Datos personales

Trujillo, La Libertad, Peru
Un espacio para mostrar ideas y puntos de vista ligados al arte, a la cultura y la vida de una sociedad tanto peruana como universal
Mostrando entradas con la etiqueta grandes actores. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta grandes actores. Mostrar todas las entradas

viernes, 28 de noviembre de 2008

NAZISMO EN EL CINE




La inflación redundó en gran beneficio de los grandes industriales
y de los productores agrícolas, en tanto que las clases medias
y los asalariados se vieron reducidos a la miseria
JACQUES NÉRÉ, HISTORIA CONTEMPORÁNEA




El periodo nazi es una de las etapas históricas más fascinante y oscura de la humanidad, plagada de errores intencionales aún no asumidos por grupos que empujaron a este fenómeno sociopolítico al poder. Reflexión del mal uso de los medios para evitar procesos inexorables históricos; visión maquiavélica de un estrato social, el cual no tuvo escrúpulos en usar como contenedor de acontecimientos históricos que iban provocándose en la Europa de entreguerras con las nefastas consecuencias que conocemos.

El ascenso vertiginoso del nazismo corresponde a una convulsionada etapa de la Alemania derrotada y humillada después de la Primera Guerra Mundial. El oneroso Tratado de Versalles significó una carga pesada para el pueblo alemán, un tratado en el que comprometió su territorio y su población a los desalmados intereses de los capitalistas y políticos de los países vencedores. Aunque también lo fue cuando se partió en dos, después de la Segunda Guerra Mundial, Alemania además se convirtió en una zona experimental para las ideas del comunismo bolchevique y el capitalismo monopolista, como ya lo había vislumbrado Lenin en sus diversas tesis al respecto. La clase alta alemana se acomodó rápidamente a la nueva situación y trató de mantener una suerte de statu quo que, obviamente, la beneficiara. Cuando el peligro rojo aparecía como una sombra siniestra en el panorama teutón, un grupúsculo surgido en la Bavaria conservadora hace su aparición y este grupo va a poder “conjurar” todos los temores de una población temerosa y humillada por los resultados de la guerra, desmoralizada por los pagos abusivos impuestos a su industria y toda actividad económica y una terrible espiral inflacionaria, (que hace palidecer la terrible que tuvimos los peruanos bajo la hecatombe de los 80 con el inefable Alan García en su primer y devastador gobierno). Los alemanes se veían acorralados por enemigos internos y externos, y su país no era visto con simpatía por las demás naciones, sobre todo por los vencedores. Los réditos humillantes hicieron que el pueblo alemán busque un salvador. Además la inestabilidad política en la era Hinderburg, manejado el país por una casta de gobernantes egoístas, interesados e insensibles favoreció el ascenso de este mediocre partido manejado por un resentido (a todo nivel) que supo reunir todas las frustraciones del momento. Personajes oscuros como Franz von Papen, Wilhem von Gayl o el intrigante general Kurt von Schleicher no hicieron nada más que crear la incredulidad del pueblo alemán por sus gobernantes y permitir el ascenso del nuestro oscuro personaje. Tal como sucede en nuestras débiles democracias, el sentido político pasa a un segundo plano dando prioridad a líderes emergentes demagogos, incapaces de trazar una línea de nación a largo plazo (como ha pasado en nuestro país desde su Independencia). Hitler fue un perfecto líder, no hay que negarlo, pues surgió en una coyuntura, supo “leerla” y darle una respuesta; dirigió al pueblo bajo las ideas que él creía y los demás las abrazaron como suyas en esas circunstancias. Le dio fe a un pueblo desilusionado. Hay que entender todo esto bajo esa óptica. Si para los peruanos durante los finales de la debacle aprista y los años iniciales del oscuro Fujimori la solución se hallaba en vírgenes que lloraban o aparecían en puertas, o en santeros que te curaban con la mano; para los alemanes ese santo fue un poco Hitler. El poder acumulado por él fue atractivo para los grandes industriales y comerciantes quienes lo intentaron de utilizar como un títere para sus intereses y contener el malestar social. El avance comunista entre los descontentos alemanes era imparable y esta clase dirigente no tuvo ningún reparo en apoyarlo; además los demás países como Inglaterra o Estados Unidos trataron de presionar para que el enfrentamiento sea entre Unión Soviética y el Reich, es por eso que el pacto Molotov (STALIN) – Von Ribbentrop (HITLER) fastidió mucho a los intereses de estas potencias. La rara posición de estos países se ve en la ambigua postura que asumieron estos gobiernos (no así sus pueblos) frente a la abierta participación de los nazis apoyando a Franco durante la Guerra Civil española, en la que la Luftwaffe participó con algunos tipos de aviones para bombardear algunas ciudades desprotegidas enemigas de los falangistas, como el terrible caso de GUERNICA (inmortalizada en la pintura de Pablo Picasso).

El costo que la humanidad ha pagado por el apoyo abierto o sesgado a este movimiento ha sido muy alto, pero bajo la perspectiva fría de los líderes de ese entonces (o actuales) sí ha sido rentable. Así de sencillo. A su derrota, el mundo estaba “hecho” a la medida de los poderosos.

