERNANDO TRUEBA 1998 ESPAÑA Para nadie es un secreto que Hitler apoyó a los falangistas para vencer a los republicanos. Queda en el triste recuerdo de España el encuentro de los dos tiranos el 23 de octubre de 1940 en Hendaya, territorio vasco francés. La idea era comprometer a otro país estratégico en los planes bélicos nazis. Felizmente el curso de la historia no permitió que Franco ingresase a la guerra, quien había demandado inmensas colonias francesas a Hitler a cambio de la participación de España y la ocupación de la estratégica Gibraltar (la cual aún está en manos de los ingleses). Bajo este contexto de extraña colaboración surge esta película que podría ser una comedia, aunque no lo es del todo. Una coproducción alemana-española en los estudios de la UFA es la razón del viaje de un grupo de actores y actrices españoles a Alemania. Las situaciones son muy graciosas y disparatadas; pero el miedo y el silencio hacen presa de este grupo. Pese a todo y con la despedida de un salve a la república, culmina el film en incertidumbre, premonición de los hechos que se avecinaban. Actúan Penélope Cruz, Jorge Sanz, Rosa María Sardá, María Barranco y una breve participación de Hanna Schygulla.

DIE EHE DER MARIA BRAUN (EL MATRIMONIO DE MARÍA BRAUN) RAINER WERNER FASSBINDER 1979 ALEMANIA Este es uno de los filmes más interesantes y reflexivos de la Alemania de post guerra. De manera alegórica María Braun es Alemania; María se casa el último día de la guerra y su esposo es enviado a prisión; ella debe sobrevivir y recurre a todos los medios; de repente retorna su marido del encierro y ve la realidad de su mujer; tras una nueva complicación con las autoridades por un crimen, el marido va nuevamente a prisión; una vez libre decide emigrar y deja a María sola; ella se engancha por interés con un rico y su poder comienza a ascender. Alemania vio parte de su identidad sometida a los aliados, sobre todo a los norteamericanos, quienes con su ayuda económica condicionaron a una parte de ella (además Alemania fue dividida por los aliados). La historia paralela María / Alemania es impresionante. Además lanzó a la fama a una de las actrices que será emblema del cine teutón de los 70 y 80, Hanna Schygulla.

THE RED BIG ONE (MÁS ALLÁ DE LA GLORIA) SAMUEL FULLER 1979 USA esta es una interesante crónica de un escuadrón que se embarca en la liberación de Europa a partir del ingreso de los Estados Unidos en la guerra. Desde África hasta Checoslovaquia, este puñado de hombres al mando de un veterano de la Primera sobrevive hasta la rendición de Alemania. Hay un paralelismo entre los finales de ambas guerras en la que el sargento veterano es el protagonista, en medio de la locura de la guerra, las extrañas relaciones que se entablan en ese contexto y la impotencia de no poder cambiar ciertas situaciones de esta masacre. Es un film sincero y hay momentos poéticos pese al tema. Buena actuación de Lee Marvin como el sargento.

LES CONDAMMÉS (LOS CONDENADOS) LUCHINO VISCONTI 1969 ITALIA Este film reconstruye los primeros años del nazismo en el poder, el acomodo de las clases poderosas alemanas con los nuevos inquilinos el Reichstag y la destrucción sistemática de todas aquellas personas incómodas al régimen. Se vale del asesinato de un fiel amigo del Führer, el cual sus marcadas tendencias homosexuales arrastraba a varios altos miembros de la Gestapo, SS y otros organismos de control. Se valen de intrigas, complots, intentos de golpe, cualquier medio era efectivo y se declaraba la delación y traición. Las fuerzas en juego provocaban ascensos y caídas, y todos debían cuidar sus espaldas. A pesar de la íntima amistad de Erick Röhm con Hitler, este no cejó en retirar su amistad por cuestiones estratégicas y dejar su ejecución a las huestes de Himmler. La ejecución fue realizada y esta se conoce como “la noche de los cuchillos largos”, en la cual más de 80 hombres, muchos de ellos muy leales al Führer fueron ejecutados. Y además vemos cómo en las familias poderosas la carnicería también empezaba. Con Dick Bogarde, Ingrid Thulin y Helmut Berger.

