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Trujillo, La Libertad, Peru
Un espacio para mostrar ideas y puntos de vista ligados al arte, a la cultura y la vida de una sociedad tanto peruana como universal
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lunes, 3 de enero de 2011

HOWARD HAWKS, EL VIEJO ZORRO PLATEADO

Rodar unas cuantas buenas escenas y no aburrir al espectador

HOWARD HAWKS


Uno de los más versátiles autores del cine norteamericano, Hawks ha ido del clásico cine de gánster a la comedia, del musical al western. Fue un verdadero artesano cinematográfico que acometió los géneros del cine con sólidas propuestas, con algunos filmes que son clásicos y sentaron las bases del género en cuestión. Sus películas son veladas críticas a costumbres y valores de la sociedad norteamericana de su época, tratando de derrumbar falsos mitos sobre el éxito económico y el ascenso socioeconómico de los años 20, años dorados del hampa.

Este multifacético director (también fue aviador, diseñador aeronáutico, entre otras cosas más) nació un 30 de mayo en 1896 en Goshen, Indiana (EE.UU.) Realizó estudios de ingeniería mecánica en Cornell, pero en sus tiempos de vacaciones hizo sus primeras incursiones en el cine en Hollywood. Según Tod McCarthy, su biógrafo, su experiencia de estudios en la ingeniería, así como su paso por el ejército de los Estados Unidos fue, en cierta manera, decisiva para su posterior carrera cinematográfica. Realizó obras tanto en el periodo mudo (8 filmes en total) como en el sonoro, espacio en el que ha de realizar sus obras maestras. Hawks fue un director con su propio estilo, gustaba un cine sobrio, con una buena dirección actoral y sobre todo el manejo de la cámara para poder lograr de cada uno de sus actores todo un para lenguaje que enriquecía el texto cinematográfico en cuanto a la construcción de caracteres. Se codeó de buenos guionistas para hacer textos directos, breves, pero brillantes. Además, pese a trabajar para diversos estudios, mantuvo cierta independencia con su trabajo fílmico. Muchas veces reescribía, él mismo, algunos guiones y no pasaban por la supervisión y censura de las instituciones para las que trabajaba, y pasaban las más de las veces con cierta holgura, privilegio que sólo tenía, también Alfred Hitchcock.

Augusto Torres divide su obra en “cuatro apartados”: las obras centradas en un hombre en peligro; las comedias centradas en la lucha de sexos; los westerns y las inclasificables, que podemos colocarlas dentro del cinema noir (como lo hace Antonio Santamarina). Fue un hombre rodeado de gente inteligente que en cierta manera trabajó para él como es el caso de William Faulkner o Henry Hemingway. Aunque no tuvo una actitud muy proclive hacia las mujeres (por ejemplo, decía que las mujeres “entorpecían la acción en un western), muchos de los prototipos femeninos van a ser pauta para la descripción de algunos caracteres femeninos sea en la sociedad como en la construcción de personajes en el cine. Estudiosos del cine como Mark Cousins explica que las mujeres presentadas por nuestro Director suelen ser duras y, por el contrario, los hombres aparecen humillados; incluso comenta que tenía cierta predilección para trabajar con personajes masculinos llevados por actores impasibles y contenidos, caso John Wayne y Humphrey Bogart. Todo género que tocó le supo imprimir su toque, el toque que, según comenta David Boxwell, está más cerca de la irreverencia, trasgresión. Y una de esas características está en la nominalización de sus personajes, con el uso de motes o apodos que sacaban de cuadro la convencionalidad tradicional de la familia y las relaciones interpersonales.

Hawks se fue un 26 de diciembre de 1977, dos años después de que la Academia lo reconoció, por fin (como le pasó a Chaplin) con un Oscar honorífico. Pero queda como el más grande romántico realista del siglo XX, según palabras de Cousins.


SCARFACE (CICATRIZ) (1932) Una obra maestra de la construcción de una figura tan popular como lo era el gánster, personaje idealizado y que en cierta forma se convierte en el paradigma de la idiosincrasia norteamericana y el sueño americano: el famoso self made man, el que triunfa por sí mismo y se convierte en un hombre de éxito social y económico (muy parecido a lo que pasa ahora con la concepción del éxito y su estrecho vínculo con el dinero). La crítica de la sociedad de entonces es dura por la forma contradictoria como se trata a esos entonces hombres ricos y poderosos (como sucede con el narcotráfico en nuestros países). Ante la forma como se presentó este film sufrió censura, recortes y modificaciones en la narración del mismo. A lo largo del film, vemos escenas de violencias, fiel reflejo del mundo del hampa de cualquier parte del mundo y cualquier momento histórico (ver en la actualidad en caso de los sicarios, que ya comienzan a tener presencia en nuestra sociedad). El manejo de códigos, signos, iconos, que los identifican como una suerte de grupo social se volvió un modelo para otros filmes de gánster, en general de la serie llamada cinema noir.


BRINGING UP, BABY (LA FIERA DE MI NIÑA) (1938) Una simpática comedia que se circunscribe entre las películas centradas en la guerra de sexos entre Gary Grant, el paleontólogo David Huxley, y Katharine Hepburn (Susan). Un profesor eminente ve amenazada su obra por una joven heredera entrometida y voluntariosa. Las situaciones que se van sucediendo a lo largo de la historia son bastante hilarantes, como mascotas impertinentes, tías viejas cómplices, fieras equivocadas – dos leopardos-, gags de lo más recurrentes. Cada escena deriva en la siguiente empujada por las acciones, produciéndose situaciones cada más embarazosas y risibles. En un principio, Grant no estaba muy convencido de hacer este papel. Nos va pintando dos cosas: la liberalización de la mujer y su avance arrollador frente a los hombres, por un lado; y una velada crítica a la alta sociedad norteamericana, insolente, trasgresora, no escatimando nada ni a nadie para lograr sus objetivos. En cierta forma, este film nos presenta uno de los prototipos femeninos del universo de nuestro director. No tuvo un éxito inmediato, casi fue un fracaso de taquilla y, según el mismo Hawks, confiesa que sus personajes son excesivamente estrafalarios de los cuales el público no iba a encontrar un centro de referencia al cual “atarse”. Pero fue un gran comediante, Harold Lloyd, quien al verla dijo ser la mejor comedia construida que había visto en el cine.