He aquí algunos filmes que tienen como tema el nazismo, sea directa o tangencialmente:

TRIUMPH DES WILLENS (EL TRIUNFO DE LA VOLUNTAD) (LENI RIEFENSTAHL) (1935) ¿qué podemos decir de este documental? Si por las imágenes solas nos quedáramos, muchos se sentirían (y se sienten, peligroso) fascinados por el Nazismo y su líder Adolfo Hitler. Es un documental que muestra el congreso del partido nazi que se llevó a cabo en setiembre de 1934 en la ciudad de Nuremberg. Es un despliegue de recursos para mostrar ese increíble espíritu de organización, coordinación y gigante parafernalia que caracterizó (y caracteriza) a los partidos fascistas. Las imágenes ayudan a crear esa sensación de poder, pura y sofisticada propaganda. Es difícil desprenderse del poder de algunas imágenes bellas y no reconocer que, tras ellas, un poder oscuro y letal las movilizaba. Para muchas personas de poca formación política y personalidad desmembrada y encontrada, encuentra en ésta un mensaje de orden y salvación. Como muchos que admiran a Franco o a Pinochet por la gran calma y progreso que gestaron en sus países. Sin lugar a dudas, es para discutir y evitar que esto vuelva a suceder

BALLADE O SOLDATE (BALADA DEL SOLDADO) (1960) (GRIGORI TCHOUKHRAI) (URSS.) Drama dirigido por Grigori Tchoukhrai es un sincero y emotivo filme sobre aquellos héroes anónimos que fueron a la guerra con muchos sueños e ideales, y nunca retornaron. La historia es muy sencilla: Alecha, nuestro soldadito, hace un acto heroico y es recompensado con una visita a su casa y pueblo...por última vez. El reencuentro con la madre, tras un largo periplo, con enamoramiento incluido, concluye con un emocionante abrazo por unos cuantos minutos, y ella no quiere dejarlo partir. La guerra es “ese monstruo grande” como dice León Gieco, que aplasta la dignidad y la esencia de lo humano, desvirtúa el sentido de la muerte, quiebra esa intimidad que nos liga a ese momento trascendental para convertirlo en un acción cotidiana. Una lágrima para esos héroes desconocidos

DER UNTERGANG (LA CAÍDA) OLIVER HIRSCHBIEGEL 2004 ALEMANIA Una madura reflexión de los últimos días del Führer en su búnker de Berlín. A través de los ojos de una secretaria, Traudl Junge (Alexandra María Lara), vemos la decadencia del Tercer Reich, con una ciudad terriblemente sitiada, bombardeada, con héroes anónimos y con la insana actitud de jerarcas capaces de exigir sacrificio a la golpeada población civil. Alguna vez proyectaron un ciclo televisivo de ciudades héroes, las cuales fueron arrasadas por la locura de la guerra como Leningrado, Varsovia, Dresden, entre otras; una de estas es Berlín, destrozada por bombardeos sistemáticos y dirigida por un loco que aún soñaba con ejércitos desaparecidos y una tenaz lealtad de niños, mujeres y viejos. El fanatismo de un pueblo se ve en los ojos de esta secretaria, quien cree a pie juntillas en su líder; paulatinamente surge el desencanto, pero el temor es más fuerte que la verdad y todo el pueblo alemán es aún arrastrado por estos locos hacia un holocausto del cual lentamente Alemania curará en los años posteriores. Hay una buena interpretación de Bruno Ganz como el Führer.

THE GREAT ESCAPE (EL GRAN ESCAPE) JOHN STURGES 1963 USA es una buena película de suspenso, de un maestro que trabajó el western y cine de aventura. Un grupo de prisioneros en un campo de concentración especializados en reincidentes planea una gran fuga masiva. Los sucesos acaecen rápidamente, buen trabajo de actores y escenas brillantes de aventura. Es una película ágil, la acción no para. Es un clásico. Con Steve MacQueen (una excelente escena de moto), James Garner y Richard Attenborough. La música ayudó a inmortalizar más este film.

CABARET BOB FOSSE 1972 USA Alemania antes de la guerra. Berlín es un hervidero de artistas y es el esplendor de los clubes nocturnos en la capital germana y muchos actores y actrices buscan suerte. Interesante ver a través de los bailes cómo va apareciendo la ideología reinante de la época, la amenaza nazi, la censura velada y luego abierta, la decadencia de un momento. Surge el antisemitismo y una fuerte homofobia en un contexto en el cual había muchas personas con esas características. Alemania va lentamente hacia la hecatombe. Los artistas de la talla de Werner Finck, Friedirch Hollaender, Karl Valentin fueron silenciados y tuvieron que irse del país. El chiste político se volvió peligroso y muchos clubes fueron clausurados; eran espacios en los que la gente, pese al miedo, aplaudía a rabiar a Finck por sus ocurrencias agudas. Actúan Lisa Minelli y Michael York.

INDIGÈNE (DÍAS DE GLORIA) RACHID BOUCHAREB 2006 FRANCIA/ ARGELIA/ MARRUECOS Este es un film de reivindicación en un momento en Francia en la que su sociedad tiene personajes como Le Pen y un presidente con comentarios que hirieron susceptibilidades de comunidades de emigrantes, con sesgos bastante fascistas. Francia mantuvo una gran cantidad de colonias y, durante la Segunda Guerra, la patria había sido invadida por las tropas nazis; el continente reclama la ayuda de sus colonizados y acuden masivamente. Los sentimientos de la elite militar para con ellos es muy ambigua y los hombres que exponen su vida reclaman sus derechos. La intolerancia y el racismo surgen por doquier, algunos que no diferían como los nazis con los judíos. Más de 130 mil “indígenas” lucharon por Francia contra los nazis; poco ha sido reconocido de esta etapa. Actúa una serie de actores franceses hijos de emigrantes y que hacen carrera en la cinematografía gala: Jamel Debbouze, Samy Naceri, Sami Bouajila, Roschdy Zem.

