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Trujillo, La Libertad, Peru
Un espacio para mostrar ideas y puntos de vista ligados al arte, a la cultura y la vida de una sociedad tanto peruana como universal
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lunes, 3 de enero de 2011

HOWARD HAWKS, EL VIEJO ZORRO PLATEADO

Rodar unas cuantas buenas escenas y no aburrir al espectador

HOWARD HAWKS


Uno de los más versátiles autores del cine norteamericano, Hawks ha ido del clásico cine de gánster a la comedia, del musical al western. Fue un verdadero artesano cinematográfico que acometió los géneros del cine con sólidas propuestas, con algunos filmes que son clásicos y sentaron las bases del género en cuestión. Sus películas son veladas críticas a costumbres y valores de la sociedad norteamericana de su época, tratando de derrumbar falsos mitos sobre el éxito económico y el ascenso socioeconómico de los años 20, años dorados del hampa.

Este multifacético director (también fue aviador, diseñador aeronáutico, entre otras cosas más) nació un 30 de mayo en 1896 en Goshen, Indiana (EE.UU.) Realizó estudios de ingeniería mecánica en Cornell, pero en sus tiempos de vacaciones hizo sus primeras incursiones en el cine en Hollywood. Según Tod McCarthy, su biógrafo, su experiencia de estudios en la ingeniería, así como su paso por el ejército de los Estados Unidos fue, en cierta manera, decisiva para su posterior carrera cinematográfica. Realizó obras tanto en el periodo mudo (8 filmes en total) como en el sonoro, espacio en el que ha de realizar sus obras maestras. Hawks fue un director con su propio estilo, gustaba un cine sobrio, con una buena dirección actoral y sobre todo el manejo de la cámara para poder lograr de cada uno de sus actores todo un para lenguaje que enriquecía el texto cinematográfico en cuanto a la construcción de caracteres. Se codeó de buenos guionistas para hacer textos directos, breves, pero brillantes. Además, pese a trabajar para diversos estudios, mantuvo cierta independencia con su trabajo fílmico. Muchas veces reescribía, él mismo, algunos guiones y no pasaban por la supervisión y censura de las instituciones para las que trabajaba, y pasaban las más de las veces con cierta holgura, privilegio que sólo tenía, también Alfred Hitchcock.

Augusto Torres divide su obra en “cuatro apartados”: las obras centradas en un hombre en peligro; las comedias centradas en la lucha de sexos; los westerns y las inclasificables, que podemos colocarlas dentro del cinema noir (como lo hace Antonio Santamarina). Fue un hombre rodeado de gente inteligente que en cierta manera trabajó para él como es el caso de William Faulkner o Henry Hemingway. Aunque no tuvo una actitud muy proclive hacia las mujeres (por ejemplo, decía que las mujeres “entorpecían la acción en un western), muchos de los prototipos femeninos van a ser pauta para la descripción de algunos caracteres femeninos sea en la sociedad como en la construcción de personajes en el cine. Estudiosos del cine como Mark Cousins explica que las mujeres presentadas por nuestro Director suelen ser duras y, por el contrario, los hombres aparecen humillados; incluso comenta que tenía cierta predilección para trabajar con personajes masculinos llevados por actores impasibles y contenidos, caso John Wayne y Humphrey Bogart. Todo género que tocó le supo imprimir su toque, el toque que, según comenta David Boxwell, está más cerca de la irreverencia, trasgresión. Y una de esas características está en la nominalización de sus personajes, con el uso de motes o apodos que sacaban de cuadro la convencionalidad tradicional de la familia y las relaciones interpersonales.

Hawks se fue un 26 de diciembre de 1977, dos años después de que la Academia lo reconoció, por fin (como le pasó a Chaplin) con un Oscar honorífico. Pero queda como el más grande romántico realista del siglo XX, según palabras de Cousins.


SCARFACE (CICATRIZ) (1932) Una obra maestra de la construcción de una figura tan popular como lo era el gánster, personaje idealizado y que en cierta forma se convierte en el paradigma de la idiosincrasia norteamericana y el sueño americano: el famoso self made man, el que triunfa por sí mismo y se convierte en un hombre de éxito social y económico (muy parecido a lo que pasa ahora con la concepción del éxito y su estrecho vínculo con el dinero). La crítica de la sociedad de entonces es dura por la forma contradictoria como se trata a esos entonces hombres ricos y poderosos (como sucede con el narcotráfico en nuestros países). Ante la forma como se presentó este film sufrió censura, recortes y modificaciones en la narración del mismo. A lo largo del film, vemos escenas de violencias, fiel reflejo del mundo del hampa de cualquier parte del mundo y cualquier momento histórico (ver en la actualidad en caso de los sicarios, que ya comienzan a tener presencia en nuestra sociedad). El manejo de códigos, signos, iconos, que los identifican como una suerte de grupo social se volvió un modelo para otros filmes de gánster, en general de la serie llamada cinema noir.


