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Trujillo, La Libertad, Peru
Un espacio para mostrar ideas y puntos de vista ligados al arte, a la cultura y la vida de una sociedad tanto peruana como universal
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viernes, 24 de agosto de 2012

MÉXICO, DÉCADA PASADA

El cine mexicano de ahora me interesa
Por el modo en que ha asimilado a Hollywood.


ROMPECABEZAS EN 25 PIEZAS, CARLOS MONSIVÁIS




La reciente década pasada, la que inicia el siglo XXI, fue un periodo marcado por una serie de cambios históricos para las artes cinematográficas y para la sociedad mexicana en general; cambios que comienzan en la última década del XX con tres eventos que marcarán al México del XXI: Chiapas, el Efecto Tequila y el TLC con Canadá y USA (NAFTA). Y para agregar, dos eventos más que marcarán a su vecino: 11 de septiembre de 2001 y la crisis del capitalismo del 2008. La excesiva dependencia de la economía mexicana de la norteamericana ha de pasarle una dura factura de la cual va a ser difícil despegarse. A todo esto se debe agregar el fuerte incremento de la violencia provocada por el narcotráfico, debido a que el mercado de consumidores más grande del mundo, USA, comparte con México una gran frontera: 3,326 km. Aproximadamente. Como bien dijo el presidente Porfirio: Díaz “pobre México, tan lejos de Dios y tan cerca de los Estados Unidos”.



Este es el marco socioeconómico en el que el cine mexicano va a vadearse en los recientes años, que lo ha visto sobrevivir a las nefastas consecuencias de la liberalización del mercado debido al TLC que consideró al cine no como una actividad de excepción, sino como una actividad económica que entraba a competir con la máquina de Hollywood. Según los datos de Víctor Ugalde, quien hace una reflexión sobre las consecuencias del TLC en la producción cinematográfica mexicana, de 1994 (año que entra en vigencia dicho tratado) hasta el año 2003, el número de largometrajes había caído de 747 películas a sólo 212. Un grueso descenso de 71,62 %. Para una cinematografía tan sólida y variada (trabajó todos los géneros), con un público fiel, con una identidad tan bien consolidada, significó un duro golpe para el mundo de la pantalla. Hubo cierre de estudios pequeños y un alto desempleo en el rubro. Incluso el cine comercial se vio afectado por estas reglas del libre mercado impuestas por los estudios grandes, puesto que las salas a duras penas lograban recuperar la inversión hecha. Y el cine de Hollywood iba ganando terreno, con la consiguiente exportación de capitales que van a engrosar los estudios gringos. Y poco podemos decir del cine arte, el cual se rescindió a fuertes niveles. Sí hubo actores o directores que se hicieron famosos; pero esta fama viene no por los estudios mexicanos, sino por la internacionalización de la producción fílmica de algunos buenos directores (como Cuarón, González Iñárritu o Guillermo del Toro) o actores (como Gael García).



Pero una de las características del arte es su creatividad ante situaciones adversas, son una respuesta a los groseros errores causados por los políticos corruptos como Carlos Salinas de Gortari y su banda de neoliberales que causaron la debacle mexicana que hasta hoy carga como pesada deuda. Así surgen directores como Carlos Reygadas, Amat Escalante o Fernando Eimbcke, que dan un nuevo respiro al cine charro e, incluso, sorprenden en diversos festivales (como Cannes), marcando una pauta para levantar la cabeza a esa generación perdida que fue la de finales del siglo XX con la conmoción de Chiapas o la destrucción de la economía de millones de mexicanos ante la fuerte devaluación de su moneda debido a la burbuja creada por la presidencia de Salinas. La década que inició el siglo XXI estuvo marcada por la paranoia de la sociedad norteamericana y su 11 de septiembre; esta paranoia recayó duramente sobre miles de mexicanos que vieron, de repente, su economía afectada debido a la rigurosa decisión de filtrar la frontera para evitar el ingreso de personas potencialmente enemigas del Estado norteamericano. Y así, la nación adalid de los DDHH que clamaban la caída de un muro a miles de kilómetros de su territorio, el muro de Berlín, no tuvo mejor solución que construir uno en la frontera con México. Este muro es, lo que llamaríamos cínicamente, “políticamente correcto”. Esta situación tan especial que se genera en el Río Grande ha sido temática en algunos filmes, pocos de ellos de calidad, y están más centrados en la violencia que se ha generado en los últimos años, debido a que el control estricto de la frontera con los ciudadanos del tercer mundo (sobre todo) ha hecho que el narcotráfico sea un negocio muy rentable y peligroso. El cine ha sido poco reflexivo al respecto (salvo documentales). Como dice Monsiváis, en el cine “..no te dan la transformación de un ser humano en un narco, no te dan la evolución del horror. Te dan la demostración del asesinato.” Gustan de la truculencia más que de la reflexión, es más comercial. Mientras más gore, más llenas la plaza.


Estos de films mexicanos de la reciente década nos dan un panorama interesante de esta producción que tuvo una fulgurante presencia en los años 50 (los recordados estudios Churubusco) y que en la actualidad trata de hacer frente al avance arrollador del cine hollywoodense, el cual ha desplazado inexorablemente al mexicano de las pantallas locales. Un reto que no se sabe si el nuevo inquilino en el sillón presidencial, Enrique Peña Nieto, tenga la voluntad de revertir esta situación. Pero los cuestionamientos con lo este personaje ha logrado la presidencia y los pactos amarrados con el TLC hacen vislumbrar un duro futuro a la industria cinematográfica en general.

LAKE TAHOE DIR. FERNANDO EIMBCKE (2009) Este director ha logrado un buen espacio en el público por su acercamiento al mundo adolescente, el cual aborda con bastante singularidad. No son filmes en la que un joven es tratado en una comedia sosa o trágica, tipo jovencitos perseguidos por un asesino en serie. Los temas que aborda, frente a la frescura y desorientación de un adolescente, son los típicos conflictos de un joven: exploración de la sexualidad, crisis con los padres, relaciones con otros adolescentes. Sus películas emplean todos los recursos que identifican al mundo juvenil con un acercamiento serio. No en vano Eimbcke trabajó en diversos videoclips de grupos muy buscados por este gran público, como es el caso de la banda Molotov. La película empieza con una de las acciones que muchos adolescentes cometen: malograr el auto de su padre y ver cómo solucionar ese problema. El joven actor Diego Cataño vuelve a las pantallas, sólo que ya los cambios de la adolescencia se comienzan a mostrar en su cuerpo.