LA NIÑA DE TUS OJOS FERNANDO TRUEBA 1998 ESPAÑA Para nadie es un secreto que Hitler apoyó a los falangistas para vencer a los republicanos. Queda en el triste recuerdo de España el encuentro de los dos tiranos el 23 de octubre de 1940 en Hendaya, territorio vasco francés. La idea era comprometer a otro país estratégico en los planes bélicos nazis. Felizmente el curso de la historia no permitió que Franco ingresase a la guerra, quien había demandado inmensas colonias francesas a Hitler a cambio de la participación de España y la ocupación de la estratégica Gibraltar (la cual aún está en manos de los ingleses). Bajo este contexto de extraña colaboración surge esta película que podría ser una comedia, aunque no lo es del todo. Una coproducción alemana-española en los estudios de la UFA es la razón del viaje de un grupo de actores y actrices españoles a Alemania. Las situaciones son muy graciosas y disparatadas; pero el miedo y el silencio hacen presa de este grupo. Pese a todo y con la despedida de un salve a la república, culmina el film en incertidumbre, premonición de los hechos que se avecinaban. Actúan Penélope Cruz, Jorge Sanz, Rosa María Sardá, María Barranco y una breve participación de Hanna Schygulla.

DIE EHE DER MARIA BRAUN (EL MATRIMONIO DE MARÍA BRAUN) RAINER WERNER FASSBINDER 1979 ALEMANIA Este es uno de los filmes más interesantes y reflexivos de la Alemania de post guerra. De manera alegórica María Braun es Alemania; María se casa el último día de la guerra y su esposo es enviado a prisión; ella debe sobrevivir y recurre a todos los medios; de repente retorna su marido del encierro y ve la realidad de su mujer; tras una nueva complicación con las autoridades por un crimen, el marido va nuevamente a prisión; una vez libre decide emigrar y deja a María sola; ella se engancha por interés con un rico y su poder comienza a ascender. Alemania vio parte de su identidad sometida a los aliados, sobre todo a los norteamericanos, quienes con su ayuda económica condicionaron a una parte de ella (además Alemania fue dividida por los aliados). La historia paralela María / Alemania es impresionante. Además lanzó a la fama a una de las actrices que será emblema del cine teutón de los 70 y 80, Hanna Schygulla.

THE RED BIG ONE (MÁS ALLÁ DE LA GLORIA) SAMUEL FULLER 1979 USA esta es una interesante crónica de un escuadrón que se embarca en la liberación de Europa a partir del ingreso de los Estados Unidos en la guerra. Desde África hasta Checoslovaquia, este puñado de hombres al mando de un veterano de la Primera sobrevive hasta la rendición de Alemania. Hay un paralelismo entre los finales de ambas guerras en la que el sargento veterano es el protagonista, en medio de la locura de la guerra, las extrañas relaciones que se entablan en ese contexto y la impotencia de no poder cambiar ciertas situaciones de esta masacre. Es un film sincero y hay momentos poéticos pese al tema. Buena actuación de Lee Marvin como el sargento.

LES CONDAMMÉS (LOS CONDENADOS) LUCHINO VISCONTI 1969 ITALIA Este film reconstruye los primeros años del nazismo en el poder, el acomodo de las clases poderosas alemanas con los nuevos inquilinos el Reichstag y la destrucción sistemática de todas aquellas personas incómodas al régimen. Se vale del asesinato de un fiel amigo del Führer, el cual sus marcadas tendencias homosexuales arrastraba a varios altos miembros de la Gestapo, SS y otros organismos de control. Se valen de intrigas, complots, intentos de golpe, cualquier medio era efectivo y se declaraba la delación y traición. Las fuerzas en juego provocaban ascensos y caídas, y todos debían cuidar sus espaldas. A pesar de la íntima amistad de Erick Röhm con Hitler, este no cejó en retirar su amistad por cuestiones estratégicas y dejar su ejecución a las huestes de Himmler. La ejecución fue realizada y esta se conoce como “la noche de los cuchillos largos”, en la cual más de 80 hombres, muchos de ellos muy leales al Führer fueron ejecutados. Y además vemos cómo en las familias poderosas la carnicería también empezaba. Con Dick Bogarde, Ingrid Thulin y Helmut Berger.

JUDGEMENT AT NUREMBERG (EL JUICIO DE NÜRENBERG) STANLEY KRAMER 1961 USA Un film difícil y preámbulo de los juicios para evitar la impunidad. Polémico en el mundo del derecho, habida cuenta que el estado nazi tenía una constitución que “legitimaba” estos crímenes. Pauta para lo que serán los tribunales internacionales que juzgarán a delincuentes como Milosević, aunque escapó de esto personajes sombríos como Pinochet o Videla. En realidad como película es más un testimonio y una reflexión de ciertas actitudes por parte de las personas involucradas en el poder judicial en situaciones especiales y extremas. Con Spencer Tracy, Burt Lancaster, Judy Garland, Maximilian Schell y Marlene Dietrich

MRS MINIVER (SEÑORA MINIVER) WILLIAM WYLER 1942 USA Este film se hizo en los Estados Unidos con muchos actores y actrices ingleses que tuvieron que dejar su país por la guerra, ya que la producción cinematográfica era escasa y muchos estudios fueron destruidos. Y en estudios construidos para esta película, una pareja de esposos vive los primeros momentos de la Segunda Guerra y todo el impacto que le tocó vivir a los ingleses ante el incontenible avance de las tropas alemanas, el desbande de los aliados en Dunkerke y el constante bombardeo de las ciudades inglesas por parte de la Luftwaffe. Fue en cierta manera, un homenaje al pueblo inglés por lo que estaba pasando y una ventana a la sociedad norteamericana, la cual aún mantenía su neutralidad hasta diciembre del 1941 (Pearl Harbor). Sincera película en la que nuestra heroína (Greer Carson) va a tratar de llevar la vida lo mejor posible con su esposo (Walter Pidgeon) en la locura de una guerra.