THE BIG SLEEP (EL SUEÑO ETERNO) (1946) Un film extraordinario que cuenta con la ayuda de tres buenos guionistas (entre ellos, William Faulkner), basado en la novela de Raymond Chandler (uno de los grandes de la novela negra) y cuenta con la clásica dupla Bogart – Bacall, quienes venían de trabajar juntos en otra película de nuestro director: Tener o no Tener. La historia gira en torno al chantaje que sufre la hija de un ex militar retirado multimillonario. Aparece nuestro detective Phillipe Marlowe, quien se mueve en un terreno bastante gaseoso de doble moral, bastante marginal, pero en el que se encuentra la mayor parte de los personajes que van apareciendo a lo largo del film. Marlowe se mueve en un terreno minado por lo erótico, lo delincuencial y peligroso, puesto que a lo largo de la narración, el detective no termina por ubicar a las personas que están de su lado o los que no. Y, a través de la historia, vemos una sociedad decadente, de valores trastocados, signados por el poder y el dinero, un terreno en el que todo vale. Y esto la hace una de las cumbres del género negro.


RÍO BRAVO (1959) Un western clásico, una obra maestra del género. Se podría incluir esta obra en el grupo de filmes que incluyen historias de un hombre solo frente a grandes decisiones. En este caso, un alguacil que ha capturado a un hermano del delincuente más poderoso de la región. El alguacil halla el apoyo de un grupo de hombres que cuestionarían un resultado a su favor. Como el destino, ya se halla establecido dentro de la tragedia. Pero la misión de este viejo alguacil (John Wayne) es llevar adelante la justicia. Un rol interesante es de la mujer fatal (Angie Dickinson), “Feathers” (plumas), quien lejos de jugar un papel de traicionar o entorpecer la acción (como Andrés Caicedo), asume un rol más activo y decisivo en la trama. Es la mano del director que hace un manejo actoral y de escena que la hace un obra imperdible. Como dice Bedoya, es el trabajo de cámara que nos permite captar los detalles que hace a sus personajes humanos y grandes a la vez.


Fuentes:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

La Gran Ilusión – No 04, primer semestre, 1995.

El Cine Norteamericano en 120 Películas – Augusto M. Torres, Alianza Editorial, 1994.

El Cine Negro en 100 Películas – Antonio Santamarina, Alianza Editorial, 2006.

Las 120 Mejores Películas – John Kobal, Alianza Editorial, 1995.

Historia del Cine – Mark Cousins, Blume, 2005.

Ojo al Cine - Andrés Caicedo, Grupo NORMA, 1999.




domingo, 4 de enero de 2009

DIVO AMERICANO




More stars than in the Heavens
100 years of Hollywood

A Orietta

En el mundo del cine, la aparición de un divo o diva obedece a una maquinaria bien estructurada que soporta su creación y su permanencia en el difícil círculo del estrellato; muchas veces estas creaciones han sido productos absurdos que salen rápido del mercado, permaneciendo en él hasta haber capitalizado toda la inversión hecha para mover la maquinaria entorno a una persona. Ejemplos hay varios, personas que fueron sometidas al Star System de una casa productora o un estudio, se volvían prácticamente esclavos de la misma, ya que obedecía a la exclusividad y tiranía del propietario o de la junta de dicha empresa.

Pero también hubo actores que supieron sacar provecho a las circunstancias y fueron creciendo más allá de la maquinaria que los creó. Estos actores y actrices fueron moldeando con su carácter un estilo, una moda y hasta una forma de ver las cosas y la vida desde la perspectiva de cada uno de ellos. Su forma de vestir, caminar, gestos e incluso tics eran aprendidos, copiados, replicados por miles de mortales que sufrían de amor y de ansias viendo a sus dioses en la pantalla. La mujer del cine norteamericano fue libre, franca, decidida; hasta en algunos casos disparatada. La abundancia de la sociedad de consumo se veía en su moda, en su caminar, en su forma de acercarse al varón.

¿Y el mundo masculino del cine hollywoodense? Los prototipos de machos creados en el cine norteamericano son muy variados y no corresponden al ideal de belleza angelical que muchas veces pensamos que está ligada la misma. Más pareciera que nos acercamos al ideal estético de los malditos, en los que el horror y la fealdad tenían un mismo rango que la belleza pura. Los varones que fueron apareciendo en la pantalla cinematográfica en los Estados Unidos, desde el mudo, tenían algo de “oso”. Desde Rodolfo Valentino que rompió el corazón a muchas mujeres y homosexuales hasta los últimos prototipos andróginos de los recientes años, mucha gente ha pasado por la pasarela del éxito y pocos han quedado en la retina, en la memoria colectiva del gran actor: no sólo belleza, sino talento son las dos condiciones que han permitido que varios de ellos sean parte del patrimonio visual de la humanidad, iconos de un siglo que se fue y que son pauta obligatoria para todo aquel que quiera ingresar a este mundo. Son pues un sello de calidad que el tiempo se encarga de constatar.

Quiero alcanzarles este breve grupo de películas que nos dan una mirada sucinta de estos galanes quienes supieron mantener en vilo al mundo femenino y contener una envidia sana y secreta de los varones quienes vieron en ellos a sus rivales o ídolos secretos. Hubiéramos querido hablar más de toda esa gran gama de estrellas masculinas que hubo paseando por los estudios de Hollywood como Burt Lancaster, Gary Cooper, Johny Weissmuller, John Barrymore, Clark Gable; Rock Hudson o los nuevos divos de otras razas como Harry Belafonte, Sidney Poiter o Denzel Washington; pero creemos que tendremos un buen espectro de lo que es el sex simbol del cine yanqui del siglo pasado.