JUDGEMENT AT NUREMBERG (EL JUICIO DE NÜRENBERG) STANLEY KRAMER 1961 USA Un film difícil y preámbulo de los juicios para evitar la impunidad. Polémico en el mundo del derecho, habida cuenta que el estado nazi tenía una constitución que “legitimaba” estos crímenes. Pauta para lo que serán los tribunales internacionales que juzgarán a delincuentes como Milosević, aunque escapó de esto personajes sombríos como Pinochet o Videla. En realidad como película es más un testimonio y una reflexión de ciertas actitudes por parte de las personas involucradas en el poder judicial en situaciones especiales y extremas. Con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Judy Garland, Maximilian Schell y Marlene Dietrich

MRS MINIVER (SEÑORA MINIVER) WILLIAM WYLER 1942 USA Este film se hizo en los Estados Unidos con muchos actores y actrices ingleses que tuvieron que dejar su país por la guerra, ya que la producción cinematográfica era escasa y muchos estudios fueron destruidos. Y en estudios construidos para esta película, una pareja de esposos vive los primeros momentos de la Segunda Guerra y todo el impacto que le tocó vivir a los ingleses ante el incontenible avance de las tropas alemanas, el desbande de los aliados en Dunkerke y el constante bombardeo de las ciudades inglesas por parte de la Luftwaffe. Fue en cierta manera, un homenaje al pueblo inglés por lo que estaba pasando y una ventana a la sociedad norteamericana, la cual aún mantenía su neutralidad hasta diciembre del 1941 (Pearl Harbor). Sincera película en la que nuestra heroína (Greer Carson) va a tratar de llevar la vida lo mejor posible con su esposo (Walter Pidgeon) en la locura de una guerra.

LA VITA È BELLA (LA VIDA ES BELLA) ROBERTO BEGNINI 1998 ITALIA. Esta es una comedia en medio de la inmensa tragedia de lo que fue el holocausto judío, la Solución Final. Roberto Begnini encarna a Guido Orefice, un hombre de muchos recursos y una suerte a veces adversa, quien le tocó vivir los primeros años de la Italia fascista y la ocupación alemana, y la aparición de los campos de concentración. Sistemáticamente vemos, a través de los últimos momentos de la vida de Guido, lo que va pasando a las comunidades consideradas racialmente impuras. Van perdiendo propiedades, derechos y luego la vida. En medio de esta terrible realidad, Guido trata de enseñar a su hijo que la “vida es bella”, pese a todo. Lo acompaña su esposa (en la vida real lo es también) Nicoletta Braschi.

THE LONGEST DAY (EL DÍA MÁS LARGO) DARRYL F. ZANUCK (PRODUCTOR) 1962 USA Trabajada como un documental, esta película es una ambiciosa reconstrucción del famoso Día D, la invasión de Normandía; vemos la historia narrada desde planos diferentes y la cámara como único testigo de lo que iba pasando en las tropas aliadas, en la población de la Francia ocupada y en las tropas alemanas. Reconstruye a personajes que con sus decisiones y errores marcan el cambio de la historia y precipita la caída del régimen nazi. Cada momento hubo un director que se encargaba del manejo de actores, tomas y dirección. Berhard Wicki para la parte alemana; Ken Annakin para la parte inglesa; y Andrew Marton para la parte norteamericana. Hay un total de 42 estrellas del cine de ese entonces que tienen breves roles; en realidad, la actriz principal es la guerra.

PETER SELLERS, MAESTRO DE LA SÁTIRA




Richard Henry Sellers, mejor conocido como Peter Sellers, sea quizá uno de los actores más postergados por las generaciones jóvenes de cinéfilos. Este gran camaleón de la sátira (como lo fue también Alec Guiness, su compatriota) fue un actor multifacético y encontró la sátira cinematográfica su mejor filón actoral. Nació en el seno de una familia de artistas de vodevil. Interesante es saber que sus padres, Agnes y Bill, pusieron el nombre que lleva en homenaje a un hermano no nacido previo a él. Según reza la biografía pintoresca de su vida, a las pocas horas de nacido ya estaba en el escenario por acción de sus padres, quienes tenían necesidad de un “actor” bebé y nuestro amigo “cayó a pelo”. Fue una persona muy inquieta por las actividades del escenario, por eso estudió actuación y danza, y aprovechaba cada momento libre para subir a las tablas, incluso en los momentos que estuvo enrolado en el ejército de su país. Trabajó en algunos programas de la BBC, pero, irónicamente, fue enrolado en las filas de esta gran empresa pública inglesa. A lo largo de su carrera, ha sido un actor camaleónico que ha asumido roles como un psicópata con poder como un actor aficionado de origen hindú. Siempre fue muy agudo en la construcción de sus personajes y, según comentan, sus 4 esposas y sus hijos sufrían sus exageradas reflexiones sobre la formación de un carácter: una dura formación de la escuela británica. Pero, además, era capaz de cambiar sutilmente y rápidamente de un personaje a otro, tal como lo demuestra en DR. STRANGELOVE.
Su partida a los Estados Unidos le abrió la puerta de la fama en el celuloide, trabajando con los genios como Kubrick, Blake Edwards y Ashby. En su vida privada, se sabe que el excesivo control que tuvo de su madre, una mujer posesiva, lo hizo una persona emocionalmente dependiente y en muchos casos actuaba como un niño.