EL TRASPATIO DIR. CARLOS CARRERA (2009) El tema es un suma de historias cotidianas en la frontera mexicana con los Estados Unidos. La zona de maquila, la sobreexplotación laboral, matanza de mujeres emigrantes, corrupción de los círculos policiales. Son elementos explosivos que conjuran en la ciudad Juárez, una de las ciudades más violentas del mundo. La historia es dinámica y tiene escenas cargadas de sevicia contra las personas más débiles; en este caso, las mujeres emigrantes adolescentes. El film pudo haber explotado más las raíces y el contexto del problema (muy común), pero se queda en la descripción de hechos que apuntan más hacia un morbo visual que a calar en la conciencia del público. Como diría Monsiváis, es una buena lección aprendida de Hollywood.



5 DÍAS SIN NORA DIR. MARIANA CHENILLO (2009) El mundo judío es poco retratado en la cinematografía latinoamericana. Se ve en films argentinos (una de las colonias judías más grande del mundo), uruguaya y la brasileña; pero es temática poco frecuente en otras del subcontinente. En México hay una sólida comunidad que participa en todos los ámbitos de esa sociedad. Y esta película es una muestra de ello. Una comedia de humor negro que se torna en romántica. José, un hombre ya maduro, queda viudo y al morir, Nora, su fenecida esposa, ha dejado todo preparado para que éste se encargue de todos los detalles de las elaboradas exequias hebreas. Una foto genera un conflicto y provoca unas situaciones disparatadas, movidas por un rencor injustificado. Al final, la solución se va hallando en los pequeños detalles que muchas veces dejamos pasar por alto.


CONOZCA LA CABEZA DE JUAN PÉREZ DIR. EMILIO PORTES (2008) Una comedia negra. Los años de una persona, la posibilidad del desempleo, la desesperación hacen a Juan Pérez, de profesión mago, llevar a cabo esta locura. Y su cabeza, ya decapitada, recuerda las locas decisiones que le hicieron que su preciada testa termina cercenada y separada de su cuerpo. La historia se inspira en un mago que quería experimentar la duración de la “conciencia” de una cabeza recientemente decapitada. Macabra historia que impacta a nuestro amigo y lo lleva a tan drástica decisión. En la realidad, el actor principal, Silverio Palacios, casi perdió la cabeza debido a algunas fallas en los trucajes de imágenes, pero sí vivió para contarla.





FUENTES



El paso del TLC por México. Víctor Ugalde. BUTACA, Lima No 25, Año 7 (2005).



Carlos Monsiváis: Rompecabezas en 25 piezas. Mario Castro, César Pereyra, Marcel Velásquez. ABRE LOS OJOS. Lima. Año 1. Número 2, Diciembre 2002.



Cines de la Región: presente y futuro. VENTANA INDISCRETA. Universidad de Lima, Número 2. 2009.



Diez Directores: del centro al sur del continente. VENTANA INDISCRETA. Universidad de Lima, Número 2. 2009.


miércoles, 20 de julio de 2011

TRES COMEDIAS NORTEAMERICANAS DE LOS 30

Los años 30 en el mundo fueron años de grandes cambios sociales, económicos y culturales. La primera guerra mundial había llegado a su fin en 1919, pero las fuertes secuelas en el mundo se hicieron sentir en los famosos locos años 20 que culminaron con el famoso crack del mundo capitalista y el surgimiento de los partidos fascistas europeos y japonés de los 30. La convulsionada sociedad mundial se preparaba a pasos agigantados a su segunda gran conflagración mundial. Así pues, los años 30 empezaron con toda una agitación socioeconómica como nunca había vivido nuestra sociedad y se puede decir que es lo que vendrá a ser la sociedad actual, con sus cíclicas crisis mundiales y, tras la segunda guerra mundial, la focalización de los conflictos para mantener una suerte de equilibro con el cual se va a convivir en desde los 50 hasta la década final del siglo XX.


La fuerte crisis del capitalismo va a generar una fuerte zozobra a nivel mundial, época del desarrollo de las ideas sociales, así como los partidos políticos de izquierda, sea comunistas como socialistas (en el caso peruano, surge el aprismo, por ejemplo), así como inmensos clanes de poder que luego se convertirán en corporaciones (algunas ligadas al nazismo). En USA, la crisis va a generar profundos cambios radicales en la sociedad, la fuerte emigración interna hacia zonas más ricas, una fuerte depresión en varios estados de la Unión, la aparición de sindicatos, así como fuertes movimientos conservadores para poder defender sus intereses. En ese duro contexto, surge todo un movimiento artístico muy comprometido, como el literario, tanto como un arte evasivo, de distracción, como lo va a ser el cine. La Máquina de los Ensueños se va a poner a trabajar.

El arte, en una de sus diversas funciones, va a comenzar a trabajar con el fin de distraer a una gran masa de personas que han visto perder sus ahorros, propiedades, familia. Había la necesidad de crear un paliativo. Fuera del compromiso keynesiano de la política norteamericana, no basta para poder ayudar a un pueblo que ha visto su “american dream” venirse a menos. El cine va a dar a esa masa obrera, campesina, urbana deprimida la oportunidad de evadirse de esa dura realidad que tienen delante de ellos.

Durante esta década, el cine va a ver llenar sus pantallas con diversas comedias que le permite a los ciudadanos esbozar algunas sonrisas y muchas risas para sobrellevar el diario vivir. Surge, fuera de los musicales, la comedia en diversas variantes, siendo las principales la comedia disparatada, alocada, trasgresora, liderada por los Hermanos Marx, así como la comedia romántica, permitiendo a la maquinaria del Star System llegar a su máximo esplendor. Parejas clásicas van a llenar las pantallas para el suspiro de hombres y mujeres, época muy bien parodiada por La Rosa Púrpura del Cairo de Woody Allen. El cine se llena de satén, raso, joyas, para la gran distracción. Y Hollywood ve crecer su firmamento de estrellas y con ellas, los grandes estudios que comienzan a crear sus cuadros de actores, directores, músicos, fotógrafos, etc. Se convierte en la maquinaria que es en la actualidad. A partir de la segunda mitad de la década, Hollywood se llena de emigrantes cineastas europeos que huyen de la locura nazi o de los climas de guerra que se acercaban inexorablemente.