MARLON BRANDON UN TRANVÍA LLAMADO DESEO (A STREETCAR NAMED DESIRED) ELIA KAZAN 1951 Esta es una de las películas que escapó a la censura, ya que tiene una alta carga de erotismo, como se podría lograr en una ciudad tan cálida como Nueva Orleans y con personajes tan sensuales como Marlon Brandon y Vivien Leigh. Basada en la obra del escritor Tennessee Williams, es una historia de deseos, frustraciones y postergaciones. La figura de Brando se erige como el bruto y sensual Kowalski en una extraña relación con su cuñada trastornada y una esposa que lo desea fervientemente. Un clásico.

GREGORY PECK LA PRINCESA Y EL PLEBEYO (ROMAN HOLLIDAYS) WILLIAM WYLER 1953 El sueño de un hombre de la calle encontrarse con una bella mujer y además princesa. Esta suerte de cuento de hadas reunió a dos de los actores más famosos de la época: Audrey Hepburn, esta bella actriz belga con porte de princesa, y Gregory Peck, quien encarna a un periodista norteamericano de medio pelo destacado en Roma como corresponsal extranjero. Su trabajo es irregular y al punto de perder su trabajo, un incidente lo vuelve a la vida; la princesa se ha aburrido de la vida de corte y quiere ver la calle, la mejor idea es fugarse por las calles de Roma, la ciudad eterna. Pero el sueño dura poco. Una comedia con final triste.

PAUL NEWMAN – ROBERT REDFORD EL GOLPE (THE STING) GEORGE ROY HILL 1973 Una película hecha para esta pareja de pendencieros atractivos ya maduros de los años 70. La película es muy ingeniosa y nos muestra a este par de timadores que se unen para vengar el asesinato de un buen amigo de ambos por parte de un capo de la mafia en el Chicago de los años 30. El plan urdido es genial y no está exento de diversos peligros que acechan a ambos truhanes.

REX HARRISON EL FANTASMA Y LA SRA. MUIR (THE GHOST AND MRS. MUIR) JOSEPH MANKIEWICZ 1947 esta es una historia romántica de dos almas enamoradas que trascienden la vida. El alma de un capitán marinero es el huésped de una casa que es arrendada por una viuda. La casa era difícil de ser alquilada por la fama que tenía. La Sra. Muir (GENE TIERNEY) decide encararlo y surge una extraña amistad entre ambos. Con el fin de ayudarla, este le cuenta su biografía para poder venderla y obtener fondos, y se van enamorando; pronto aparece un rival en escena.

JOHN WAYNE EL HOMBRE QUIETO (THE QUIET MAN) JOHN FORD 1952 Esta es una entrañable película sobre la madurez de un ídolo, al cual muchas veces se le niega la tranquilidad y la serenidad de los buenos años maduros. Sean es un ex boxeador que decide regresar a su patria, Irlanda, allí es enamora de una sencilla chica (MAUREEN O´HARA) Nuestro amigo quiere aclarar muchas cosas del pasado y esta es su oportunidad. Wayne siempre se lo ha identificado con el western, género en el que trabajó para directores como Hawks y Ford. Precisamente es con este gran director que realiza este bello drama de madurez.

ROBERT MITCHUM LA NOCHE DEL CAZADOR (THE NIGHT OF THE HUNTER) CHARLES LAUGHTON 1955 Esta película es impresionante, una drama “negro·” que moviliza pasiones secretas de sexualidad y religiosidad como lo puede hacer un actor como Mitchum, quien encarna el papel de un predicador manipulador, atractivo y cegado por la palabra de la prédica. El papel realizado en este film es impresionante y es raro que no se le haya reconocido como el mejor de su carrera. Además es la única película que el famoso actor inglés, Laughton, filmó en toda su vida. Imprescindible.

CARY GRANT LA FIERA DE MI NIÑA (BRINGING UP, BABY) HOWARD HAWKS 1938 Una estupenda dupla para una muy buena comedia. Ella (KATHERINE HEPBURN) es la hija de un ricachón, obstinada y caprichosa que obtiene lo que quiere a como dé lugar. Él es un científico, paleontólogo, a la búsqueda de fósiles de animales extintos. Se suceden escenas francamente hilarantes, rápidas y recurrentes, hasta con un leopardo incluido. Está considerada entre las mejores comedias de todos los tiempos.

HENRY FONDA TYRONE POWER TIERRA DE AUDACES (JESSE JAMES) HENRY KING 1939 la reconstrucción de ciertos periodos de la historia norteamericana no ha estado exenta de romanticismo en la identificación de algunos personajes, cuyas vidas se pierden en el tiempo; al igual que el bandolero Pardo en la costa peruana, hubo algunos delincuentes que asumieron una suerte de misión social con su entorno, reacción ante la injusticia reinante (como el caso de Bonny y Clyde, por ejemplo). El crecimiento del ferrocarril hacia el estado de Missouri provoca una fuerte confiscación de tierras, hay una intensa compra de terrenos por parte del estado, muchas veces presionando a los campesinos a vender sus tierras por nada. Así, por estas situaciones, surgen dos hermanos que han de convertirse en la pesadilla de banqueros y trenes, los hermanos James.

JAMES DEAN REBELDE SIN CAUSA (A REBEL WITHOUT A CAUSE) NICHOLAS RAY 1955 El icono de la rebeldía de una juventud que se prepara para los años 60 es sin duda JAMES DEAN, el joven actor, rebelde, displicente, atractivo que ha de morir joven estrellando su auto de carreras contra un árbol cuando sólo tenía encima 4 filmes realizados. Y es con este film que inicia su corto estrellato, film que desnuda la realidad de muchos jóvenes que no expresaban su realidad con el fin de mantener el estatus logrado. Los hogares de clase media tienen muchos chicos y chicas que tienen problemas, pero que no tienen el espacio para hablar. Toda una realidad sintetizada en la película. Con NATALIE WOOD y SAL MINEO.