He aquí algunos buenos filmes de nuestro actor:


DR. STRANGELOVE (TELÉFONO ROJO, ¿VOLAMOS HACIA MOSCÚ?) STANLEY KUBRICK, 1964 Quizá la obra maestra de nuestro actor, Sellers ya había trabajado con Kubrick en el film LOLITA, basado en la obra de Nabokov, en la que hace el papel de un seductor bailarín (herencia de su aprendizaje en diversas y reputada academias de baile durante sus años mozos). Los papeles que juega nuestro actor en este film le merecieron la nominación a varios grandes premios, incluido al Oscar. Este film muestra ese periodo de tensión que se vivió en Norteamérica en plena guerra fría y, pese al espíritu conservador de la sociedad americana, fue todo un suceso por lo descabellado (aunque posible) de las circunstancias que vemos en la película. Hace una parodia de los personajes en cuyas manos la vida de toda la humanidad estuvo. No nos olvidemos que dos años de esta película hubo la famosa crisis de los misiles en Cuba, situación que casi devino en una tercera guerra mundial. El tema era muy espinoso y por eso se temía reacciones violentas contra el mismo. No hubo por ahí desadaptados que culparon a Kubrick de comunista por haber mancillado el espíritu americano. Eran años turbios, un año antes había caído Kennedy y se acentuaba la presencia yanqui en muchos lugares del planeta, sobre todo Vietnam. Desde la perspectiva actual y por el tema puede ser también visto como un documento histórico. Lo acompañan un desconocido (en esta faceta) e hilarante GEORGE SCOTT. Si uno recuerda esa época, qué cerca estuvimos de un final triste por obra y gracia de un energúmeno.

LA FIESTA INOLVIDABLE (THE PARTY) BLAKE EDWARDS 1968 esta es una genial y fresca comedia de los 60, totalmente disparatada; una comedia con muchos gags (parece una película de Jacques Tati) que depende mucho de la capacidad de observación que tiene el espectador a través de la cámara. La presencia de un actor como Peter Sellers, como un desfachatado actor hindú, nos asegura una fiesta ciertamente inolvidable, en la que se sucederán escena tras escena a cual más disparatada, con una velada crítica al tufillo del Hollywood. Critica el mundo de los actores y actrices, donde todo puede pasar con el fin de lograr un papel y, además, el trato que había entre todos los integrantes de este mundillo. Los papeles están bien definidos y la noche es hilarante, pues se burla del american way of life, con sus piscinas y otras cosillas más de los 60.


LA VENGANZA DE LA PANTERA ROSA (REVENGE OF THE PINK PANTHER) BLAKE EDWARDS 1978 El trabajo de Sellers con Blake Edwards fue bastante fructífero. Edwards comenzó una saga inspirado en el personaje creado por DePatie-Freleng para la televisión en los años 60. Fuera de la famosa pantera y la dupla la hormiga y el oso hormiguero, el personaje del inspector Clouseau era la representación del absurdo del mundo de la policía y un visillo de espionaje. Años de la guerra fría, del 007 y todo ese mundo de la tensión entre las potencias, el inspector Clouseau tiene su campo de acción en Europa; Edwards hizo una secuela de 3 filmes, en los cuales actúan diversas personalidades de celuloide en sus características más amables de la vida: el humor. En cada una de ellas, nuestro actor se mete en absurdos problemas y tiene soluciones insospechadas y graciosas, y lo interesante es el rostro de nuestro actor, con ese peculiar sentido del humor. Esta es prácticamente su penúltima película, en un periodo que ya marcaba su retiro del cine.

DESDE EL JARDÍN (BEING THERE) HAL ASHBY 1979 El último film de Sellers, es una crítica mordaz al sistema democrático norteamericano, al cual desnuda con una serie de graciosas situaciones ocasionales y accidentales hasta llegar a lo más alto del poder. Un jardinero con marcado retraso mental pierde todo, su vida sufre un cambio, pero su proceso de asimilación es diferente, ya que el conocimiento del mundo que él tiene es a través de la televisión. Y gracias a esos clichés, Gardener sobrevive y escala en ese mundo de oportunidades que es la sociedad norteamericana. Rudo golpe a esa cultura, donde personajes suben a la cresta de la fama y el poder de la forma más circunstancial. El rol de Sellers es soberbio, con esa mirada cándida que convence a sus interlocutores, quienes lo encumbran a la candidatura del país más poderoso del planeta. Las preguntas finales: ¿ganaría? Si es así, ¿qué pasaría con su sociedad?