THE WOMEN (LAS MUJERES) GEORGE CUCKOR 1939 Cuckor fue siempre un gran director de actrices. Más aún cuando éstas se reúnen para despotricar contra los hombres y contra ellas mismas. Este film hace un estudio del mundo femenino de la lealtad y la traición, de la visión de la pareja desde la mujer, su posición en el matrimonio y los elementos de amenaza de éste. Hay formas de destrozar al enemigo sin matarlo, este film muestra cómo puede ser una guerra sin cuartel sin que el objeto de asedio se percate de lo que está sucediendo a sus espaldas. Genial la participación de Joan Crawford como la amante (femme fatale) y Norma Shearer como la esposa.

DUCK SOUP (SOPA DE GANSO) SAM WOOD 1933 Exorbitante film de los Hermanos Marx. La lógica lingüística es torcida como lo es en la obra de Alicia en el País de las Maravillas. Quien haya redactado el guion, ha tenido frente a sí toda una muestra de diálogos que podrían formar parte de un estudio psicoanalítico: total libre asociación de ideas para ligar lo absurdo. Además tiene un marcado tinte político, reflejo de los bruscos cambios que estaba experimentando Europa y que van a concluir con un conflicto mundial. Desopilante actuación de Groucho Marx, tan agudo; la presencia de gags y otros recursos cómicos o circenses; así como las evidentes referencias políticas a una Europa que va a caer en cenizas por la locura de ciertos dirigentes políticos.

THE AWFUL TRUTH (LA TERRIBLE VERDAD) LEO McCAREY 1937 La comedia romántica se fue convirtiendo lentamente en una suerte de guerra de los sexos. Grandes actores y actrices juegan roles en los cuales la confrontación celosa, la fidelidad, la integridad de los integrantes de la pareja se pone sobre el tapete. Esta comedia no es la excepción. El pretexto: la custodia de un pequeño perro por la situación de divorcio generada por una mutua desconfianza de la pareja conformada por Irene Dunne y Cary Grant. La ridiculización y los celos son una buena temática que todos los grandes directores han sabido trabajar, y este film tiene mucho de esto. La parcialización de los amigos de la pareja es otro de los simpáticos problemas que puede verse con frecuencia; es desenlace es genial, provocado por amigos y circunstancias para un final feliz en una sociedad deprimida.

lunes, 3 de enero de 2011

HOWARD HAWKS, EL VIEJO ZORRO PLATEADO

Rodar unas cuantas buenas escenas y no aburrir al espectador

HOWARD HAWKS


Uno de los más versátiles autores del cine norteamericano, Hawks ha ido del clásico cine de gánster a la comedia, del musical al western. Fue un verdadero artesano cinematográfico que acometió los géneros del cine con sólidas propuestas, con algunos filmes que son clásicos y sentaron las bases del género en cuestión. Sus películas son veladas críticas a costumbres y valores de la sociedad norteamericana de su época, tratando de derrumbar falsos mitos sobre el éxito económico y el ascenso socioeconómico de los años 20, años dorados del hampa.

Este multifacético director (también fue aviador, diseñador aeronáutico, entre otras cosas más) nació un 30 de mayo en 1896 en Goshen, Indiana (EE.UU.) Realizó estudios de ingeniería mecánica en Cornell, pero en sus tiempos de vacaciones hizo sus primeras incursiones en el cine en Hollywood. Según Tod McCarthy, su biógrafo, su experiencia de estudios en la ingeniería, así como su paso por el ejército de los Estados Unidos fue, en cierta manera, decisiva para su posterior carrera cinematográfica. Realizó obras tanto en el periodo mudo (8 filmes en total) como en el sonoro, espacio en el que ha de realizar sus obras maestras. Hawks fue un director con su propio estilo, gustaba un cine sobrio, con una buena dirección actoral y sobre todo el manejo de la cámara para poder lograr de cada uno de sus actores todo un para lenguaje que enriquecía el texto cinematográfico en cuanto a la construcción de caracteres. Se codeó de buenos guionistas para hacer textos directos, breves, pero brillantes. Además, pese a trabajar para diversos estudios, mantuvo cierta independencia con su trabajo fílmico. Muchas veces reescribía, él mismo, algunos guiones y no pasaban por la supervisión y censura de las instituciones para las que trabajaba, y pasaban las más de las veces con cierta holgura, privilegio que sólo tenía, también Alfred Hitchcock.

Augusto Torres divide su obra en “cuatro apartados”: las obras centradas en un hombre en peligro; las comedias centradas en la lucha de sexos; los westerns y las inclasificables, que podemos colocarlas dentro del cinema noir (como lo hace Antonio Santamarina). Fue un hombre rodeado de gente inteligente que en cierta manera trabajó para él como es el caso de William Faulkner o Henry Hemingway. Aunque no tuvo una actitud muy proclive hacia las mujeres (por ejemplo, decía que las mujeres “entorpecían la acción en un western), muchos de los prototipos femeninos van a ser pauta para la descripción de algunos caracteres femeninos sea en la sociedad como en la construcción de personajes en el cine. Estudiosos del cine como Mark Cousins explica que las mujeres presentadas por nuestro Director suelen ser duras y, por el contrario, los hombres aparecen humillados; incluso comenta que tenía cierta predilección para trabajar con personajes masculinos llevados por actores impasibles y contenidos, caso John Wayne y Humphrey Bogart. Todo género que tocó le supo imprimir su toque, el toque que, según comenta David Boxwell, está más cerca de la irreverencia, trasgresión. Y una de esas características está en la nominalización de sus personajes, con el uso de motes o apodos que sacaban de cuadro la convencionalidad tradicional de la familia y las relaciones interpersonales.

Hawks se fue un 26 de diciembre de 1977, dos años después de que la Academia lo reconoció, por fin (como le pasó a Chaplin) con un Oscar honorífico. Pero queda como el más grande romántico realista del siglo XX, según palabras de Cousins.


SCARFACE (CICATRIZ) (1932) Una obra maestra de la construcción de una figura tan popular como lo era el gánster, personaje idealizado y que en cierta forma se convierte en el paradigma de la idiosincrasia norteamericana y el sueño americano: el famoso self made man, el que triunfa por sí mismo y se convierte en un hombre de éxito social y económico (muy parecido a lo que pasa ahora con la concepción del éxito y su estrecho vínculo con el dinero). La crítica de la sociedad de entonces es dura por la forma contradictoria como se trata a esos entonces hombres ricos y poderosos (como sucede con el narcotráfico en nuestros países). Ante la forma como se presentó este film sufrió censura, recortes y modificaciones en la narración del mismo. A lo largo del film, vemos escenas de violencias, fiel reflejo del mundo del hampa de cualquier parte del mundo y cualquier momento histórico (ver en la actualidad en caso de los sicarios, que ya comienzan a tener presencia en nuestra sociedad). El manejo de códigos, signos, iconos, que los identifican como una suerte de grupo social se volvió un modelo para otros filmes de gánster, en general de la serie llamada cinema noir.