LA VITA È BELLA (LA VIDA ES BELLA) ROBERTO BEGNINI 1998 ITALIA. Esta es una comedia en medio de la inmensa tragedia de lo que fue el holocausto judío, la Solución Final. Roberto Begnini encarna a Guido Orefice, un hombre de muchos recursos y una suerte a veces adversa, quien le tocó vivir los primeros años de la Italia fascista y la ocupación alemana, y la aparición de los campos de concentración. Sistemáticamente vemos, a través de los últimos momentos de la vida de Guido, lo que va pasando a las comunidades consideradas racialmente impuras. Van perdiendo propiedades, derechos y luego la vida. En medio de esta terrible realidad, Guido trata de enseñar a su hijo que la “vida es bella”, pese a todo. Lo acompaña su esposa (en la vida real lo es también) Nicoletta Braschi.

THE LONGEST DAY (EL DÍA MÁS LARGO) DARRYL F. ZANUCK (PRODUCTOR) 1962 USA Trabajada como un documental, esta película es una ambiciosa reconstrucción del famoso Día D, la invasión de Normandía; vemos la historia narrada desde planos diferentes y la cámara como único testigo de lo que iba pasando en las tropas aliadas, en la población de la Francia ocupada y en las tropas alemanas. Reconstruye a personajes que con sus decisiones y errores marcan el cambio de la historia y precipita la caída del régimen nazi. Cada momento hubo un director que se encargaba del manejo de actores, tomas y dirección. Berhard Wicki para la parte alemana; Ken Annakin para la parte inglesa; y Andrew Marton para la parte norteamericana. Hay un total de 42 estrellas del cine de ese entonces que tienen breves roles; en realidad, la actriz principal es la guerra.

PETER SELLERS, MAESTRO DE LA SÁTIRA




Richard Henry Sellers, mejor conocido como Peter Sellers, sea quizá uno de los actores más postergados por las generaciones jóvenes de cinéfilos. Este gran camaleón de la sátira (como lo fue también Alec Guiness, su compatriota) fue un actor multifacético y encontró la sátira cinematográfica su mejor filón actoral. Nació en el seno de una familia de artistas de vodevil. Interesante es saber que sus padres, Agnes y Bill, pusieron el nombre que lleva en homenaje a un hermano no nacido previo a él. Según reza la biografía pintoresca de su vida, a las pocas horas de nacido ya estaba en el escenario por acción de sus padres, quienes tenían necesidad de un “actor” bebé y nuestro amigo “cayó a pelo”. Fue una persona muy inquieta por las actividades del escenario, por eso estudió actuación y danza, y aprovechaba cada momento libre para subir a las tablas, incluso en los momentos que estuvo enrolado en el ejército de su país. Trabajó en algunos programas de la BBC, pero, irónicamente, fue enrolado en las filas de esta gran empresa pública inglesa. A lo largo de su carrera, ha sido un actor camaleónico que ha asumido roles como un psicópata con poder como un actor aficionado de origen hindú. Siempre fue muy agudo en la construcción de sus personajes y, según comentan, sus 4 esposas y sus hijos sufrían sus exageradas reflexiones sobre la formación de un carácter: una dura formación de la escuela británica. Pero, además, era capaz de cambiar sutilmente y rápidamente de un personaje a otro, tal como lo demuestra en DR. STRANGELOVE.
Su partida a los Estados Unidos le abrió la puerta de la fama en el celuloide, trabajando con los genios como Kubrick, Blake Edwards y Ashby. En su vida privada, se sabe que el excesivo control que tuvo de su madre, una mujer posesiva, lo hizo una persona emocionalmente dependiente y en muchos casos actuaba como un niño.


He aquí algunos buenos filmes de nuestro actor:


DR. STRANGELOVE (TELÉFONO ROJO, ¿VOLAMOS HACIA MOSCÚ?) STANLEY KUBRICK, 1964 Quizá la obra maestra de nuestro actor, Sellers ya había trabajado con Kubrick en el film LOLITA, basado en la obra de Nabokov, en la que hace el papel de un seductor bailarín (herencia de su aprendizaje en diversas y reputada academias de baile durante sus años mozos). Los papeles que juega nuestro actor en este film le merecieron la nominación a varios grandes premios, incluido al Oscar. Este film muestra ese periodo de tensión que se vivió en Norteamérica en plena guerra fría y, pese al espíritu conservador de la sociedad americana, fue todo un suceso por lo descabellado (aunque posible) de las circunstancias que vemos en la película. Hace una parodia de los personajes en cuyas manos la vida de toda la humanidad estuvo. No nos olvidemos que dos años de esta película hubo la famosa crisis de los misiles en Cuba, situación que casi devino en una tercera guerra mundial. El tema era muy espinoso y por eso se temía reacciones violentas contra el mismo. No hubo por ahí desadaptados que culparon a Kubrick de comunista por haber mancillado el espíritu americano. Eran años turbios, un año antes había caído Kennedy y se acentuaba la presencia yanqui en muchos lugares del planeta, sobre todo Vietnam. Desde la perspectiva actual y por el tema puede ser también visto como un documento histórico. Lo acompañan un desconocido (en esta faceta) e hilarante GEORGE SCOTT. Si uno recuerda esa época, qué cerca estuvimos de un final triste por obra y gracia de un energúmeno.