EL SENTIDO DEL HUMOR NORTEAMERICANO




“..La risa libera al aldeano del miedo al diablo y este libro podría enseñar que liberarse del miedo al diablo es un acto de sabiduría (...) ¿Y qué seríamos nosotros, criaturas pecadoras, sin el miedo (...)?".
UMBERTO ECO, EL NOMBRE DE LA ROSA


El reír es una de las manifestaciones humanas más agradables y saludables disponible para cada uno de nosotros. Es gratuito y está al alcance de pobres y ricos; gordos y flacos; viejos y jóvenes; hombres y mujeres. Pero lo que puede provocar la hilaridad ya es harina de otro costal. El sentido del humor es también de naturaleza humana, pero ya no es una cuestión fisiológica, ya es una entelequia mental en la cual convergen factores sociales, culturales, lingüísticos y geográficos. El chiste, el doble sentido ya es un proceso mucho más refinado que integra o disgrega grupos humanos, e incluso pueden llegar a convertirse en medios de crítica o una forma de conocimiento de la coyuntura vivida por una sociedad. La posibilidad de transformar el entorno de cada uno de nosotros hacia la hilaridad es una acción creativa que demanda ingenio y reconocimiento individual y colectivo. Así pues, la buena comedia no es una actividad ligera como muchos han querido ver este género. La confusión de relacionar la vulgaridad con el buen humor ha hecho que el gusto por este género se haya deteriorado y haya formado un público con exigencias ramplonas y de total mal gusto El facilismo acostumbró a muchos oyentes y espectadores a una lectura auditiva y visual fácil y poco complicada, y se pensó que el lado amable de la vida no podía ser fuente de un entretenimiento inteligente y lúdico.
Como manifestación cultural, el humor tiene diferentes manifestaciones que requieren lecturas especiales por parte del receptor; y le demanda agudeza, rapidez, capacidad de crítica y autocrítica. Una aguda visión de lo social puede derivar en la crítica, cuya mayor manifestación es la sátira, la cual no está solamente reservada al mundo político. Es interesante ver cómo cada sociedad construye una visión graciosa de sí misma, mordaz y muchas veces cínica; es una catarsis amable, de distensión. Y también lo es de solidaridad con el o los personajes a quienes les toca experimentar situaciones embarazosas o tragicómicas. Así como la antigua tragedia griega se convertía en el liberador de demonios del inconsciente colectivo, la comedia moderna se ha vuelto en el catalizador de nuestras histerias, neurosis, complejos, deseos reprimidos y frustraciones.
La buena comedia norteamericana del cine es un buen estudio de la sociedad y sus momentos en este planeta. Directores y actores han observado todos los traumas que arrastran sus conciudadanos y los han llevado al ecran; algunos con mediocres resultados, pero felizmente también hay un buen número de filmes que nos han arrancado risas de complicidad y se han convertido en parte del patrimonio cultural de la humanidad: MODERN TIMES, LIGHTS OF THE CITY o SOME LIKE IT HOT no pueden estar fuera de una lista de las mejores películas de todos los tiempos
Así pues, el cine, como manifestación cultural, ha dado obras que han hecho reír por décadas: grandes cómicos se han burlado de la miseria humana en todas sus manifestaciones y variantes. Como Mozart y Rossini lo hicieron en sus grandes óperas (Così fan tutte o El Barbero de Sevilla son obras maestras del género), el cine ha dado también maestros que nos han hecho desternillar de risa en nuestros asientos: Charles Chaplin, Bourvil, Louis de Funès, Fernandel, Cantinflas, Nini Marshall, Lucy Ball, Ugo Tognazzi, Umberto Lattuada, Woody Allen, Mel Brooks, son parte de esa gran lista de hombres y mujeres que han dignificado a la comedia y nos han hecho ver a través de su genialidad la inmensa capacidad que tiene el ser humano de poder reírse de sí mismo inteligente y agudamente.

Algunas joyitas para deleite.



TOOTSIE (1982) Divertida comedia de Sydney Pollack, con un sorprendente Dustin Hoffman en un trabajo de travestismo insuperable, y con un reparto genial. Un actor desempleado lleva a cabo un desafío, lograr una plaza en una telenovela famosa en el mundo americano; pero el papel que logra es inesperado y, bueno, sigue adelante con su trabajo. Sucede una serie de eventos al cual más gracioso que el otro. Decide terminar con su farsa en una escena antológica frente a las cámaras de televisión. Excelente trabajo actoral, un buen reparto de actores, sorprendente maquillaje, una joyita de comedia.