BRINGING UP, BABY (LA FIERA DE MI NIÑA) (1938) Una simpática comedia que se circunscribe entre las películas centradas en la guerra de sexos entre Gary Grant, el paleontólogo David Huxley, y Katharine Hepburn (Susan). Un profesor eminente ve amenazada su obra por una joven heredera entrometida y voluntariosa. Las situaciones que se van sucediendo a lo largo de la historia son bastante hilarantes, como mascotas impertinentes, tías viejas cómplices, fieras equivocadas – dos leopardos-, gags de lo más recurrentes. Cada escena deriva en la siguiente empujada por las acciones, produciéndose situaciones cada más embarazosas y risibles. En un principio, Grant no estaba muy convencido de hacer este papel. Nos va pintando dos cosas: la liberalización de la mujer y su avance arrollador frente a los hombres, por un lado; y una velada crítica a la alta sociedad norteamericana, insolente, trasgresora, no escatimando nada ni a nadie para lograr sus objetivos. En cierta forma, este film nos presenta uno de los prototipos femeninos del universo de nuestro director. No tuvo un éxito inmediato, casi fue un fracaso de taquilla y, según el mismo Hawks, confiesa que sus personajes son excesivamente estrafalarios de los cuales el público no iba a encontrar un centro de referencia al cual “atarse”. Pero fue un gran comediante, Harold Lloyd, quien al verla dijo ser la mejor comedia construida que había visto en el cine.


THE BIG SLEEP (EL SUEÑO ETERNO) (1946) Un film extraordinario que cuenta con la ayuda de tres buenos guionistas (entre ellos, William Faulkner), basado en la novela de Raymond Chandler (uno de los grandes de la novela negra) y cuenta con la clásica dupla Bogart – Bacall, quienes venían de trabajar juntos en otra película de nuestro director: Tener o no Tener. La historia gira en torno al chantaje que sufre la hija de un ex militar retirado multimillonario. Aparece nuestro detective Phillipe Marlowe, quien se mueve en un terreno bastante gaseoso de doble moral, bastante marginal, pero en el que se encuentra la mayor parte de los personajes que van apareciendo a lo largo del film. Marlowe se mueve en un terreno minado por lo erótico, lo delincuencial y peligroso, puesto que a lo largo de la narración, el detective no termina por ubicar a las personas que están de su lado o los que no. Y, a través de la historia, vemos una sociedad decadente, de valores trastocados, signados por el poder y el dinero, un terreno en el que todo vale. Y esto la hace una de las cumbres del género negro.


RÍO BRAVO (1959) Un western clásico, una obra maestra del género. Se podría incluir esta obra en el grupo de filmes que incluyen historias de un hombre solo frente a grandes decisiones. En este caso, un alguacil que ha capturado a un hermano del delincuente más poderoso de la región. El alguacil halla el apoyo de un grupo de hombres que cuestionarían un resultado a su favor. Como el destino, ya se halla establecido dentro de la tragedia. Pero la misión de este viejo alguacil (John Wayne) es llevar adelante la justicia. Un rol interesante es de la mujer fatal (Angie Dickinson), “Feathers” (plumas), quien lejos de jugar un papel de traicionar o entorpecer la acción (como Andrés Caicedo), asume un rol más activo y decisivo en la trama. Es la mano del director que hace un manejo actoral y de escena que la hace un obra imperdible. Como dice Bedoya, es el trabajo de cámara que nos permite captar los detalles que hace a sus personajes humanos y grandes a la vez.


Fuentes:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

La Gran Ilusión – No 04, primer semestre, 1995.

El Cine Norteamericano en 120 Películas – Augusto M. Torres, Alianza Editorial, 1994.

El Cine Negro en 100 Películas – Antonio Santamarina, Alianza Editorial, 2006.

Las 120 Mejores Películas – John Kobal, Alianza Editorial, 1995.

Historia del Cine – Mark Cousins, Blume, 2005.

Ojo al Cine - Andrés Caicedo, Grupo NORMA, 1999.




viernes, 27 de noviembre de 2009

LA COMEDIA A LA FRANÇAISE

El reír es una de las manifestaciones humanas más agradables y saludables disponible para cada uno de nosotros. Es gratuito y está al alcance de pobres y ricos; gordos y flacos; viejos y jóvenes; hombres y mujeres. Pero lo que puede provocar la hilaridad ya es harina de otro costal. El sentido del humor es también de naturaleza humana, pero ya no es una cuestión fisiológica, ya es una entelequia mental en la cual convergen factores sociales, culturales, lingüísticos y geográficos. El chiste, el doble sentido ya es un proceso mucho más refinado que integra o disgrega grupos humanos, e incluso pueden llegar a convertirse en medios de crítica o una forma de conocimiento de la coyuntura vivida por una sociedad. La posibilidad de transformar el entorno de cada uno de nosotros hacia la hilaridad es una acción creativa que demanda ingenio y reconocimiento individual y colectivo. Así pues, la buena comedia no es una actividad ligera como muchos han querido ver este género. La confusión de relacionar la vulgaridad con el buen humor ha hecho que el gusto por este género se haya deteriorado y haya formado un público con exigencias ramplonas y de total mal gusto El facilismo acostumbró a muchos oyentes y espectadores a una lectura auditiva y visual fácil y poco complicada, y se pensó que el lado amable de la vida no podía ser fuente de un entretenimiento inteligente y lúdico.


Como manifestación cultural, el humor tiene diferentes manifestaciones que requieren lecturas especiales por parte del receptor; y le demanda agudeza, rapidez, capacidad de crítica y autocrítica. Una aguda visión de lo social puede derivar en la crítica, cuya mayor manifestación es la sátira, la cual no está solamente reservada al mundo político. Es interesante ver cómo cada sociedad construye una visión graciosa de sí misma, mordaz y muchas veces cínica; es una catarsis amable, de distensión. Y también lo es de solidaridad con el o los personajes a quienes les toca experimentar situaciones embarazosas o tragicómicas. Así como la antigua tragedia griega se convertía en el liberador de demonios del inconsciente colectivo, la comedia moderna se ha vuelto en el catalizador de nuestras histerias, neurosis, complejos, deseos reprimidos y frustraciones.