BRINGING UP, BABY (LA FIERA DE MI NIÑA) (1938) Una simpática comedia que se circunscribe entre las películas centradas en la guerra de sexos entre Gary Grant, el paleontólogo David Huxley, y Katharine Hepburn (Susan). Un profesor eminente ve amenazada su obra por una joven heredera entrometida y voluntariosa. Las situaciones que se van sucediendo a lo largo de la historia son bastante hilarantes, como mascotas impertinentes, tías viejas cómplices, fieras equivocadas – dos leopardos-, gags de lo más recurrentes. Cada escena deriva en la siguiente empujada por las acciones, produciéndose situaciones cada más embarazosas y risibles. En un principio, Grant no estaba muy convencido de hacer este papel. Nos va pintando dos cosas: la liberalización de la mujer y su avance arrollador frente a los hombres, por un lado; y una velada crítica a la alta sociedad norteamericana, insolente, trasgresora, no escatimando nada ni a nadie para lograr sus objetivos. En cierta forma, este film nos presenta uno de los prototipos femeninos del universo de nuestro director. No tuvo un éxito inmediato, casi fue un fracaso de taquilla y, según el mismo Hawks, confiesa que sus personajes son excesivamente estrafalarios de los cuales el público no iba a encontrar un centro de referencia al cual “atarse”. Pero fue un gran comediante, Harold Lloyd, quien al verla dijo ser la mejor comedia construida que había visto en el cine.


THE BIG SLEEP (EL SUEÑO ETERNO) (1946) Un film extraordinario que cuenta con la ayuda de tres buenos guionistas (entre ellos, William Faulkner), basado en la novela de Raymond Chandler (uno de los grandes de la novela negra) y cuenta con la clásica dupla Bogart – Bacall, quienes venían de trabajar juntos en otra película de nuestro director: Tener o no Tener. La historia gira en torno al chantaje que sufre la hija de un ex militar retirado multimillonario. Aparece nuestro detective Phillipe Marlowe, quien se mueve en un terreno bastante gaseoso de doble moral, bastante marginal, pero en el que se encuentra la mayor parte de los personajes que van apareciendo a lo largo del film. Marlowe se mueve en un terreno minado por lo erótico, lo delincuencial y peligroso, puesto que a lo largo de la narración, el detective no termina por ubicar a las personas que están de su lado o los que no. Y, a través de la historia, vemos una sociedad decadente, de valores trastocados, signados por el poder y el dinero, un terreno en el que todo vale. Y esto la hace una de las cumbres del género negro.


RÍO BRAVO (1959) Un western clásico, una obra maestra del género. Se podría incluir esta obra en el grupo de filmes que incluyen historias de un hombre solo frente a grandes decisiones. En este caso, un alguacil que ha capturado a un hermano del delincuente más poderoso de la región. El alguacil halla el apoyo de un grupo de hombres que cuestionarían un resultado a su favor. Como el destino, ya se halla establecido dentro de la tragedia. Pero la misión de este viejo alguacil (John Wayne) es llevar adelante la justicia. Un rol interesante es de la mujer fatal (Angie Dickinson), “Feathers” (plumas), quien lejos de jugar un papel de traicionar o entorpecer la acción (como Andrés Caicedo), asume un rol más activo y decisivo en la trama. Es la mano del director que hace un manejo actoral y de escena que la hace un obra imperdible. Como dice Bedoya, es el trabajo de cámara que nos permite captar los detalles que hace a sus personajes humanos y grandes a la vez.


Fuentes:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

La Gran Ilusión – No 04, primer semestre, 1995.

El Cine Norteamericano en 120 Películas – Augusto M. Torres, Alianza Editorial, 1994.

El Cine Negro en 100 Películas – Antonio Santamarina, Alianza Editorial, 2006.

Las 120 Mejores Películas – John Kobal, Alianza Editorial, 1995.

Historia del Cine – Mark Cousins, Blume, 2005.