DESAYUNO EN EL TIFFANY (BREAKFAST AT TIFFANY´S) (1961) simpática película del director Blake Edwards con Audrey Hepburn y George Peppard; una propuesta suave de la escabrosa novela de Truman Capote que lleva el mismo nombre, aunque en castellano es conocida como DIAMANTES PARA EL DESAYUNO. Aunque la visión del filme es mucho más bondadosa, no deja de ser una ácida crítica a todo ese mundillo intelectual bohemio urbano neoyorquino, que viven el día a día, sin una moral que los limite, ni una culpa que los detenga. Nuestros dos actores principales son un par de vividores en la gran ciudad, que sobreviven y tratan de solucionar sus soledades. La canción compuesta por Henry Mancini, Moon River, popularizó más este filme


LA BODA DE MI MEJOR AMIGO (MY BEST FRIEND´S WEDDING) (1997) Filme de P. J. Hogan, el director australiano de LAS BODAS DE MURIEL, incursiona en el mundo hollywoodense y nos da esta simpática comedia que tiene el respaldo de dos actrices muy conocidas: JULIA ROBERTS y CAMERON DIAZ. Pero el actor que se lleva las palmas es RUPER EVERETT, quien con su divertido papel les roba el show a las actrices ya mencionadas. La libertad de mostrar los cambios sociales de la sociedad norteamericana frente a los tabúes como es el caso de la homosexualidad, permite tomarlos con más naturalidad y pueden ser toda una fuente de comicidad como lo es el papel de Everett, en un rol gay de lo más divertido por su franqueza (en la vida real lo es), desparpajo y la capacidad de convertir cualquier situación tensa o triste en un momento simpático y risible.


ENTRE COPAS (SIDEWAYS) (2004) esta es una muy buena comedia dirigida por Alexander Payne y tiene a un excelente actor (Paul Giamatti) en uno de los cuatro principales personajes del filme. Un buen sentido del humor, personajes sólidos, sin ningún maquillaje sensiblero o extremadamente acartonado. Es un viaje de despedida de soltero por un valle vitivinícola en California, esta gira hacia el vino permite el encuentro de 4 almas en busca de emociones y destinos; hay una excelente descripción del vino que asume valores analógicos a la relación de pareja y al amor, cargas de sinestesia a la acción de catar un buen vino.

DER LEHRER BILLY WILDER




“Hola, soy Dios. No debiste haber dicho eso anoche.
La gente se santigua al verme en la calle”

Respuesta de B. Wilder a Fernando Trueba, Diccionario del Cine



Quizá uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos, este maestro austriaco dio a la cinematografía películas y personajes notables tanto en el mundo de la comedia como en el drama. Dejó brillantes libretos, agudos diálogos y frases inmortales que ya son parte del patrimonio intelectual y artístico de la humanidad. Nació en Sucha (Austria) en 1906; el avance del nazismo lo hizo huir de su patria, ya que era judío. Alguna alma avezada había tratado de burlarse de él en su condición, pidiéndole hacer un film de la historia de Jesús; Wilder le propuso al actor sarcástico de marcada simpatía nazista que hiciera este (el actor) el papel de Jesús, pero que los clavos iban a ser verdaderos. Obligado al destierro, emigró hacia los Estados Unidos para hacer su carrera (como le pasó a Marlene Dietrich, Conradt Veidt, Peter Lorre y otros actores alemanes o germano parlantes). Agudo para ver la sociedad que lo acogió, fue un sable en la crítica de todos los aspectos de la vida de Norteamérica, sobre todo con el cine, actividad que es arte y, a la vez, una industria implacable y sórdida. Se inició en los estudios de la Paramount y fue testigo de muchos acontecimientos que lo han de marcar: la derrota de Alemania, el ascenso poderoso de los Estados Unidos y el desencanto de su sociedad tras la culminación de la guerra. Muchos artistas que trabajaron con él opinaban sobre su espíritu ácido, habida cuenta que dos de sus mejores filmes desnudaron la ingratitud de Hollywood, que vive de actores en primeros planos y que luego los desecha por estar viejos. Estos filmes bien pudieron ser casi documentales y los nombres no tenían necesidad de ser cambiados. Wilder sabía en lo que estaba, por eso no le preocupaban los premios y esas otras avituallas que este mundo suele ofrecer.
Supo trabajar con sus actores, se rodeó de divas y con ellas hizo películas geniales; tan agudo como era, logró evadir la censura de la mojigata sociedad norteamericana y expuso temas de manera sutil y graciosa. No era muy experto en la escritura del idioma inglés, es por eso que solía emplear a los mejores guionistas de cine como una suerte de secretarias e interlocutores de sus ideas, tal como lo sentían George Axerold o A. L. Diamond; este último decía que era una secretaria de 150 mil dólares, una ironía para reflejar el trabajo de locomotora que tenían con él. Pero, lo que pudo haber sido un trabajo desbordado, en sus manos el trabajo fue objetivo, pulcro, sin excesos; trazaba sus reglas claramente e invitaba a los que trabajaban con él a seguirlas, pese a que gustaba la fricción con sus colaboradores; así podía conocer otras perspectivas, otros puntos de vista. Por eso, estuvo siempre en la cumbre de la cinematografía mundial. Un paradigma.