LA FIESTA INOLVIDABLE (THE PARTY) BLAKE EDWARDS 1968 esta es una genial y fresca comedia de los 60, totalmente disparatada; una comedia con muchos gags (parece una película de Jacques Tati) que depende mucho de la capacidad de observación que tiene el espectador a través de la cámara. La presencia de un actor como Peter Sellers, como un desfachatado actor hindú, nos asegura una fiesta ciertamente inolvidable, en la que se sucederán escena tras escena a cual más disparatada, con una velada crítica al tufillo del Hollywood. Critica el mundo de los actores y actrices, donde todo puede pasar con el fin de lograr un papel y, además, el trato que había entre todos los integrantes de este mundillo. Los papeles están bien definidos y la noche es hilarante, pues se burla del american way of life, con sus piscinas y otras cosillas más de los 60.


LA VENGANZA DE LA PANTERA ROSA (REVENGE OF THE PINK PANTHER) BLAKE EDWARDS 1978 El trabajo de Sellers con Blake Edwards fue bastante fructífero. Edwards comenzó una saga inspirado en el personaje creado por DePatie-Freleng para la televisión en los años 60. Fuera de la famosa pantera y la dupla la hormiga y el oso hormiguero, el personaje del inspector Clouseau era la representación del absurdo del mundo de la policía y un visillo de espionaje. Años de la guerra fría, del 007 y todo ese mundo de la tensión entre las potencias, el inspector Clouseau tiene su campo de acción en Europa; Edwards hizo una secuela de 3 filmes, en los cuales actúan diversas personalidades de celuloide en sus características más amables de la vida: el humor. En cada una de ellas, nuestro actor se mete en absurdos problemas y tiene soluciones insospechadas y graciosas, y lo interesante es el rostro de nuestro actor, con ese peculiar sentido del humor. Esta es prácticamente su penúltima película, en un periodo que ya marcaba su retiro del cine.

DESDE EL JARDÍN (BEING THERE) HAL ASHBY 1979 El último film de Sellers, es una crítica mordaz al sistema democrático norteamericano, al cual desnuda con una serie de graciosas situaciones ocasionales y accidentales hasta llegar a lo más alto del poder. Un jardinero con marcado retraso mental pierde todo, su vida sufre un cambio, pero su proceso de asimilación es diferente, ya que el conocimiento del mundo que él tiene es a través de la televisión. Y gracias a esos clichés, Gardener sobrevive y escala en ese mundo de oportunidades que es la sociedad norteamericana. Rudo golpe a esa cultura, donde personajes suben a la cresta de la fama y el poder de la forma más circunstancial. El rol de Sellers es soberbio, con esa mirada cándida que convence a sus interlocutores, quienes lo encumbran a la candidatura del país más poderoso del planeta. Las preguntas finales: ¿ganaría? Si es así, ¿qué pasaría con su sociedad?

EL SENTIDO DEL HUMOR NORTEAMERICANO




“..La risa libera al aldeano del miedo al diablo y este libro podría enseñar que liberarse del miedo al diablo es un acto de sabiduría (...) ¿Y qué seríamos nosotros, criaturas pecadoras, sin el miedo (...)?".
UMBERTO ECO, EL NOMBRE DE LA ROSA


El reír es una de las manifestaciones humanas más agradables y saludables disponible para cada uno de nosotros. Es gratuito y está al alcance de pobres y ricos; gordos y flacos; viejos y jóvenes; hombres y mujeres. Pero lo que puede provocar la hilaridad ya es harina de otro costal. El sentido del humor es también de naturaleza humana, pero ya no es una cuestión fisiológica, ya es una entelequia mental en la cual convergen factores sociales, culturales, lingüísticos y geográficos. El chiste, el doble sentido ya es un proceso mucho más refinado que integra o disgrega grupos humanos, e incluso pueden llegar a convertirse en medios de crítica o una forma de conocimiento de la coyuntura vivida por una sociedad. La posibilidad de transformar el entorno de cada uno de nosotros hacia la hilaridad es una acción creativa que demanda ingenio y reconocimiento individual y colectivo. Así pues, la buena comedia no es una actividad ligera como muchos han querido ver este género. La confusión de relacionar la vulgaridad con el buen humor ha hecho que el gusto por este género se haya deteriorado y haya formado un público con exigencias ramplonas y de total mal gusto El facilismo acostumbró a muchos oyentes y espectadores a una lectura auditiva y visual fácil y poco complicada, y se pensó que el lado amable de la vida no podía ser fuente de un entretenimiento inteligente y lúdico.
Como manifestación cultural, el humor tiene diferentes manifestaciones que requieren lecturas especiales por parte del receptor; y le demanda agudeza, rapidez, capacidad de crítica y autocrítica. Una aguda visión de lo social puede derivar en la crítica, cuya mayor manifestación es la sátira, la cual no está solamente reservada al mundo político. Es interesante ver cómo cada sociedad construye una visión graciosa de sí misma, mordaz y muchas veces cínica; es una catarsis amable, de distensión. Y también lo es de solidaridad con el o los personajes a quienes les toca experimentar situaciones embarazosas o tragicómicas. Así como la antigua tragedia griega se convertía en el liberador de demonios del inconsciente colectivo, la comedia moderna se ha vuelto en el catalizador de nuestras histerias, neurosis, complejos, deseos reprimidos y frustraciones.
La buena comedia norteamericana del cine es un buen estudio de la sociedad y sus momentos en este planeta. Directores y actores han observado todos los traumas que arrastran sus conciudadanos y los han llevado al ecran; algunos con mediocres resultados, pero felizmente también hay un buen número de filmes que nos han arrancado risas de complicidad y se han convertido en parte del patrimonio cultural de la humanidad: MODERN TIMES, LIGHTS OF THE CITY o SOME LIKE IT HOT no pueden estar fuera de una lista de las mejores películas de todos los tiempos
Así pues, el cine, como manifestación cultural, ha dado obras que han hecho reír por décadas: grandes cómicos se han burlado de la miseria humana en todas sus manifestaciones y variantes. Como Mozart y Rossini lo hicieron en sus grandes óperas (Così fan tutte o El Barbero de Sevilla son obras maestras del género), el cine ha dado también maestros que nos han hecho desternillar de risa en nuestros asientos: Charles Chaplin, Bourvil, Louis de Funès, Fernandel, Cantinflas, Nini Marshall, Lucy Ball, Ugo Tognazzi, Umberto Lattuada, Woody Allen, Mel Brooks, son parte de esa gran lista de hombres y mujeres que han dignificado a la comedia y nos han hecho ver a través de su genialidad la inmensa capacidad que tiene el ser humano de poder reírse de sí mismo inteligente y agudamente.