HUMPHEY BOGART CASABLANCA MICHAEL CURTIZ 1943 ¿Qué podemos decir de una las películas más recordada y soñada por hombres y mujeres; Bogart hace el papel de un propietario norteamericano en un cabaret en la Marruecos ocupada. El tráfico humano es intenso y llega a sus salones un amor que había tenido en París antes de caer en manos de los nazis. El reencuentro es doloroso, pero ha quedado eternizado como uno de los triángulos amorosos más espectaculares de todos los tiempos. Un verdadero clásico.

GÉNEROS EN EL CINE, ALGUNAS MUESTRAS




Desde sus modestos orígenes hasta sus actuales pretensiones de respeto y autonomía,
el cine se ha debilitado constantemente entre el ser y el parecer.
HACIA EL ORIGEN DE LAS RECETAS, RAÚL ZEVALLOS



Uno de los parámetros más complicados en el cine es el del género entendido como el conjunto de rasgos comunes que permiten un cierto criterio clasificatorio en el séptimo arte. Este criterio es empleado como un método de estudio, así como en la realización de una película en sí, así también como coercitivos criterios económicos en la adecuación de la oferta y la demanda en la distribución de un producto fílmico. En un breve ensayo de Oscar Traversa (“Por qué discutir la cuestión de los géneros”), docente de la Universidad de Buenos Aires, plantea la necesidad de usar dicho criterio de carácter literario para tener una suerte de estrategia con el fin de centralizar el objeto de estudio. La cuestión del Género Literario ha sido estudiada por el lingüista ruso Todorov, así como la visión particular al respecto de los filólogos René Wellek y Austin Warren en su excelente investigación llevada a un libro, TEORÍA LITERARIA. De este último podemos extraer lo siguiente para comodidad del tema que se va a tratar y que es motivo de esta reflexión sobre el cine. Ellos dicen “La teoría de los géneros literarios es un principio de orden: no clasifica la literatura y la historia literaria por el tiempo o el lugar (...), sino por tipos de organización o estructura específicamente literarias. Todo estudio crítico y valorativo (……) implica de algún modo la referencia a tales estructuras”. La reflexión hecha por Traversa al respecto es interesante, ya que en cierta manera es un criterio insuficiente pero necesario para tener un punto de referencia. El concepto de género parte de la obra en sí, sobre la imagen que se tiene de ella y un cierro número de rasgos y las relaciones que se establecen entre ellos (los rasgos). Pero puede ser peligroso que estas referencias se conviertan en parámetros definitivos y filtros estrictos por el que debe pasar cualquier obra de arte. El espíritu académico puede ser una suerte de arma contra la creación artística. Así lo plantea también Rony Chávez en Butaca Sanmarquina, en una discusión permanente sobre este tema. Como plantea Traversa, la aplicación de los géneros obedece a criterios de estudio e incluso a una perspectiva didáctica como cita a dos autores de crítica cinematográfica. El fin es acercar el cine a un estudio por parte de investigadores, así como el grueso público. Pero, reiterando, el problema es evitar que este concepto académico no se convierta en un corsé que termine constriñendo al director, simplificando la lectura de un film al público y parametrando la creatividad en las artes a moldes rigurosos, nada permeables.

Este es el dilema que muchas veces enfrenta un directo o una obra cinematográfica. Por el criterio comercial, muchas veces el director obedece a una orden estrictamente económica y crea productos en serie para un mercado objetivizando su persona a una idea que no muchas veces él mismo comparte (parafraseando a Balmes Lozano). De eso se encarga la maquinaria para “hacer un director” que se adecue a ciertos productos de consumo. Sucede con actores, guionistas, en fin todos los que trabajan en el mundo del cine. Muchas veces, como todo gran artista, la obra de un cineasta es incomprendida por no encajar en el mercado del momento. El criterio de “género” puede convertirse así en una discreta arma para demoler una obra interesante o brillante. Así tenemos muchos directores y filmes que son incómodos de clasificar genéricamente. En la hermenéutica de cada uno de ellos, tienen vida propia y no necesitan de los mecanismos explicados para ser validados por ellos mismos. No son necesarios para su legitimización.

En este grupo de filmes que presento tenemos películas que en cierta manera se desajustan a los criterios de los géneros tradicionales (bélico, biográfico, ciencia ficción, comedia, policial, péplum, erótico, musical, fantástico, western o suspenso, fuera de otros menores), pero que poseen una personalidad múltiple que les permite asumir criterios varios para su estudio o interpretación.


CHINATOWN (BARRIO CHINO) ROMAN POLANSKY 1974. Este es un film genial, como en los tiempos del cinema noir, magistralmente dirigido por Polansky quien le dio forma a este intrincado libreto, oscuro por lo incestuoso y los tenebrosos manejos del poder económico y político. Jake (Jack Nicholson) hace el papel de detective, el cual se ve involucrado cada vez en un extraño crimen y va descubriendo los agobiantes tentáculos de una poderosa familia de Los Ángeles de los años 30. En el rompecabezas va descubriendo ciertas verdades basadas en lo inescrupuloso del ambicioso padre (John Huston) con su hija (Faye Dunaway)

BEETLEJUICE TIM BURTON 1988 ¿Cómo clasificar este film? ¿Fantástico? Es la interesante propuesta de un director sobre el tema de la muerte y su vinculación con el mundo de los vivos. Una pareja de almas recibe la “visita” de una familia disfuncional de la gran ciudad en su casa en el campo. Una serie de acciones se realizan con el fin de espantarlos sin lograr sus objetivos. Es una aguda comedia de humor negro sobre el interesante mundo de los “jóvenes de éxito”. Actúan Alec Baldwin, Geena Davis y Winone Ryder.

FURYO (EN NOMBRE DEL HONOR) NAGISA OSHIMA 1983 Un interesante trabajo de la naturaleza humana durante la segunda guerra mundial en un campamento de prisioneros manejado por los japoneses El capitán Yonoi trata de acercar el mundo cultural japonés al mundo de los prisioneros, sobre todo los ingleses; trata de infundirles el alto sentido del honor, pero son mundos culturales en eclosión en contexto de la guerra. De pronto llega un oficial que despierta emociones encontradas en Yonoi, un sentimiento que le ha de generar problemas con su tropa; así va descubriendo su homosexualidad y le trae problemas para controlar el campamento. Actúan David Bowie, Ryuchi Sakamoto, Tom Conti y Takeshi Kitano.