Cuando Fernando Trueba recibió el Oscar por su film Belle Epoque, él mismo declaraba no creer en una divinidad, mas sí en Billy Wilder. Este recibió esas declaraciones con mucha simpatía y muchas personas ligadas al cine estuvieron de acuerdo en eso. Wilder nos dejó a los 95 años en el 2002 y su legado es de visión obligatoria para todo aquel que quiere hacer cine: planos, fotografía, script, manejo de actores. En fin, un maestro, ein Lehrer.

He aquí algunos de sus grandes filmes


SOME LIKE IT HOT (UNA EVA Y DOS ADANES) (1959) Una de las películas más brillantes de todos los tiempos, con diálogos agudos y con las actuaciones geniales de Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis. Años de la gran depresión norteamericana, con una sociedad habituada al mundo gansteril, un par de músicos es testigo de una masacre, la masacre de San Valentín, por un ajuste de cuentas; este par debe huir para salvar el pellejo y se enrolan en una banda de mujeres músicas, en camino a Florida para tocar en hoteles de viejos ricachones. Escena tras escena, los diálogos son exorbitantes y las situaciones ridículas y geniales. El mundo travestido presentado por Wilder no es censurado, pese a la reticencia de la sociedad de entonces frente a estos temas. Con el guión A. L. Diamond, la película es una arma inteligente de crítica de la moral ambigua de la sociedad americana: cierra el film, la frase más famosa de la historia del cine: “nadie es perfecto”. En realidad, la película es perfecta.


THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES (LA VIDA ÍNTIMA DE SHERLOCK HOLMES) (1970) ¿Qué no se ha sospechado sobre este personaje creado por el literato inglés Conan Doyle? La bizarra relación con su secretario Watson (Colin Brakely), como su secretario, confidente, amigo, lleva a Wilder (escribió el guión, además) crear esta película con una serie de intrigas y suposiciones sobre la vida privada de este famoso detective (Robert Stephens), quien fue tan conocido en el mundo extraliterario a tal grado que se pensaba que era un personaje real. Cuenta la historia que la misma Scotland Yard le encargó resolver ciertos casos irresueltos, le pedían consultas e incluso se enviaban cartas a la supuesta casa de ambos amigos en Baker Street. Con este gran antecedente, se recrea estas hipotéticas historias, todas pícaras, pero encerradas en la lógica de Doyle para darnos su credibilidad. En las diversas situaciones, los dardos aleves contra la sociedad victoriana son lanzados con mucha sutileza, así como la insinuación sobre la supuesta relación homosexual entre ambos amigos.

IRMA, LA DOUCE (IRMA LA DULCE) (1963) Una simpática comedia ambientada en París, una prostituta (Shirley MacLaine) ejerce su oficio diariamente por las calles, topándose con todo tipo de clientes. Protegida por su chulo vividor, un día conoce a Néstor (Jack Lemmon), un simpático policía recto con la ley, lo cual lo lleva a tener una serie de problemas. Por hacer una redada, lleva a prisión a Irma, Néstor no sabe que todo está apañado. Lo que podría haber sido una fuerte decepción, se convierte para Néstor la oportunidad de conocer más a fondo a Irma. Diversas situaciones ridículas le hacen perder el puesto, pero al final queda con su chica. Wilder trabajó bien con esta dúo y explotó el espíritu cómico de Jack Lemmon.