Ojo al Cine - Andrés Caicedo, Grupo NORMA, 1999.




viernes, 9 de abril de 2010

CINE DE TIRA CÓMICA

Nuevamente la Tira Cómica está en la Alianza Francesa de Trujillo. El año pasado, contra viento y marea, sacamos adelante nuestro primer festival de BD y este año, pese a diversas vicisitudes económicas, abrimos nuestra segunda versión.
La BD ha tenido vertientes sólidas que han trazado escuelas en las sociedades en las que se desarrollaron. La BD estuvo muy ligada a la expansión del desarrollo industrial y de sus medios de comunicación. Sus orígenes en la sociedad inglesa y luego en la norteamericana estuvieron ligados al periodismo, el cual va a usar estos recursos para incrementar sus ventas y generar la fidelización de clientes. Lo mismo va a suceder en la sociedad estadounidense, pero luego, la explosiva creatividad de los autores de las tiras cómicas periodísticas se van a enfrentar a la censura y a la parametrización de criterios estéticos y de contenidos. Lo que va a salvar esta nueva arte en las sociedades anglosajonas, prioritariamente, la norteamericana es la aparición del cómic. Al aparecer estos textos y su venta libre en el mercado de las publicaciones, la censura no va sobre este producto y obtiene su pasaporte a la fama. El cómic comienza a tener vida propia y se fundan dos grandes editoriales escuelas : la Entertaining Comics (E.C.) y la Marvel Comics Group, que establecen códigos especiales en esta nueva arte. Ya libre del periodismo, el cómic crea sus personajes, sus tramas, sus códigos de comunicación. Aparecen héroes que van a ser consumidos masivamente en esa sociedad de los 30 y los 40. Estos héroes ahora son consumidos de otra manera : a través del cine. En los 60, aparecen los Comix-book, más como un producto de la era hippie, la sicodelia, los conflictos raciales, la guerra de Vietnam y otros grandes problemas y realidades que vive la sociedad norteamericana de entonces. Son tiras muy ácidas, muy simples y como dicen algunos críticos, desarrollan el feísmo como una forma de protesta al momento que los toca vivir.

En Europa, la BD va a tener otra vertiente y en algunos casos va a contrarrestar el apabullante avance de los cómics. En muchos casos, la construcción de los BD es más exquisita que la vista en los cómics, además de una exhaustiva observación de las escenas que se iban haciendo. Hacia final de los 50 e inicios de los 60, surge Pilote, una revista BD que va a influir en el gusto y consumo de esta arte en la sociedad europea. Va a ser la vitrina de un grupo bastante nutrido de « diseñadores », muy agudos y dirigidos a un público adulto, camino poco explorado. Luego llega la sofisticación en la producción de BD, verdaderas obras de arte que escapan de lo cómico o satírico, y entra en el campo de la belleza creada.

En Asia, otro va a ser el camino toda por este continente liderado por Japón, el gran creador del Animé, modalidad que ha desplazado en muchas partes del mundo las diversas manifestaciones locales. En los últimos años, las empresas de BD han tomado el modelo de presentación de una BD de animé y han transformado la parte lingüística en la lengua vernacular en la que se edita dicho anime. La presentación es, por ejemplo, de derecha a izquierda, tal como se presenta un texto cualquiera en japonés ; todo lo demás se respeta en la presentación del mismo: los dibujos, el trabajo de color, la construcción del personaje, la historia, los globos lingüísticos.

Una pequeña selección:


METRÓPOLIS (メトロポリス) OSAMU TEZUKA 2001 El genial creador de Astroboy, la famosa serie de televisión de los años 60, crea esta interesante obra, inspirada en la bella película muda del director alemán Fritz Lang, film que lleva el mismo nombre. La temática es la misma (incluso la escenografía creada, con modelos arquitectónicos del film mudo) y es un dechado de un mundo robótico, frío, pero con atisbos de humanidad para, precisamente, salvarla de su desgracia. Tal como Astroboy, el pequeño robot creado por el Dr. Elefant (por la forma peculiar de su nariz) y su extraño corazón que le genera sentimientos, el mundo de METRÓPOLIS es un mundo de divisiones y odios. Los robots son bastante inteligentes, pero no tienen derecho alguno y son esclavizados y destruidos por unos malhechores que fungen ser protectores de la humanidad, protegidos por el hombre fuerte de la ciudad. El mismo hombre malvado de esta sociedad plutocrática decide hacer construir un robot que supla a su hija amada muerta. Y surgen los conflictos y desgracias en este mundo futurista. El film muestra todos los grandes vicios sociales de la humanidad : la concentración del poder, el dinero, la diferencias de clases, el elitismo, la segregación. Además, ya en cada festival de BD mundial, el animé ya tiene un espacio para ello reservado.