Algunas joyitas para deleite.



TOOTSIE (1982) Divertida comedia de Sydney Pollack, con un sorprendente Dustin Hoffman en un trabajo de travestismo insuperable, y con un reparto genial. Un actor desempleado lleva a cabo un desafío, lograr una plaza en una telenovela famosa en el mundo americano; pero el papel que logra es inesperado y, bueno, sigue adelante con su trabajo. Sucede una serie de eventos al cual más gracioso que el otro. Decide terminar con su farsa en una escena antológica frente a las cámaras de televisión. Excelente trabajo actoral, un buen reparto de actores, sorprendente maquillaje, una joyita de comedia.

DESAYUNO EN EL TIFFANY (BREAKFAST AT TIFFANY´S) (1961) simpática película del director Blake Edwards con Audrey Hepburn y George Peppard; una propuesta suave de la escabrosa novela de Truman Capote que lleva el mismo nombre, aunque en castellano es conocida como DIAMANTES PARA EL DESAYUNO. Aunque la visión del filme es mucho más bondadosa, no deja de ser una ácida crítica a todo ese mundillo intelectual bohemio urbano neoyorquino, que viven el día a día, sin una moral que los limite, ni una culpa que los detenga. Nuestros dos actores principales son un par de vividores en la gran ciudad, que sobreviven y tratan de solucionar sus soledades. La canción compuesta por Henry Mancini, Moon River, popularizó más este filme


LA BODA DE MI MEJOR AMIGO (MY BEST FRIEND´S WEDDING) (1997) Filme de P. J. Hogan, el director australiano de LAS BODAS DE MURIEL, incursiona en el mundo hollywoodense y nos da esta simpática comedia que tiene el respaldo de dos actrices muy conocidas: JULIA ROBERTS y CAMERON DIAZ. Pero el actor que se lleva las palmas es RUPER EVERETT, quien con su divertido papel les roba el show a las actrices ya mencionadas. La libertad de mostrar los cambios sociales de la sociedad norteamericana frente a los tabúes como es el caso de la homosexualidad, permite tomarlos con más naturalidad y pueden ser toda una fuente de comicidad como lo es el papel de Everett, en un rol gay de lo más divertido por su franqueza (en la vida real lo es), desparpajo y la capacidad de convertir cualquier situación tensa o triste en un momento simpático y risible.


ENTRE COPAS (SIDEWAYS) (2004) esta es una muy buena comedia dirigida por Alexander Payne y tiene a un excelente actor (Paul Giamatti) en uno de los cuatro principales personajes del filme. Un buen sentido del humor, personajes sólidos, sin ningún maquillaje sensiblero o extremadamente acartonado. Es un viaje de despedida de soltero por un valle vitivinícola en California, esta gira hacia el vino permite el encuentro de 4 almas en busca de emociones y destinos; hay una excelente descripción del vino que asume valores analógicos a la relación de pareja y al amor, cargas de sinestesia a la acción de catar un buen vino.

DER LEHRER BILLY WILDER




“Hola, soy Dios. No debiste haber dicho eso anoche.
La gente se santigua al verme en la calle”

Respuesta de B. Wilder a Fernando Trueba, Diccionario del Cine



Quizá uno de los más grandes directores de cine de todos los tiempos, este maestro austriaco dio a la cinematografía películas y personajes notables tanto en el mundo de la comedia como en el drama. Dejó brillantes libretos, agudos diálogos y frases inmortales que ya son parte del patrimonio intelectual y artístico de la humanidad. Nació en Sucha (Austria) en 1906; el avance del nazismo lo hizo huir de su patria, ya que era judío. Alguna alma avezada había tratado de burlarse de él en su condición, pidiéndole hacer un film de la historia de Jesús; Wilder le propuso al actor sarcástico de marcada simpatía nazista que hiciera este (el actor) el papel de Jesús, pero que los clavos iban a ser verdaderos. Obligado al destierro, emigró hacia los Estados Unidos para hacer su carrera (como le pasó a Marlene Dietrich, Conradt Veidt, Peter Lorre y otros actores alemanes o germano parlantes). Agudo para ver la sociedad que lo acogió, fue un sable en la crítica de todos los aspectos de la vida de Norteamérica, sobre todo con el cine, actividad que es arte y, a la vez, una industria implacable y sórdida. Se inició en los estudios de la Paramount y fue testigo de muchos acontecimientos que lo han de marcar: la derrota de Alemania, el ascenso poderoso de los Estados Unidos y el desencanto de su sociedad tras la culminación de la guerra. Muchos artistas que trabajaron con él opinaban sobre su espíritu ácido, habida cuenta que dos de sus mejores filmes desnudaron la ingratitud de Hollywood, que vive de actores en primeros planos y que luego los desecha por estar viejos. Estos filmes bien pudieron ser casi documentales y los nombres no tenían necesidad de ser cambiados. Wilder sabía en lo que estaba, por eso no le preocupaban los premios y esas otras avituallas que este mundo suele ofrecer.
Supo trabajar con sus actores, se rodeó de divas y con ellas hizo películas geniales; tan agudo como era, logró evadir la censura de la mojigata sociedad norteamericana y expuso temas de manera sutil y graciosa. No era muy experto en la escritura del idioma inglés, es por eso que solía emplear a los mejores guionistas de cine como una suerte de secretarias e interlocutores de sus ideas, tal como lo sentían George Axerold o A. L. Diamond; este último decía que era una secretaria de 150 mil dólares, una ironía para reflejar el trabajo de locomotora que tenían con él. Pero, lo que pudo haber sido un trabajo desbordado, en sus manos el trabajo fue objetivo, pulcro, sin excesos; trazaba sus reglas claramente e invitaba a los que trabajaban con él a seguirlas, pese a que gustaba la fricción con sus colaboradores; así podía conocer otras perspectivas, otros puntos de vista. Por eso, estuvo siempre en la cumbre de la cinematografía mundial. Un paradigma.