SUNSET BOULEVARD (EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES) (1950) Este es el film más cruel, pero real del mundo de Hollywood; sobre éste se ha escrito tantos ensayos y todos concuerdan que es una de las obras capitales de nuestro Director. El trabajo de Gloria Swanson es impactante y en cierta manera es su propio retrato. La decadencia se ve en su rostro, sus gestos, y el mundo de sus acompañantes; vemos a un Búster Keaton, viejo, consumido por el alcohol, rememorando los buenos viejos tiempos. Y el increíble papel de Erich von Stroheim, como el esposo chofer de Norma Desmond, es conmovedor y terrible. Y el papel de William Holden, de gigoló pelele, quien con su narración en off nos va contando este drama. Sin duda, el lado oscuro del mundillo hollywoodense. Obligada.

WITNESS FOR PROSECUTION (TESTIGO DE CARGO) (1957) Un día Wilder dijo querer hacer un film mejor que los de Hitchcock y llevó a cabo esta interesante obra, trabajando con dos grandes del cine como lo fueron Marlene Dietrich y el soberbio Charles Laughton, quien encarna a un abogado agudo, mordaz. Sir Wilfrid Robarts, nuestro abogado, decide tomar el caso sobre un asesinato de una mujer mayor solitaria. El principal culpado es un inventor mediocre, sobre el cual recae todas las sospechas, incluso su esposa ha declarado contra él. Esta obra de Agatha Christie es repotenciada por el genio de Wilder, le pone diálogos agudos para desnudar la verdad de los hechos. Un buen ejercicio mental.

THE APARMENT (EL DEPARTAMENTO) (1960) Una estupenda comedia en la que se critica la consabida lealtad corporativa, la cual obliga a la gente a ser leal a causas ridículas, injustas o improcedentes. Un empleado de una compañía de seguros (Jack Lemmon) se vuelve un alcahuete de sus superiores, incluido su jefe (Fred MacMurray), prestándoles su departamento para sus infidelidades y sus escapadas. Así, su departamento va a ser el escenario de la conquista de la chica que ama secretamente, una ascensorista (Shirley MacLaine). Esta es seducida precisamente por el jefe y ella intenta suicidarse en el mismo departamento. El pobre empleado busca consejo y su vecino (Jack Kruschen) le sugiere frenar estos abusos y enfrentarse a sus superiores. Ácida, y hasta un poco pesimista, es un buen estudio del mundo laboral en la sordidez de las relaciones verticales, la sumisión y el abuso.

KISS ME, STUPID (BÉSAME, TONTO) (1964) Una mordaz comedia que critica la monogamia falsa y las vacías relaciones de las parejas de casados. Un profesor de piano (Ray Waltson), con el fin de congraciarse con un cantante de moda (Dean Martin), contrata a una prostituta y la hace pasar por su esposa y se la ofrece al cantante con el fin de lograr favores económicos del cantante. Para lograr su objetivo, se deshace de su verdadera esposa (Kim Novak) con una serie de tretas. Esta se emborracha y se queda a dormir, por accidente, en el cuarto de la prostituta Polly; todo esto genera una serie de malas interpretaciones cómicas. La película generó cierto escándalo sobre todo entre los moralistas por el trato de la pareja, por las intenciones oscuras de los hombres y la ambigua visión que estos tienen sobre la mujer ideal: mitad puta, mitad esposa.


LA COMEZÓN DEL SÉPTIMO AÑO (THE SEVEN YEAR ITCH) (1963) El maestro trabajó dos buenas comedias con Marilyn Monroe, la bomba rubia, de la cual una toma de esta película, la de la falda volátil, se volvió todo un icono. Wilder fue en gran director que sabía explotar las cualidades de sus actores; MM era todo un sex simbol y sacó a relucir toda esa carga erótica y esa aura de ingenuidad que hacía derretir a los rivales del sexo opuesto. Todo ocurre en Nueva York, durante un verano ardiente y nuestra voluptuosa actriz se vuelve toda una tentación para cientos de hombres neoyorquinos que deben quedarse en la ciudad mientras sus familias toman largas vacaciones. Y la MM vive solo un piso arriba…