 
Así pues, el cine, como manifestación cultural, ha dado obras que han hecho reír por décadas: grandes cómicos se han burlado de la miseria humana en todas sus manifestaciones y variantes. Como Mozart y Rossini lo hicieron en sus grandes óperas (Così fan tutte o El Barbero de Sevilla son obras maestras del género), el cine ha dado también maestros que nos han hecho desternillar de risa en nuestros asientos: Charles Chaplin, Búster Keaton, Bourvil, Louis de Funès, Fernandel, Cantinflas, Nini Marshall, Lucy Ball, Ugo Tognazzi, Umberto Lattuada, Woody Allen, Mel Brooks, son parte de esa gran lista de hombres y mujeres que han dignificado a la comedia y nos han hecho ver a través de su genialidad la inmensa capacidad que tiene el ser humano de poder reírse de sí mismo inteligente y agudamente.

 
El lado amable del cine francés está cargado de un espíritu bastante racional, mordaz y cínico, un poco diferente a su vecino, el humor italiano, por la forma cómo se maneja la situación cómica, la aproximación hacia lo ridículo y el humor corrosivo que se puede destilar cuando se ven situaciones por lo demás absurdas producto de la estupidez humana. Ya no son situaciones casuales o fuera de nuestro control, se ríe uno de la parte kafkiana de la hilaridad. Este tópico ha sido trabajado con exquisitez tanto por franceses como por ingleses en su extraordinario black humour, que va minando lentamente las estupideces que los humanos solemos hacer. Esto último va a llegar a situaciones extremas, cuando el absurdo invade nuestras vidas, con las desternillantes comedias hechas por los hermanos Marx.

 

LE PÈRE-NOËL EST UNE ORDURE (PAPÁ NOEL ES UN DESASTRE) JEAN-MARIE POIRÉ, 1982 ¿Cuál es el estereotipo que uno tiene de Papá Noel? Un personaje noble, amable, bonachón, bondadoso. Salvo el caso del policía Popeye en CONTACTO EN FRANCIA, siempre hemos tenido ese estereotipo. ¿Pero qué pasa si nos encontramos a uno pícaro y vicioso, además acompañado de una mujer muy simple, de un depresivo travestido? Así pues toda una pandilla de chiflados que coincide en una oficina de servicios sociales una tarde de Nochebuena. Un clásico obligatorio, lleno situaciones cómicas e imprevistas. Esta es una adaptación de la famosa pieza teatral que lleva el mismo nombre, la cual se ha convertido en un filme de culto. Como rompiendo un poco los mitos.

TOI ET MOI (TÚ Y YO) JULIE LOPES 2006 "Tú y yo" es la historia de dos hermanas, Ariane y Léna, con una vida sentimental movida. Redactora de foto-novelas para la revista "Tu y yo", Ariane tiende a transformar la realidad amorosa de ella y su hermana tal como lo haría la creatividad de la novela rosa. Pero, tal como alguna vez comentó Rosa Montero, eso corresponde a la loca de la casa y la vida no es tal color de rosa; morada quizá. Ariane está atada a Farid, a quien ella no le interesa, por su lado, Léna se aburre infinitamente con su compañero François. Pero, ¿qué pasaría si Ariane se dejara ir por el amor de Paolo, un guapo obrero español que trabaja en su edificio? ¿Y si Léna dejara latir su corazón por Mark, un violinista prodigio que acaba de conocer? Según las directora del film, su película "nos muestran un mundo que va cambiando y que nos ayudan a ver mejor ese mundo".


BERNIE ALBERT DUPONTEL, 1996 Situaciones como la que vamos a ver sí suelen suceder. Bernie es un hombre joven que ha pasado sus 25 años en un orfanato. Esta realidad lo ha “dotado” de una inocencia colosal. Y ahora debe enfrentar el mundo, donde podrá averiguar la verdad de una obsesión que lo atormenta: saber quiénes son y dónde están sus padres. Él cree que ellos lo internaron para salvarlo de una conjura internacional, que al parecer no ha terminado. ¿Por qué saca esta conclusión? Al enfrentarse con la vida cotidiana con la lupa personal de su inocencia, la vida cotidiana le resulta absolutamente ajena. El film presenta una galería de "héroes raros" más locos, salvajes y divertidos, razón que valida la visión peculiar de Bernie que tiene de la vida.


TRAVAUX. ON SAIT QUAND ÇA COMMENCE (OBRAS EN CASA) BRIGITTE ROUAN, 2005  Muchas veces las situaciones quijotescas no tienen su merecido reconocimiento y, lejos de mejorar la situación, terminan por agravar las cosas. Casi una Nazarín de la escena, Chantal es una abogada progresista, que se empeña con todas sus fuerzas en defender a los débiles y desvalidos indocumentados de París. Por ser atractiva y persuasiva, logra sus objetivos a menudo. Pero, cuando obtiene el permiso de trabajo para un joven arquitecto colombiano, va a verse envuelta en algunos problemas hilarantes; ella decide contratarlo para hacer pequeños trabajos de rehabilitación en su casa y este trae consigo a un equipo de compatriotas sin papeles, que no son precisamente especialistas en refacciones. Así empiezan los líos para nuestro Quijote.

LES VACANCES DE MONSIEUR HULOT (LAS VACACIONES DEL SR. HULOT) JACQUES TATI 1953 Cerramos este ciclo de comedia francesa con esta divertido y clásico film de profunda observación psicológica con nuestro director como el principal actor y un banda de franceses en vacaciones. Hulot hace como todos los franceses: se va de la ciudad, y en su intrépido viaje con una especie de carromato le van sucediendo cosas que nos van mostrando una serie de personajes del mundo cotidiano francés. Hulot es una persona que entra en la vida de cada uno de ellos, perturbándolos: son notables las escenas en la playa y en el comedor del hotel. Y es una realidad tan fresca y cotidiana sobre las tontas y tantas acciones que podemos cometer. Tati recurre mucho al mimo, al lenguaje corporal, a los recursos de las situaciones y el gran espectro del mundo sonoro para desarrollar su propuesta fílmica. No en vano viene de las canteras del circo y del mimo. Es una extraordinaria película de aguda visión, de reconstrucción de personajes ricos en gestos y acciones, y que es (el director) capaz de convertir las cosas más insignificantes en algo hilarante.