Cuando Fernando Trueba recibió el Oscar por su film Belle Epoque, él mismo declaraba no creer en una divinidad, mas sí en Billy Wilder. Este recibió esas declaraciones con mucha simpatía y muchas personas ligadas al cine estuvieron de acuerdo en eso. Wilder nos dejó a los 95 años en el 2002 y su legado es de visión obligatoria para todo aquel que quiere hacer cine: planos, fotografía, script, manejo de actores. En fin, un maestro, ein Lehrer.

He aquí algunos de sus grandes filmes


SOME LIKE IT HOT (UNA EVA Y DOS ADANES) (1959) Una de las películas más brillantes de todos los tiempos, con diálogos agudos y con las actuaciones geniales de Marilyn Monroe, Jack Lemmon y Tony Curtis. Años de la gran depresión norteamericana, con una sociedad habituada al mundo gansteril, un par de músicos es testigo de una masacre, la masacre de San Valentín, por un ajuste de cuentas; este par debe huir para salvar el pellejo y se enrolan en una banda de mujeres músicas, en camino a Florida para tocar en hoteles de viejos ricachones. Escena tras escena, los diálogos son exorbitantes y las situaciones ridículas y geniales. El mundo travestido presentado por Wilder no es censurado, pese a la reticencia de la sociedad de entonces frente a estos temas. Con el guión A. L. Diamond, la película es una arma inteligente de crítica de la moral ambigua de la sociedad americana: cierra el film, la frase más famosa de la historia del cine: “nadie es perfecto”. En realidad, la película es perfecta.


THE PRIVATE LIFE OF SHERLOCK HOLMES (LA VIDA ÍNTIMA DE SHERLOCK HOLMES) (1970) ¿Qué no se ha sospechado sobre este personaje creado por el literato inglés Conan Doyle? La bizarra relación con su secretario Watson (Colin Brakely), como su secretario, confidente, amigo, lleva a Wilder (escribió el guión, además) crear esta película con una serie de intrigas y suposiciones sobre la vida privada de este famoso detective (Robert Stephens), quien fue tan conocido en el mundo extraliterario a tal grado que se pensaba que era un personaje real. Cuenta la historia que la misma Scotland Yard le encargó resolver ciertos casos irresueltos, le pedían consultas e incluso se enviaban cartas a la supuesta casa de ambos amigos en Baker Street. Con este gran antecedente, se recrea estas hipotéticas historias, todas pícaras, pero encerradas en la lógica de Doyle para darnos su credibilidad. En las diversas situaciones, los dardos aleves contra la sociedad victoriana son lanzados con mucha sutileza, así como la insinuación sobre la supuesta relación homosexual entre ambos amigos.

IRMA, LA DOUCE (IRMA LA DULCE) (1963) Una simpática comedia ambientada en París, una prostituta (Shirley MacLaine) ejerce su oficio diariamente por las calles, topándose con todo tipo de clientes. Protegida por su chulo vividor, un día conoce a Néstor (Jack Lemmon), un simpático policía recto con la ley, lo cual lo lleva a tener una serie de problemas. Por hacer una redada, lleva a prisión a Irma, Néstor no sabe que todo está apañado. Lo que podría haber sido una fuerte decepción, se convierte para Néstor la oportunidad de conocer más a fondo a Irma. Diversas situaciones ridículas le hacen perder el puesto, pero al final queda con su chica. Wilder trabajó bien con esta dúo y explotó el espíritu cómico de Jack Lemmon.

SUNSET BOULEVARD (EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES) (1950) Este es el film más cruel, pero real del mundo de Hollywood; sobre éste se ha escrito tantos ensayos y todos concuerdan que es una de las obras capitales de nuestro Director. El trabajo de Gloria Swanson es impactante y en cierta manera es su propio retrato. La decadencia se ve en su rostro, sus gestos, y el mundo de sus acompañantes; vemos a un Búster Keaton, viejo, consumido por el alcohol, rememorando los buenos viejos tiempos. Y el increíble papel de Erich von Stroheim, como el esposo chofer de Norma Desmond, es conmovedor y terrible. Y el papel de William Holden, de gigoló pelele, quien con su narración en off nos va contando este drama. Sin duda, el lado oscuro del mundillo hollywoodense. Obligada.