EL CRISTAL ENCANTADO (THE DARK CRYSTAL) JIM HENSON 1982 Una bella fábula de dualidad humana. Esta obra es trabajada con muñecos o marionetas, « dirigidos » por el creador del programa de televisión « Los Muppets ». Como una antigua leyenda o mito de las creaciones, esta historia se centra en el origen del mal que se remonta a mil años atrás. Una raza viciosa y perniciosa detenta el cristal para su beneficio y han sembrado el terror en el mundo. Han ido arrasando a criaturas para alimentar a la decadente especie de los skekses, de forma de ave de rapiña ; pero estos tienen una contraparte : los místicos. Místicos y skekses están fuertemente ligados. Para restablecer el orden en el caos (como buen mito viejo) se necesita la presencia de un pequeño héroe que no sólo salve a estos pocos sobrevivientes « elegidos », sino al mundo entero.

AZUR Y ASMAR (AZUR ET ASMAR) MICHEL OCELOT 2006 Este es un film que representa el choque-encuentro de dos civilizaciones, la cristiana y la musulmana. A través de la historia de dos jóvenes, uno de origen musulmán, moreno; y el otro cristiano, rubio, vemos la historia de la intolerancia de todos los tipos. Ambos fueron criados cuando niños juntos por la madre de uno de ellos, una criada musulmana. Sufre la indiferencia y crueldad de su patrón, un severo noble, y la lanza a la calle sin nada (una historia de nunca acabar, como suele pasar con muchas mujeres domésticas, injustamente desempleadas por caprichos o injusticias patronales). El tiempo pasa y ambos niños son ya jóvenes con toma de decisiones. El rubio va a buscar a su amada nodriza a las tierras de ella y en su viaje va a conocer la otra cara de la medalla; va a probar el amargo trago de la segregación, la discriminación y la explotación humana. En el devenir uno se va dando cuenta que los conflictos pueden ir resolviéndose con la tolerancia y el conocimiento del otro. En un mundo tan conflictivo y con tanta movilidad social como el europeo, estos filmes ayudan a la sociedad a tomar perspectiva constructivas de su tejido social.

BOOGIE, EL ACEITOSO GUSTAVO COVA 2009. Esta obra está inspirada en la genial tira cómica del creador Fontanarrosa, agudo y ácido “comentarista” de su época y sociedad. Boogie con Inodoro Pereyra (ya su nombre los dice todo) son los personajes encargados de destrozar los mitos que leemos en los diarios o vemos en televisión. Nada de concesiones, ni perdones. Boogie le da de alma a la sociedad de consumo, al capitalismo, a la guerra dirigida (como la de Vietnam e Irak), al individualismo puro (tan de moda en la actualidad, gracias a las maravillas del sistema actual). Por eso, este film es muy violento, elevando muchas escenas a la violencia gorn, al estilo Tarantino. Desde muchos aspectos, su fría actuación es nada más el reflejo de una sociedad cada vez más insensible y creadora de absurdas justificaciones de las grandes estupideces que solemos hacer.

jueves, 30 de octubre de 2008

WE ALL LOVE YOU, BOGIE


Los directivos de la Sociedad de Nueva York de Restaurantes
publicaron una nota diciendo que tanto Bogart como Errol Flynn
serían considerados como maleantes si volvían a acudir a sus locales
buscando pelea o emborrachándose
.
P. AGUSTÍ, HUMPHREY BOGART