miércoles, 10 de diciembre de 2008

KEATON – CHAPLIN: DOS ESTILOS DE COMEDIA




..no veo la necesidad de prescindir de uno en nombre
del otro, pues los dos son grandes actores y cineastas, y conviene quedarse con ambos.
MIGUEL MARÍAS, BUSTER KEATON O LA ACTITUD DEL HÉROE

El lado amable de la vida ha sido siempre un campo infinito de posibilidades para la creación en cualquiera arte. El hombre ha encontrado, además, en la risa y el buen humor una extraordinaria forma tanto de reflejar la vida con agudeza como una excelente forma de catarsis de nuestros conflictos. Muy cercana a lo descriptivo, la comedia extrae sendos trozos de la cotidianeidad para escudriñarla en sus detalles y redimensionarlos en situaciones hilarantes para resaltar eventos, gestos, acciones de todos los hombres en su accionar diario; y esto es relevante, primordial, en un comediante: un extraordinario poder de observación, casi congelando detalles mínimos, aquellos que han de formar parte de la creación, sea de su historia o de su personaje.
De esta última observación entenderemos a dos grandes genios de la comedia muda. Mientras Chaplin iba a construir un personaje (Charlot) que lo vamos a encontrar en diversas películas de su factura, Keaton va a trabajar en crear historias de lo más disparatadas que lo hicieron el genio del Gag, del Slapstick. Es interesante cómo estos dos grandes genios van a tener sus propios dominios y, como dice Miguel Marías, es una necedad relevar a uno en desmedro del otro.

En el ensayo de Marías, del cual hemos extraído un enunciado que encabeza este artículo, Keaton es mostrado como un genio que tuvo una existencia fugaz en el celuloide (10 años) y quizá sea esta una de las fuertes razones por la que este genio haya caído en el olvido para mucha gente, incluso conocedora de cine. Sorprendente manejo de su cuerpo, es un hombre tenaz que fue mostrando en cada uno de sus personajes una voluntad hecha acción, dinámica, siempre en movimiento. Claro en sus propósitos, no ceja ante la adversidad, es más la aprovecha para hacerla un ingrediente más de su camino hacia la meta; cada personaje se muestra tímido en un inicio y de pronto, cual embrión, se transforma en un movimiento casi perpetuo; nada lo detiene, ni balas, ni tormentas, ni guerras. Dicho ensayo plantea la posibilidad que debido a la edición más compleja del cine sonoro, Keaton perdió la libertad de hacer un cine fluido centrado en ver más que el oír o explicar a través del diálogo; cierto es, su cine es sencillo, sin tantas complicaciones, casi como un documental. El encuadrar las escenas con sonido lo limitó; y esto también pasó con Chaplin, del cual su mejor cine queda en el mudo más que el sonoro. Algunos detractores de Keaton dicen que los personajes encarnados por él eran muy glaciares, no había sentimiento; y cierto es que se le prohibió reír en escenas en las cuales hasta el más grávido se hubiera desternillado de risa.

Sobre Charles Chaplin se ha escrito ríos de ensayos, libros, tratados, etc. Su cine se circunscribe al drama social, pero viéndolo con sorna, una sátira de las personas y las situaciones que estas provocan con sus actitudes. Chaplin fue un hombre que causó polémica con su cine: como genio que era nunca lo sometió a los designios de los intereses de otros ajenos a sus ideales; no obedeció al establishment lo que le valió ser declarado enemigo del pueblo americano por defender a amigos suyos que fueron acusados durante esa terrible caza de brujas que fue la era McCarthy. Su cine es una visión crítica y aguda de la vida que le ocurrió vivir en esa pujante nación. La creación de su personaje lo acompañó hasta que cambió hacia el sonoro, lo despidió pero queda todo ese valioso testimonio que lo han hecho ya parte del patrimonio artística de la humanidad.

He aquí un grupo de filmes representativos de ambos actores:

MODERN TIMES (TIEMPOS MODERNOS) 1935 Es, creo yo, la obra maestra de nuestro director, y una obra maestra de todos los tiempos. En esta película ya vamos identificando lo que vendría a ser la causa de su desgracia en la sociedad americana: la crítica social mordaz y aguda del mundo que vivía. Y peor aún, en una era sonora, el hacer una película todavía muda, en la cual algunos efectos sonoros están presentes a lo largo de ésta era demasiada audacia. La visión satírica del maquinismo al cual el mundo marcha inexorablemente nunca fue mejor vista que con este filme, con algunas escenas que han quedado para la posterioridad, sobre todo la mecanización del trabajo, el estrés y la depresión de la sociedad angustiada. Es una película entrañable y obligada.

THE CAMERAMAN (EL CAMARÓGRAFO) BUSTER KEATON 1928 Este es un filme casi de corte documental de eventos que podríamos denominar como meta fotográficos. Keaton quiere impresionar a una bella chica y decide dejar su cámara fotográfica callejera para enrolarse como reportero documentalista del diario donde ella trabaja. Hay escenas notables como la del baño en una piscina pública y la filmación de la masacre entre pandillas de la guerra Tong. Nuestro héroe ya aparecía como un perdedor, pero circunstancias varias le permiten volver a ver a su chica.

CITY LIGHTS (LUCES DE LA CIUDAD) CHARLES CHAPLIN 1931 Esta es una de las más bellas películas de Chaplin, con todos los elementos que caracterizaron la obra de nuestro actor: una crítica al sistema social, la diferencia de clases. Otro dato más: pese a la irrupción del sonoro, sigue trabajando en películas mudas (va a hacer TIEMPOS MODERNOS en 1935, casi toda muda). Chaplin, como director, siempre se preocupó por la caracterización de los personajes de sus filmes; cuentan que un momento del rodaje, él encarna, de pronto, a dos vendedores de periódicos, dos bellacos que molestan al vagabundo con dos cañitas; así quería él mostrar a sus actores lo que deseaba de cada uno de ellos. La escena final es, en cierta manera, una interrogante.

THE GENERAL (EL MAQUINISTA DE LA GENERAL) BUSTER KEATON 1927 La obra maestra de Keaton, un clásico. Es, además, la obra maestra de la comedia muda. Está basada en un hecho de la vida real, narrado por William Pittinger, quien fue enviado con un grupo de veinte hombres a capturar una locomotora que tenía por nombre La General. La historia fue cambiada para convertir a nuestro actor en héroe de la captura de la misma que estaba en manos de los yanquis; una vez capturada regresa a las tropas sureñas, a las cuales él pertenecía; además regresa con un botín valioso: su amada. Tiene un final feliz, totalmente diferente al hecho de la vida real.