ETAT DE SIÈGE (ESTADO DE SITIO) COSTA-GAVRAS 1973 Cine político que reconstruye uno de los periodos más negros de la historia uruguaya y en general latinoamericana. Durante el gobierno de José María Bordaberry (dictadura civil de derecha), la CIA campeaba por las altas esferas del gobierno. Los Tupamaros, grupo guerrillero de entonces, decide raptar a un “asesor” de dicho gobierno, Dan Mitrione, quien había participado en todas las estrategias para desarticular a dicho movimiento. Los métodos del asesor no son nada santos y se procede a actuar. Con Yves Montand y Renato Salvatori.

THE FLY (LA MOSCA) DAVID CRONENBERG 1986 Este es un interesante remake de un film de los 50, con una interesante propuesta que liga a un mundo psicológico en el caso de la destrucción de una personalidad. Cerca al cine de ciencia ficción, nos muestra la transformación de un científico en una mosca. La diferencia con el anterior del año 1958 es que la transformación es paulatina y en ese proceso vemos cómo el hombre va perdiendo no sólo sus características físicas, sino su psique humana hasta perder todo vestigio humano. Con Jeff Goldblum y Geena Davis.

花-火 HANA-BI (FLORES DE FUEGO) TAKESHI KITANO 1997 Este excelente film encajaría en lo policial. Un ex detective tiene a su esposa con cáncer Terminal. Nishi, el ex detective, ha dejado la institución, ya que por un grave incidente su mejor amigo terminó en unas sillas de ruedas. La enfermedad de su esposa lo obliga a pedir dinero al YAKUZA, la mafia japonesa. Es una película que podría quedar como muy violenta, pero hay mucha poesía en escenas de contemplación y sutileza, en los minimalismos tan logrados en la cultura oriental. Con Takeshi Kitano, Ren Osugi y Kayoko Kishimoto

ZELIG WOODY ALLEN 1983 una divertida farsa que tiene como principal actor a nuestro entrañable director. Zelig es un actor con una neurosis increíble que le hace imitar a la persona con la que se encuentra y para eso emplea unos recursos visuales nunca mejor aprovechados para mostrar su capacidad camaleónica. Es tratado y curado paulatinamente por la doctora Fletcher, hasta lograr curarlo. Pero pronto surgen síntomas del rebrote. Con Woody Allen y Mia Farrow.

UNFORGIVEN (LOS IMPERDONABLES) CLINT EASTWOOD 1992 El resurgir del western, bajo la mirada de un hombre que encarnó papeles inolvidables como actor. Y su mirada es sombría, melancólica, triste del mito que se creó en las películas clásicas: el pistolero solitario, sin pasado, silencioso. Tanto como director como actor trata de desmitificar la saga creada desde los 50 en adelante. Es también una madura reflexión de lo que en sí fue la conquista del oeste y ese periodo mítico y romántico de la historia norteamericana. Trabajan Clint Eastwood, Morgan Freeman, Gene Hackman y Richard Harris.


TANGO CARLOS SAURA 1998 El cine musical siempre ha dado bellos frutos, la danza llevada al cine es atractiva y atrae a cientos para ver no sólo la danza en sí, sino la coreografía que se trabaja en un escenario propicio. Este film es una idea del director español Carlos Saura, quien cuenta la historia de un director de obras musicales quien está pasando un fuerte trance por el abandono de su esposa, quien es la principal actriz; una serie de sucesos lo van frustrando y se refugia en su obra, la cual quieren censurar. Actúan Ángel Solá, Cecilia Narova, Mía Maestro y Julio Bocca, un excelente bailarín quien hace poco dejó la danza. Un verdadero placer visual

jueves, 27 de noviembre de 2008

JOHN FORD





John Ford fue uno de esos extraños directores que amó al cine con pasión, creó una escuela y consolidó el western como género serio en la historia cinematográfica. Así pues creó una leyenda, elevó mitos y desarrolló un estilo que identificó y cautivó a los cinéfilos. Sus inicios fueron en el periodo mudo, pero es en el sonoro que logra su máximo esplendor, sacando al western de su función de mero entretenimiento a un trabajo más elaborado, creando personajes que han pasado a la posterioridad.
Ford nació en 1895 en Maine, décimo tercer hijo de una familia irlandesa emigrada al nuevo mundo. Se inició en el cine en 1917 y, al igual que Huston, hizo de todo en la cinematografía, incluso hasta el terrible papel de doble (stunt man).
A lo largo de su obra, vamos a ver en ella no una preocupación por el individuo, sino por el bienestar colectivo, filosofía que no concordaba con la idea de este género como tal, con un personaje central en torno al cual giraban la o las historias.
En el ensayo agudo que escribió Bertrand Tavernier sobre su obra (The Movie, No 19, 1980) nos hace ver esa visión tan particular con los conflictos que se van generando y ese espíritu de grupo que lucha por un objetivo, por el bienestar general; el líder fordiano busca el apoyo de su entorno y sólo reacciona con violencia si éste ha sido provocado. El estereotipo que se conoce de un cowboy (el de las películas) es la de un hombre solitario, huraño, hostil y bastante agresivo. Los héroes de Ford distan de esta descripción. Son personajes que tratan de mantener sus ideales en un torbellino de pasiones, siempre luchando por una causa que en muchos casos transcienden en la historia del contexto en la que suceden los eventos.
Jean Luc Godard propone tres tipos de westerns (tomando la idea de Balzac sobre las obras literarias): de imágenes, de ideas y de imágenes e ideas. Comenta sobre la obra de nuestro director y plantea que en sus películas, la imagen es la que nos va remitiendo a la idea (Súper Mann, Jean Luc Godard por Jean Luc Godard, Barral, 1971); en este pequeño ensayo, Godard empleó tres directos clásicos de este género para tipificar su propuesta; así, para ideas, Lang; para ideas e imágenes, Mann; para imágenes, nuestro director. Para llegar a este planteamiento, Godard emplea una película que va en nuestro nuevo ciclo de cine: The Searchers.