Quién no ha visto CASABLANCA y no ha soñado con ese brumoso final de amor entre 3 personas, con el gesto de héroe oculto y bizarro que encarna Ricky. Ese hombre errante y luchador de causas perdidas para el resto de los mortales, menos para él que tocó la gloria en vida, se convirtió en el icono de cientos de hombres y en el amante secreto de millones de mujeres. Humphrey Deforest Bogart nace en Nueva York un 23 de enero de 1899 en el seno de una familia prominente. Su padre, un médico atractivo y simpático, tenía un porte atlético y además de una aguda reflexión sobre las relaciones sociales; esa agudeza va a ser su arma, acompañada de una filuda lengua para dar sus opiniones. Su madre fue una ilustradora que en algún momento retrató a Humphrey aún bebé y lo hizo famoso cuando ese retrato fue comprado por una compañía de comidas infantiles. Pese a tener conflictos con la autoridad, se enroló en 1918 en la marina. Su participación en la Primera Guerra Mundial como timonel le valió una cicatriz, la que en el futuro ha de convertirse en su marca personal (aunque algunos dicen que la obtuvo en una pelea de cantina, vaya uno a saber). Tras su experiencia bélica, se interesa por el teatro a los 20 años, tanto como promotor y luego actor. En los años 30 se enrumba a Hollywood, pagando derecho de piso en diversas películas de categoría B en papeles de gánster o de un delincuente común. Esta fama se la gana gracias a su parecido físico con un gran gánster de los años 20: DILLINGER En 1936 obtiene, por fin, su primer papel significativo como un delincuente fugado en EL BOSQUE PETRIFICADO. Pero su gran oportunidad como actor y su gran rol como estrella del cine norteamericano va a ser en EL HALCÓN MALTÉS como el inspector SAM SPADER. Su camino hacia el firmamento hollywoodense es incontenible, además abre la veta del famoso cinema noir, tan típico en los años de la Segunda Guerra Mundial. Es entonces que encuentra su alter ego, el héroe solitario, luchador, con aspecto marginal, escéptico e individualista. Además conoce a la mujer que lo ha de acompañar no solo en sus mejores películas como TO HAVE AND HAVE NOT o THE BIG SLEEP, sino la que ha de ser su pareja definitiva (tuvo dos matrimonios previos) hasta su muerte en 1957: LAUREN BACALL. Se aficionó al alcohol, era un bebedor intenso y en la reciente película CAPOTE, hay una deliciosa recreación por parte del ficticio TRUMAN CAPOTE, quien narra las soberanas borracheras que sostuvieron JOHN HUSTON y nuestro actor; con HUSTON iniciaron no solo una buena relación laboral, sino una profunda amistad, que los llevó a trabajar muchas veces juntos en varios proyectos, algunos de ellos descabellados. Esa positiva amistad les permitió hacer grandes filmes, algunos de ellos verdaderos clásicos del cine mundial: ahí están, fuera de EL HALCÓN MALTÉS; ACROSS THE PACIFIC, EL TESORO DE LA SIERRA MADRE y, sobre todo, LA REINA AFRICANA, que le permitió ganar un Oscar a nuestro actor. Luchó tanto en la pantalla como fuera de ella por sus ideas y sus ideales; apoyó a un gran número de actores y gente ligada al cine en su lucha contra McCarthy y su absurda caza de brujas que diezmó a la intelectualidad norteamericana. Muere de cáncer al esófago un 14 de enero de 1957, un poco antes de cumplir 58 años. Lo acompañaron a su destino final sus grandes amigos JOHN HUSTON, KATHERINE HEPBURN, SPENCER TRACY, entre otros muchos y, por supuesto, su viuda LAUREN quien es la única que en la actualidad le sobrevive.

Debemos cerrar esta pequeña introducción con las frases que dijo Huston delante del lecho de muerte de su amigo: “Él es irremplazable. Nunca habrá alguien como él” Tras 49 años después de su muerte, esas palabras siguen siendo verdaderas.

Algunas clásicas de nuestro gran actor:


THE PETRIFIED FOREST (EL BOSQUE PETRIFICADO) ARCHIE MAYO 1936 Con este film Bogie inicia su carrera a la fama y comparte roles con actores como Bette Davis y Leslie Howard. En el fondo la historia es una metáfora para mostrar la eterna lucha entre la intelectualidad y la fuerza bruta en un lugar desolado, desértico. Howard tiene para sí un papel indicado y ya lo había representado en las tablas teatrales en Broadway; gracias a la insistencia de Howard es que se convoca a Bogart para el film (se había pensado en Edward Robinson). Bogart tuvo así su gran oportunidad, además la posibilidad de representar a un gánster inspirado en Dillinger, de quien había estudiado su comportamiento y explotando su gran parecido físico con aquel famoso delincuente. En gratitud, Bogart puso por nombre Leslie a uno de sus hijos.