THE KID (EL PIBE) CHARLES CHAPLIN 1921 Si alguien cree que el melodrama no puede dar alguna obra maestra, uno tiene que ver este filme. Con la extraordinaria actuación de un niño genio, Jackie Coogan, un culebrón se eleva a la categoría de obra maestra de las emociones humanas; con una historia tan sencilla, de un niño abandonado y un desempleado se suceden una serie de escenas que nos van conmoviendo. Es que en manos de un genio como Chaplin, cualquier cosa cotidiana solía brillar en la pantalla. Nuestro director tenía un excelente poder de observación y hacía de lo más trivial algo hilarante. Arrastró al cine no sólo a la diversión sino a una visión de la cruda realidad, tanto así que con el tiempo le fue acarreando problemas con los productores y el sistema; hasta que tuvo que irse del país que en un principio lo adoptó.

STEAMBOAT BILL JR. (EL HÉROE DEL RÍO) BUSTER KEATON 1928 Genial comedia, disparatada con un Keaton agudo, vehemente, entrañable. Pero, como ya habíamos comentado anteriormente, su papel no es el de querer a tocar las fibras de nuestros sentimientos, eso pasa rápido y se centra en lo cómico, en lo slapstick. Hay escenas memorables, con una calidad de recursos sorprendentes para la época, sobre todo las escenas de la tormenta que destruye el pueblo River Juction. Esa era la capacidad de Keaton, lo trágico puede ser lo más hilarante de una historia. Según cuentan, esta historia tiene como referente un acontecimiento parecido: Keaton, siendo bebé, fue desplazado de su cuna en un ciclón y terminó en otro lado.

THE GOLD RUSH LA QUIMERA DE ORO es la primera obra maestra de Chaplin; es una película de 1925, en la que él es actor, guionista, productor y director de la misma, y está basada en una hecho de la vida real, una macabra historia (el grupo Donner) que terminaron comiéndose uno a otro. El escenario “virtual” reproduce Alaska y es en el plateau que tiene que hacer toda una descripción alucinante de tormentas de nieves y una cadena de rocas montañosas. Esta película tiene un sinfín de escenas que se han vuelto en paradigmas en la historia del cine. Según cuenta la historia, la escena en que se ve la danza de los panecillos, en un cine de Berlín, hubo de ser repetida algunas veces para delirio del público; ahora bien, habría que recordar que para ese entonces se contaba con una orquesta en vivo y había que rebobinar el filme, pues estamos hablando de una película muda..... Para él, “...había hecho la película tal y como quería”.

viernes, 28 de noviembre de 2008

DER LEHRER BILLY WILDER




“Hola, soy Dios. No debiste haber dicho eso anoche.
La gente se santigua al verme en la calle”

Respuesta de B. Wilder a Fernando Trueba, Diccionario del Cine



Quizá uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos, este maestro austriaco dio a la cinematografía películas y personajes notables tanto en el mundo de la comedia como en el drama. Dejó brillantes libretos, agudos diálogos y frases inmortales que ya son parte del patrimonio intelectual y artístico de la humanidad. Nació en Sucha (Austria) en 1906; el avance del nazismo lo hizo huir de su patria, ya que era judío. Alguna alma avezada había tratado de burlarse de él en su condición, pidiéndole hacer un film de la historia de Jesús; Wilder le propuso al actor sarcástico de marcada simpatía nazista que hiciera este (el actor) el papel de Jesús, pero que los clavos iban a ser verdaderos. Obligado al destierro, emigró hacia los Estados Unidos para hacer su carrera (como le pasó a Marlene Dietrich, Conradt Veidt, Peter Lorre y otros actores alemanes o germano parlantes). Agudo para ver la sociedad que lo acogió, fue un sable en la crítica de todos los aspectos de la vida de Norteamérica, sobre todo con el cine, actividad que es arte y, a la vez, una industria implacable y sórdida. Se inició en los estudios de la Paramount y fue testigo de muchos acontecimientos que lo han de marcar: la derrota de Alemania, el ascenso poderoso de los Estados Unidos y el desencanto de su sociedad tras la culminación de la guerra. Muchos artistas que trabajaron con él opinaban sobre su espíritu ácido, habida cuenta que dos de sus mejores filmes desnudaron la ingratitud de Hollywood, que vive de actores en primeros planos y que luego los desecha por estar viejos. Estos filmes bien pudieron ser casi documentales y los nombres no tenían necesidad de ser cambiados. Wilder sabía en lo que estaba, por eso no le preocupaban los premios y esas otras avituallas que este mundo suele ofrecer.
Supo trabajar con sus actores, se rodeó de divas y con ellas hizo películas geniales; tan agudo como era, logró evadir la censura de la mojigata sociedad norteamericana y expuso temas de manera sutil y graciosa. No era muy experto en la escritura del idioma inglés, es por eso que solía emplear a los mejores guionistas de cine como una suerte de secretarias e interlocutores de sus ideas, tal como lo sentían George Axerold o A. L. Diamond; este último decía que era una secretaria de 150 mil dólares, una ironía para reflejar el trabajo de locomotora que tenían con él. Pero, lo que pudo haber sido un trabajo desbordado, en sus manos el trabajo fue objetivo, pulcro, sin excesos; trazaba sus reglas claramente e invitaba a los que trabajaban con él a seguirlas, pese a que gustaba la fricción con sus colaboradores; así podía conocer otras perspectivas, otros puntos de vista. Por eso, estuvo siempre en la cumbre de la cinematografía mundial. Un paradigma.

Cuando Fernando Trueba recibió el Oscar por su film Belle Epoque, él mismo declaraba no creer en una divinidad, mas sí en Billy Wilder. Este recibió esas declaraciones con mucha simpatía y muchas personas ligadas al cine estuvieron de acuerdo en eso. Wilder nos dejó a los 95 años en el 2002 y su legado es de visión obligatoria para todo aquel que quiere hacer cine: planos, fotografía, script, manejo de actores. En fin, un maestro, ein Lehrer.