Aquí muestro algunos de sus grandes filmes, ya otros están en el archivo que colgué sobre el western (del cual el maestro era uno de los genios)

HOW GREEN WAS MY VALLEY (¡Qué verde era mi valle!) (1941) No hay que olvidar que Ford tenía orígenes irlandeses y que tuvo una infancia rodeada de muchos hermanos y con grandes penurias económicas; es por eso que a lo largo de su carrera, y tal como enunciamos sobre su obra en general, fue siempre su preocupación, el bienestar colectivo. Dos de sus filmes de compromiso social son tanto éste como una adaptación de la obra de J. Steinbeck, LAS VIÑAS DE LA IRA. Esta película nos muestra las durezas de pequeña comunidad minera que comienza a deteriorarse. Empieza como un gran racconto de este pueblo en Gales, una familia tradicional a la que le van sucediendo desgracias que van rompiendo la unidad familiar; muestra además las rígidas costumbres de un pueblo al que le vale el dicho “pueblo chico, infierno grande” hasta que la cabeza de la familia Morgan muere. Es una obra clásica que ha arrancado muchas lágrimas por generaciones.

THE GRAPES OF WRATH (LAS VIÑA DE LA IRA) Esta es una película en la que el autor trabajó codo a codo con el director. Es una intensa novela social de los años de la Gran Depresión americana, temática abordada por muchos artistas; Ford sintió un compromiso social bastante fuerte, gracias a sus raíces irlandesas y a una familia que vivió en la miseria a su llegada a los Estados Unidos. El denso problema social muestra el maltrato a los campesinos empobrecidos por los préstamos a los bancos (muy sintomático) y expulsados de sus tierras. Las escenas son fuertes, pero en la visión gringa, la posibilidad de otros horizontes se hace presente y deciden emigrar a California. La decisión es dramática y enfrentan una serie de abusos y explotaciones muy parecidas a las que viven los braceros hoy por hoy. Es interesante que al principio del filme, la compañía cinematográfica hace un deslinde con el contenido del tema; es la primera vez que, personalmente, veo esto. Creo que la visión del filme nos deja entender por qué lo hace... Sutilezas de la vida.

THE HORSE SOLDIERS (Marcha de valientes) (1959) También centrado en John Wayne, esta película es una reconstrucción histórica de eventos durante la Guerra de Secesión. Es un encuentro de antípodas, el militar vs. El médico encarnado por William Holden, almas que las circunstancias bélicas los va a obligar a abandonar sus diferencias para lograr al objetivo común. Volvemos pues a los principales leit-motiv fordianos.

THE MAN WHO SHOOT LIBERTY BALANCE (El hombre que mató a Liberty Valance) (1962) Un verdadero filme nostálgico sobre ese Oeste que se había convertido en leyenda y lleno de mitos; además es casi un recuento de la obra de John Wayne con Ford. La historia recae sobre tres personajes: la ley, encarnado por James Stewart, la marginalidad, por Lee Marvin; y la necesidad de la fuerza para que vuelva a imperar la ley, por Wayne.

viernes, 31 de octubre de 2008

WESTERN, LA MADUREZ DE UN GÉNERO


“.. El cine es y ha sido un fructífero medio
conservador de ideas y estilos de emoción”
SUSAN SONTAG, CONTRA LA INTERPRETACIÓN



El western es un género ampliamente conocido y que se ha ganado el reconocimiento de tal no solo por las características peculiares que lo identifican y distinguen de los otros géneros, sino, además, por la notable cantidad y calidad de gente del cine que hizo y hace de este su medio de expresión artística. Directores de la talla de Howard Hawks o John Ford, o actores como James Stewart, Gary Cooper o John Wayne han colmado nuestras pantallas de héroes solitarios y de escenarios inmensos que nos han ofrecido todo un estilo de vida, una filosofía ordenadora del mundo. Esos horizontes sin límites; la voluntad de los conductores de caravanas, los pioneros; la actitud racista de los mismos o los militares que los apoyaron en su plan de ocupación territorial bajo la consigna de que “el indio bueno es el indio muerto”; imprimieron toda una filosofía del “Beyond the bounderies.” (más allá de las fronteras), la que va a marcar la política interna y externa de la joven nación americana. No hay que olvidar que la historia de Norteamérica es reciente y está hambrienta de mitos para la conformación de una identidad histórica. Es por eso que este cine ayuda a la creación de ese tipo de héroe, del Self Made Man, el que lucha con los elementos y contra aquellos que quieren truncar su actividad expansiva en ese inmenso espacio que es el Oeste Norteamericano. Así, guionistas, directores, fotógrafos, músicos, actores van a crear todo un filón que lentamente va a ir ganando adeptos entre los hambrientos consumidores de cine, el arte masivo por excelencia. Sus inicios en el cine mudo estaban más ligados a un cine de entretenimiento que estaba más ligado al género de aventura. Los primeros momentos para el nuevo género fueron, en algunos casos, bastante auspiciosos. Así pues el cine como entretenimiento en Norteamérica se vuelve un boom con una primera película western: ASALTO Y ROBO A UN TREN (THE GREAT TRAIN ROBBERY) de 1903, dirigida por Edward Porter. Este éxito fue tal que pronto se abren pequeñas salas de cine, sobre todo en Nueva York en las cuales por un níquel (pequeña moneda) uno podía ver los 9 minutos que duraba dicha película. Así surgen los nickel-odeon. Además podemos aventurar otro dato ligado al western: una fecha, 1908, cuando deciden instalarse en California los directores Charles Bauman y Adam Kessel quienes filman su primer trabajo de cow-boys y pieles rojas en un pequeño poblado cerca a Los Ángeles, llamado Hollywood : allí se produce la primera película de estudios hollywoodenses, el western THE LAW OF THE RANGE.