jueves, 27 de noviembre de 2008

JOHN FORD





John Ford fue uno de esos extraños directores que amó al cine con pasión, creó una escuela y consolidó el western como género serio en la historia cinematográfica. Así pues creó una leyenda, elevó mitos y desarrolló un estilo que identificó y cautivó a los cinéfilos. Sus inicios fueron en el periodo mudo, pero es en el sonoro que logra su máximo esplendor, sacando al western de su función de mero entretenimiento a un trabajo más elaborado, creando personajes que han pasado a la posterioridad.
Ford nació en 1895 en Maine, décimo tercer hijo de una familia irlandesa emigrada al nuevo mundo. Se inició en el cine en 1917 y, al igual que Huston, hizo de todo en la cinematografía, incluso hasta el terrible papel de doble (stunt man).
A lo largo de su obra, vamos a ver en ella no una preocupación por el individuo, sino por el bienestar colectivo, filosofía que no concordaba con la idea de este género como tal, con un personaje central en torno al cual giraban la o las historias.
En el ensayo agudo que escribió Bertrand Tavernier sobre su obra (The Movie, No 19, 1980) nos hace ver esa visión tan particular con los conflictos que se van generando y ese espíritu de grupo que lucha por un objetivo, por el bienestar general; el líder fordiano busca el apoyo de su entorno y sólo reacciona con violencia si éste ha sido provocado. El estereotipo que se conoce de un cowboy (el de las películas) es la de un hombre solitario, huraño, hostil y bastante agresivo. Los héroes de Ford distan de esta descripción. Son personajes que tratan de mantener sus ideales en un torbellino de pasiones, siempre luchando por una causa que en muchos casos transcienden en la historia del contexto en la que suceden los eventos.
Jean Luc Godard propone tres tipos de westerns (tomando la idea de Balzac sobre las obras literarias): de imágenes, de ideas y de imágenes e ideas. Comenta sobre la obra de nuestro director y plantea que en sus películas, la imagen es la que nos va remitiendo a la idea (Súper Mann, Jean Luc Godard por Jean Luc Godard, Barral, 1971); en este pequeño ensayo, Godard empleó tres directos clásicos de este género para tipificar su propuesta; así, para ideas, Lang; para ideas e imágenes, Mann; para imágenes, nuestro director. Para llegar a este planteamiento, Godard emplea una película que va en nuestro nuevo ciclo de cine: The Searchers.

Aquí muestro algunos de sus grandes filmes, ya otros están en el archivo que colgué sobre el western (del cual el maestro era uno de los genios)

HOW GREEN WAS MY VALLEY (¡Qué verde era mi valle!) (1941) No hay que olvidar que Ford tenía orígenes irlandeses y que tuvo una infancia rodeada de muchos hermanos y con grandes penurias económicas; es por eso que a lo largo de su carrera, y tal como enunciamos sobre su obra en general, fue siempre su preocupación, el bienestar colectivo. Dos de sus filmes de compromiso social son tanto éste como una adaptación de la obra de J. Steinbeck, LAS VIÑAS DE LA IRA. Esta película nos muestra las durezas de pequeña comunidad minera que comienza a deteriorarse. Empieza como un gran racconto de este pueblo en Gales, una familia tradicional a la que le van sucediendo desgracias que van rompiendo la unidad familiar; muestra además las rígidas costumbres de un pueblo al que le vale el dicho “pueblo chico, infierno grande” hasta que la cabeza de la familia Morgan muere. Es una obra clásica que ha arrancado muchas lágrimas por generaciones.

THE GRAPES OF WRATH (LAS VIÑA DE LA IRA) Esta es una película en la que el autor trabajó codo a codo con el director. Es una intensa novela social de los años de la Gran Depresión americana, temática abordada por muchos artistas; Ford sintió un compromiso social bastante fuerte, gracias a sus raíces irlandesas y a una familia que vivió en la miseria a su llegada a los Estados Unidos. El denso problema social muestra el maltrato a los campesinos empobrecidos por los préstamos a los bancos (muy sintomático) y expulsados de sus tierras. Las escenas son fuertes, pero en la visión gringa, la posibilidad de otros horizontes se hace presente y deciden emigrar a California. La decisión es dramática y enfrentan una serie de abusos y explotaciones muy parecidas a las que viven los braceros hoy por hoy. Es interesante que al principio del filme, la compañía cinematográfica hace un deslinde con el contenido del tema; es la primera vez que, personalmente, veo esto. Creo que la visión del filme nos deja entender por qué lo hace... Sutilezas de la vida.

THE HORSE SOLDIERS (Marcha de valientes) (1959) También centrado en John Wayne, esta película es una reconstrucción histórica de eventos durante la Guerra de Secesión. Es un encuentro de antípodas, el militar vs. El médico encarnado por William Holden, almas que las circunstancias bélicas los va a obligar a abandonar sus diferencias para lograr al objetivo común. Volvemos pues a los principales leit-motiv fordianos.

THE MAN WHO SHOOT LIBERTY BALANCE (El hombre que mató a Liberty Valance) (1962) Un verdadero filme nostálgico sobre ese Oeste que se había convertido en leyenda y lleno de mitos; además es casi un recuento de la obra de John Wayne con Ford. La historia recae sobre tres personajes: la ley, encarnado por James Stewart, la marginalidad, por Lee Marvin; y la necesidad de la fuerza para que vuelva a imperar la ley, por Wayne.