He aquí algunos de sus grandes filmes


SOME LIKE IT HOT (UNA EVA Y DOS ADANES) (1959) Una de las películas más brillantes de todos los tiempos, con diálogos agudos y con las actuaciones geniales de Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis. Años de la gran depresión norteamericana, con una sociedad habituada al mundo gansteril, un par de músicos es testigo de una masacre, la masacre de San Valentín, por un ajuste de cuentas; este par debe huir para salvar el pellejo y se enrolan en una banda de mujeres músicas, en camino a Florida para tocar en hoteles de viejos ricachones. Escena tras escena, los diálogos son exorbitantes y las situaciones ridículas y geniales. El mundo travestido presentado por Wilder no es censurado, pese a la reticencia de la sociedad de entonces frente a estos temas. Con el guión A. L. Diamond, la película es una arma inteligente de crítica de la moral ambigua de la sociedad americana: cierra el film, la frase más famosa de la historia del cine: “nadie es perfecto”. En realidad, la película es perfecta.


THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES (LA VIDA ÍNTIMA DE SHERLOCK HOLMES) (1970) ¿Qué no se ha sospechado sobre este personaje creado por el literato inglés Conan Doyle? La bizarra relación con su secretario Watson (Colin Brakely), como su secretario, confidente, amigo, lleva a Wilder (escribió el guión, además) crear esta película con una serie de intrigas y suposiciones sobre la vida privada de este famoso detective (Robert Stephens), quien fue tan conocido en el mundo extraliterario a tal grado que se pensaba que era un personaje real. Cuenta la historia que la misma Scotland Yard le encargó resolver ciertos casos irresueltos, le pedían consultas e incluso se enviaban cartas a la supuesta casa de ambos amigos en Baker Street. Con este gran antecedente, se recrea estas hipotéticas historias, todas pícaras, pero encerradas en la lógica de Doyle para darnos su credibilidad. En las diversas situaciones, los dardos aleves contra la sociedad victoriana son lanzados con mucha sutileza, así como la insinuación sobre la supuesta relación homosexual entre ambos amigos.

IRMA, LA DOUCE (IRMA LA DULCE) (1963) Una simpática comedia ambientada en París, una prostituta (Shirley MacLaine) ejerce su oficio diariamente por las calles, topándose con todo tipo de clientes. Protegida por su chulo vividor, un día conoce a Néstor (Jack Lemmon), un simpático policía recto con la ley, lo cual lo lleva a tener una serie de problemas. Por hacer una redada, lleva a prisión a Irma, Néstor no sabe que todo está apañado. Lo que podría haber sido una fuerte decepción, se convierte para Néstor la oportunidad de conocer más a fondo a Irma. Diversas situaciones ridículas le hacen perder el puesto, pero al final queda con su chica. Wilder trabajó bien con esta dúo y explotó el espíritu cómico de Jack Lemmon.

SUNSET BOULEVARD (EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES) (1950) Este es el film más cruel, pero real del mundo de Hollywood; sobre éste se ha escrito tantos ensayos y todos concuerdan que es una de las obras capitales de nuestro Director. El trabajo de Gloria Swanson es impactante y en cierta manera es su propio retrato. La decadencia se ve en su rostro, sus gestos, y el mundo de sus acompañantes; vemos a un Búster Keaton, viejo, consumido por el alcohol, rememorando los buenos viejos tiempos. Y el increíble papel de Erich von Stroheim, como el esposo chofer de Norma Desmond, es conmovedor y terrible. Y el papel de William Holden, de gigoló pelele, quien con su narración en off nos va contando este drama. Sin duda, el lado oscuro del mundillo hollywoodense. Obligada.

WITNESS FOR PROSECUTION (TESTIGO DE CARGO) (1957) Un día Wilder dijo querer hacer un film mejor que los de Hitchcock y llevó a cabo esta interesante obra, trabajando con dos grandes del cine como lo fueron Marlene Dietrich y el soberbio Charles Laughton, quien encarna a un abogado agudo, mordaz. Sir Wilfrid Robarts, nuestro abogado, decide tomar el caso sobre un asesinato de una mujer mayor solitaria. El principal culpado es un inventor mediocre, sobre el cual recae todas las sospechas, incluso su esposa ha declarado contra él. Esta obra de Agatha Christie es repotenciada por el genio de Wilder, le pone diálogos agudos para desnudar la verdad de los hechos. Un buen ejercicio mental.

THE APARMENT (EL DEPARTAMENTO) (1960) Una estupenda comedia en la que se critica la consabida lealtad corporativa, la cual obliga a la gente a ser leal a causas ridículas, injustas o improcedentes. Un empleado de una compañía de seguros (Jack Lemmon) se vuelve un alcahuete de sus superiores, incluido su jefe (Fred MacMurray), prestándoles su departamento para sus infidelidades y sus escapadas. Así, su departamento va a ser el escenario de la conquista de la chica que ama secretamente, una ascensorista (Shirley MacLaine). Esta es seducida precisamente por el jefe y ella intenta suicidarse en el mismo departamento. El pobre empleado busca consejo y su vecino (Jack Kruschen) le sugiere frenar estos abusos y enfrentarse a sus superiores. Ácida, y hasta un poco pesimista, es un buen estudio del mundo laboral en la sordidez de las relaciones verticales, la sumisión y el abuso.

KISS ME, STUPID (BÉSAME, TONTO) (1964) Una mordaz comedia que critica la monogamia falsa y las vacías relaciones de las parejas de casados. Un profesor de piano (Ray Waltson), con el fin de congraciarse con un cantante de moda (Dean Martin), contrata a una prostituta y la hace pasar por su esposa y se la ofrece al cantante con el fin de lograr favores económicos del cantante. Para lograr su objetivo, se deshace de su verdadera esposa (Kim Novak) con una serie de tretas. Esta se emborracha y se queda a dormir, por accidente, en el cuarto de la prostituta Polly; todo esto genera una serie de malas interpretaciones cómicas. La película generó cierto escándalo sobre todo entre los moralistas por el trato de la pareja, por las intenciones oscuras de los hombres y la ambigua visión que estos tienen sobre la mujer ideal: mitad puta, mitad esposa.


LA COMEZÓN DEL SÉPTIMO AÑO (THE SEVEN YEAR ITCH) (1963) El maestro trabajó dos buenas comedias con Marilyn Monroe, la bomba rubia, de la cual una toma de esta película, la de la falda volátil, se volvió todo un icono. Wilder fue en gran director que sabía explotar las cualidades de sus actores; MM era todo un sex simbol y sacó a relucir toda esa carga erótica y esa aura de ingenuidad que hacía derretir a los rivales del sexo opuesto. Todo ocurre en Nueva York, durante un verano ardiente y nuestra voluptuosa actriz se vuelve toda una tentación para cientos de hombres neoyorquinos que deben quedarse en la ciudad mientras sus familias toman largas vacaciones. Y la MM vive solo un piso arriba…