Para muchos de generaciones anteriores, el acercamiento a este género se logró a través de algunas famosas seriales que se proyectaban en las salas de cine, historias secuenciadas que generaban una expectativa solo satisfecha a la llegada de los siguientes rollos. Todo esto contaba con un soporte en la tira cómica que también nos acompañó por muchos años: El Llanero Solitario, Roy Rodgers, etc. La televisión tiene a veces el buen tino de programar algunas de estas seriales, sobre todo en los canales llamados retro.

Quizá sea por las razones anteriormente expuestas que este género le tomó su tiempo para lograr su “lugar bajo el sol”. Este va a llegar con un gran director que va a usar al cine como campo de sus ideas y su particular visión del mundo: John Ford. Como este hito, otros grandes se han de suceder hasta la actualidad, como es el caso de Clint Eastwood ya como un director que gusta también cultivar este género.


Esta es una pequeña muestra de algunos clásicos de todos los tiempos, género que pese a corresponder a un limitado periodo en la historia norteamericana no ha envejecido y sigue produciendo algunas obras notables.


DUEL IN THE SUN (DUELO AL SOL) (1946) KING VIDOR La llegada de una bella jovencita al rancho “Pequeña España” va a desatar una constante lucha entre dos hermanos para conquistar su amor. Pearl Chávez (Jennifer Jones) es la agraciada jovencita, hija de una madre india bailarina en lugares de dudosa reputación y un padre rufián que muere ajusticiado por haber asesinado a su esposa y amante. En el rancho encuentra el amor de Jesse (Joseph Cotten), el hermano mayor y de Lewt (Gregory Peck), el hermano menor, el más díscolo agresivo y pernicioso. Es una de las mejores películas de nuestro director, quien trabajó con David Selznick; este deseaba hacer un film para su amada (Jones) con una película hecha a su medida. Selznick venía de haber logrado un gran éxito con LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, por eso fue exigente y pulcro con la realización de esta. El film además muestra el avance del progreso técnico contra el cual los rancheros de la sociedad de entonces no pudieron contener, sobre todo en lo referido a las instalaciones del ferrocarril; acompañaron a nuestro director, otros que aportaron para las escenas tanto exteriores (William Dieterle) o las interiores (Josef Von Sternberg)

ONCE UPON A TIME IN THE WEST (ÉRASE UNA VEZ EN EL OESTE) (1968) SERGIO LEONE Este es un verdadero clásico de la modalidad spaghetti western, una de las formas cómo se hizo famoso este género en Europa, gracias al aporte de capitales alemanes e italianos, y se ha convertido en un clásico de la cinematografía mundial. Además Leone logró reunir a una serie de actores mitos en este género: Henry Fonda, Charles Bronson y Jason Robards. Rodeaban a una bella actriz italiana que hizo su debut en este género: Claudia Cardinale. Ella va a ser fácilmente identificada, ya que Ennio Morricone va a componer una de las más bellas melodías del cine, la cual se ha de convertir en un leit motiv. Su triste viaje para ver a su futuro esposo muerto, asesinado con sus hijos, la van a fortalecer y no va a dejar la propiedad heredada que caiga en manos de un psicópata desalmado. El film es efectista, con escenarios increíbles, con situaciones tensas que recuerdan a su otro clásico: EL BUENO, EL MALO Y EL FEO.

SHANE (RAÍCES PROFUNDAS) (1953) GEORGE STEVENS Este es una película brillante del mundo del western, un interesante estudio del alma de un pistolero, a quien su pasado lo acosa y decide cambiar de vida. El pistolero Shane (Alan Ladd) llega a una granja ocultando su origen; es acogido por una pareja de granjeros (Van Heflin y Jean Arthur), quienes son acosados por unos pistoleros que apoyan a un gran terrateniente; este los contrata con el fin de ahuyentar e, incluso, matar a los pequeños granjeros. Shane, poco a poco, va recordando su pasado de pistolero y decide tomar cartas en el asunto. Surgen malos entendidos con la pareja, amores que surgen y un hijo pequeño que exige a Shane no ser un cobarde. La banda, dirigida por Jack Palance, va a recibir una sorpresa. Excelente film y una de las cumbres del western.

THE DUEL AT SILVER CREEK (DUEL EN SILVER CREEK) (1952) DON SIEGEL Este director fue un gran maestro del género y nos presenta esta pequeña joya con unos actores que luego han de ser puntales del mismo: Lee Marvin y Audie Murphy. La trama es muy sencilla y recurre al leit motiv de un pistolero: su peculiar sentido de justicia. Como alma solitaria y errante, Silver Kid (Murphy) llega a un pueblo aterrorizado por una gavilla de truhanes; el sheriff, desesperado, no sabe a quién recurrir; Silver Kid simpatiza con la causa del sheriff y se pone, en cierta manera, a sus órdenes

THE MAN FROM LARAMIE (EL HOMBRE DE LARAMIE) (1955) ANTHONY MANN Este es un estupendo film con James Stewart, quien decide tomar venganza contra aquellos que habían vendido rifles a los indios, quienes los emplearon para matar a su hermano; encuentra como sospechosos a un abusivo hacendado, su cruel hijo y el capataz del rancho. Este es el primer film que el director filma con una nueva técnica que se empleaba para resaltar los grandes planos: el cinemascope.

HIGH NOON (A LA HORA SEÑALADA) (1952) FRED ZINNEMANN Esta es una brillante película de los 50, hecha por 3 personas independientes del cine americano (el director Fred Zinnemann, el guionista Carl Foreman y el productor Stanley Kramer), una de las cuales, Foreman, se va a ver en problemas frente a la Comité de Actividades Antiamericanas, dirigida por McCarthy y creada por Harry Truman en plena guerra fría. Foreman va a ir viendo cómo su entorno amical y laboral se va alejando de él, lo mismo que le fue acaeciendo a todos aquellos que caían en desgracia por la acción paranoica de este Comité, el cual diezmó el mundo intelectual norteamericano. Quizá esa sensación de abandono por parte de amigos y conocidos la transmitió al sheriff Will Kane (Gary Cooper, extraordinario) cuando tiene que enfrentarse solo a una banda que tiene atemorizado a todo el pueblo; la analogía es asombrosa, por eso tiene todo un carácter de denuncia contra un pueblo que se dice defensor de la democracia, pero en el momento indicado, este (el pueblo) no ceja para nada en darle la espalda. Foreman siguió su carrera en Inglaterra.