THE ROARING TWENTIES (LOS VIOLENTOS AÑOS 20) RAOUL WALSH 1939 En esta película comparte roles principales con James Cagney, con quien ya había trabajado en ANGELS WITH DIRTY FACES. Es una típica película de gánster con un marcado fondo moralista, muy típico de aquellos filmes de esa época, que venían de una fuerte resaca de la ley seca y el inframundo delincuencial creado por la famosa prohibición del alcohol, que creó toda una nueva ética en la sociedad norteamericana.


HIGH SIERRA (EL ÚLTIMO REFUGIO) RAOUL WALSH 1941 Una interesante película que marca el fin de un ciclo de filmes gansteriles con un Bogart en un rol de delincuente canoso, alicaído, a quien la vida se le está yendo rápidamente. Es por eso que decide dar un gran golpe y su une a una banda bastante irregular con la cual ha de tener varios problemas. La película permitió en su rodaje una serie de representaciones memorables, algunas de ellas provocada intencionalmente por el director, Walsh, quien expuso a Bogart en situaciones extremas con el fin de lograr de él sus verdaderas y explosivas reacciones. Notable.


CASABLANCA MICHAEL CURTIZ 1942 es una de las películas más accidentadas de la historia del cine, con sólo decir que minutos antes de empezar la filmación de una escena, los actores no tenían idea de los parlamentos que les tocaba. Pero todo elemento en esta película se ha vuelto en cierta manera objeto de culto: la música As Time goes by, muchas frases dichas por Rick (Humphrey Bogart) o Ilse (Ingrid Bergman) han pasado a ser incluso títulos de películas (como el caso de Play it again, Sam de Woody Allen) Quizá la película hubiera pasado por ser una más de las de guerra con un tema melodramático con un final excesivamente edulcorado; pero es precisamente sus personajes los que hacen notable el filme. Tiene un antihéroe en Bogart. Esto le permitirá abordar otros personajes de los filmes noirs que comenzarán a aparecer en esa época. En un inicio fue todo un cambalache saber quiénes iban a ser los personajes principales, incluso se había pensado en el inefable Ronald Reagan, y hubo un primer director, quien prácticamente dejó todo hecho a Curtiz: Howard Hanks.


THE BIG SLEEP (EL SUEÑO ETERNO) HOWARD HAWKS 1946 Tras su actuación en EL HALCÓN MALTÉS, Bogart inicia un ciclo de nuevos personajes que le van a crear todo ese halo de misterio que lo ha de acompañar hasta su muerte. Es una obra del gran Raymond Chandler y con un guión adaptado de William Faulkner; Bogart encarna a Marlowe, el detective de Chandler, en una historia bastante bizarra y que algunos pasajes quedan a la suposición. Hay mucho inframundo, con muestras de pornografía y ninfomanía, rodeadas de un lenguaje duro y con muchos juegos de palabras. Lo acompaña LAUREN BACALL, entre otros.


DARK PASSAGE (LA SENDA TENEBROSA) DELMER DAVES 1947 También con LAUREN BACALL, es una extraña historia de un escapado de prisión, quien se somete a una operación al rostro para asumir una nueva identidad. Ella juega un rol vital para permitirle poder sobrevivir al permanente asedio policial y sobre todo de AGNES MOOREHEAD, en un rol de antipática villana (ella es la famosa ENDORA, la madre en la serie televisiva HECHIZADA, tan famosa en los 60).



THE AFRICAN QUEEN (LA REINA AFRICANA) JOHN HUSTON 1951 film de este afamado director tiene como preámbulo una acción de censura contra una de sus películas, La Roja Insignia del Valor, filme que denuncia las absurdas situaciones del valor y la franca reacción de la cobardía frente a la guerra. Huston se aleja de Norteamérica y recala en África, donde dirigirá esta obra maestra. Dos personajes antagónicos, una misionera (Katherine Hepburn) y un aventurero borrachín (Humphrey Bogart) llevan a cabo la más absurda misión durante la lucha entre las potencias en las colonias africanas: el hundimiento de un barco de guerra. La historia es bastante ágil, divertida y tiene en esta pareja la cumbre de la actuación de aventura y amor; y además con un triunfo irrisorio que trae más la risa que el coraje de haber triunfado. Parece ser la conversión de esta aburrida novela de C. E. Forrester, se logra por la feliz consecución del talento de los actores y por el quizá espíritu festivo de Huston. La película no deja de tener un sentido de sorna que hace pensar que nuestro director se la pasó riendo a lo largo de la filmación. La escena del izamiento del pabellón británico o el hundimiento de su objetivo son francamente una burla solapada a los hechos de los hombres. Es todo un clásico.