STAGECOACH (LA DILIGENCIA) (1939) JOHN FORD La edad de oro de nuestro Director y del cine western empieza con esta obra maestra, con la que Ford incursiona, además, en el cine sonoro. Está inspirada en un trabajo de Ernest Haycox, pero como referente una gran novela corta de la literatura francesa, Bola de Sebo de Guy de Maupassant. El filme es un espacio extraordinario en el cual se van presentando nueve personajes, nueve personalidades que van a vivir una excitante y riesgosa experiencia para llegar a su destino, el cual se encuentra en medio del Monumental Valley, ese esplendoroso valle semiárido que se va a convertir en su escenografía natural. Es además la primera película que filma toda una persecución a una diligencia en pleno escenario natural; las escenas insertadas del plateau no desmerecen el suspenso que genera dicha persecución y se constituyó en todo un clásico. Además, de una manera muy aguda, por lo que hizo más atractiva la película, reunió hasta 17 melodías conocidas lo que la convirtió en todo un éxito comercial. John Ford entró así por la puerta grande a la cinematografía mundial.

RED RIVER (RÍO ROJO) (1948) HOWARD HAWKS Uno de los filmes más paisajistas y que tiene la presencia femenina subyacente, sea por el recuerdo de la amada muerta (un marcado complejo de culpa que va a arrastrar a Wayne durante el film), un brazalete que se vuelve una suerte de nexo fetiche con el otro personaje femenino que atenúa la rivalidad entre Wayne y Montgomery Clift, Joanne Dru (la que a su vez controla con un carácter poco usual para los “famosos” papeles femeninos en este género. Es un film de viajes, paisajes (poco usual en nuestro Director que solía enfocarse en espacios más pequeños), deterioro de relaciones, tensiones y un buen final feliz, luego de marcadas tensiones.

THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY (EL BUENO, EL MALO Y EL FEO) (1966) SERGIO LEONE Uno de los mayores éxitos del famoso spaghetti-western, una de las formas cómo se hizo famoso este género en Europa, gracias al aporte de capitales alemanes e italianos y rodada en España. Un botín de 200 mil dólares moviliza la ambición de 3 personajes, encarnados por Clint Eastwood (Bueno), Lee Van Cleef (Malo) y Eli Wallach (Feo) y llevan a cabo esta empresa en medio de la guerra de secesión norteamericana, en Texas. Con el apoyo del ejército español, Sergio Leone trata de reconstruir todo este escenario histórico (con armas de la época incluidas) para mostrar esta trama de largos planos, acercamientos visuales extraordinarios, una música ad hoc y unos diálogos alucinantes que ya la han hecho todo un clásico. Es, además, una de las pocas películas de esta modalidad que el público norteamericano acepta sin reticencias.

THE SEARCHERS (MÁS CORAZÓN QUE ODIO) (1956) JOHN FORD Una de las obras maestras de Ford, ya es un clásico, porque en cierta manera vuelve a ese esquema tradicional del héroe individual y solitario que caracterizó a este género. Pero Ford no trabaja a su héroe como un hombre aislado de su entorno, sino como un hombre que ve lo que sucede y es movilizado por ese sentido de responsabilidad de luchar contra la injusticia contra el más débil. Además vuelve a trabajar con John Wayne (dupla John-John que hizo un sinfín de películas); en este film vemos “la tragedia de un solitario” (como lo llama John Kobal). Mucho se ha dicho sobre esta película: racista (lo es), actuación pétrea de Wayne, el mito del individualismo. Pero es el conjunto de estas situaciones y las circunstancias como el de tener que luchar contra la crueldad de algunas tribus (que incluso mataban a personas de su etnia) que conllevan a una narración épica, como un cuento medieval: la búsqueda por la chica raptada o extraviada. La escena final con el retorno a casa y el alejamiento del guerrero marca un hito en la creación de un estereotipo de cowboy. El conjunto de actores (Vera Miles, Natalie Wood), la escenografía natural, los travellings, y en sí la historia la hacen una bella película.

RIO BRAVO (RÍO BRAVO) (1959) HOWARD HAWKS Este es un film extraordinario, con personajes tan sólidos reunidos para luchar contra una gavilla de truhanes que vienen a rescatar a uno de sus secuaces capturados por el sheriff. Hawks va dejando a sus personajes a que cada uno vaya encontrando su destino bajo una atenta observación de la cámara, la que nos va mostrando sus miedos, alegrías, debilidades y para lo que son buenos. En el mundo moderno, esto se llamaría “trabajo en equipo”, pero no fue esta la intención de nuestro Director, ni mucho menos; es hacernos conocer lo que puede pasar en cada uno en cada acción que realicemos y los momentos que en algún instante nos ha de tocar y que serán nuestras oportunidades para conocernos quiénes somos. Por eso, emplea espacios reducidos que permitan centrarse más en el personaje. Destacan, aparte del clásico John Wayne, un Dean Martin simpático, aunque muchas veces patético (por el alcoholismo) y una sensual Angie Dickinson, quien se une a esta causa quijotesca, pero a cuenta y riesgo personales.



BIBLIOGRAFÍA

* DICTIONNAIRE DES FILMS, LAROUSE, 1995.

* HISTORIA ILUSTRADA DEL CINE. RENÉ JEANNE, CHARLES FORD, TOMO 1, 1981.

* LA GRAN ILUSIÓN, UNIVERSIDAD DE LIMA, No 4, 1995.

* EL CINE NORTEAMERICANO EN 120 PELÍCULAS, AUGUSTO M. TORRES, Alianza Editorial, 1994.