WITNESS FOR PROSECUTION (TESTIGO DE CARGO) (1957) Un día Wilder dijo querer hacer un film mejor que los de Hitchcock y llevó a cabo esta interesante obra, trabajando con dos grandes del cine como lo fueron Marlene Dietrich y el soberbio Charles Laughton, quien encarna a un abogado agudo, mordaz. Sir Wilfrid Robarts, nuestro abogado, decide tomar el caso sobre un asesinato de una mujer mayor solitaria. El principal culpado es un inventor mediocre, sobre el cual recae todas las sospechas, incluso su esposa ha declarado contra él. Esta obra de Agatha Christie es repotenciada por el genio de Wilder, le pone diálogos agudos para desnudar la verdad de los hechos. Un buen ejercicio mental.

THE APARMENT (EL DEPARTAMENTO) (1960) Una estupenda comedia en la que se critica la consabida lealtad corporativa, la cual obliga a la gente a ser leal a causas ridículas, injustas o improcedentes. Un empleado de una compañía de seguros (Jack Lemmon) se vuelve un alcahuete de sus superiores, incluido su jefe (Fred MacMurray), prestándoles su departamento para sus infidelidades y sus escapadas. Así, su departamento va a ser el escenario de la conquista de la chica que ama secretamente, una ascensorista (Shirley MacLaine). Esta es seducida precisamente por el jefe y ella intenta suicidarse en el mismo departamento. El pobre empleado busca consejo y su vecino (Jack Kruschen) le sugiere frenar estos abusos y enfrentarse a sus superiores. Ácida, y hasta un poco pesimista, es un buen estudio del mundo laboral en la sordidez de las relaciones verticales, la sumisión y el abuso.

KISS ME, STUPID (BÉSAME, TONTO) (1964) Una mordaz comedia que critica la monogamia falsa y las vacías relaciones de las parejas de casados. Un profesor de piano (Ray Waltson), con el fin de congraciarse con un cantante de moda (Dean Martin), contrata a una prostituta y la hace pasar por su esposa y se la ofrece al cantante con el fin de lograr favores económicos del cantante. Para lograr su objetivo, se deshace de su verdadera esposa (Kim Novak) con una serie de tretas. Esta se emborracha y se queda a dormir, por accidente, en el cuarto de la prostituta Polly; todo esto genera una serie de malas interpretaciones cómicas. La película generó cierto escándalo sobre todo entre los moralistas por el trato de la pareja, por las intenciones oscuras de los hombres y la ambigua visión que estos tienen sobre la mujer ideal: mitad puta, mitad esposa.


LA COMEZÓN DEL SÉPTIMO AÑO (THE SEVEN YEAR ITCH) (1963) El maestro trabajó dos buenas comedias con Marilyn Monroe, la bomba rubia, de la cual una toma de esta película, la de la falda volátil, se volvió todo un icono. Wilder fue en gran director que sabía explotar las cualidades de sus actores; MM era todo un sex simbol y sacó a relucir toda esa carga erótica y esa aura de ingenuidad que hacía derretir a los rivales del sexo opuesto. Todo ocurre en Nueva York, durante un verano ardiente y nuestra voluptuosa actriz se vuelve toda una tentación para cientos de hombres neoyorquinos que deben quedarse en la ciudad mientras sus familias toman largas vacaciones. Y la MM vive solo un piso arriba…

jueves, 27 de noviembre de 2008

JOHN FORD





John Ford fue uno de esos extraños directores que amó al cine con pasión, creó una escuela y consolidó el western como género serio en la historia cinematográfica. Así pues creó una leyenda, elevó mitos y desarrolló un estilo que identificó y cautivó a los cinéfilos. Sus inicios fueron en el periodo mudo, pero es en el sonoro que logra su máximo esplendor, sacando al western de su función de mero entretenimiento a un trabajo más elaborado, creando personajes que han pasado a la posterioridad.
Ford nació en 1895 en Maine, décimo tercer hijo de una familia irlandesa emigrada al nuevo mundo. Se inició en el cine en 1917 y, al igual que Huston, hizo de todo en la cinematografía, incluso hasta el terrible papel de doble (stunt man).
A lo largo de su obra, vamos a ver en ella no una preocupación por el individuo, sino por el bienestar colectivo, filosofía que no concordaba con la idea de este género como tal, con un personaje central en torno al cual giraban la o las historias.
En el ensayo agudo que escribió Bertrand Tavernier sobre su obra (The Movie, No 19, 1980) nos hace ver esa visión tan particular con los conflictos que se van generando y ese espíritu de grupo que lucha por un objetivo, por el bienestar general; el líder fordiano busca el apoyo de su entorno y sólo reacciona con violencia si éste ha sido provocado. El estereotipo que se conoce de un cowboy (el de las películas) es la de un hombre solitario, huraño, hostil y bastante agresivo. Los héroes de Ford distan de esta descripción. Son personajes que tratan de mantener sus ideales en un torbellino de pasiones, siempre luchando por una causa que en muchos casos transcienden en la historia del contexto en la que suceden los eventos.
Jean Luc Godard propone tres tipos de westerns (tomando la idea de Balzac sobre las obras literarias): de imágenes, de ideas y de imágenes e ideas. Comenta sobre la obra de nuestro director y plantea que en sus películas, la imagen es la que nos va remitiendo a la idea (Súper Mann, Jean Luc Godard por Jean Luc Godard, Barral, 1971); en este pequeño ensayo, Godard empleó tres directos clásicos de este género para tipificar su propuesta; así, para ideas, Lang; para ideas e imágenes, Mann; para imágenes, nuestro director. Para llegar a este planteamiento, Godard emplea una película que va en nuestro nuevo ciclo de cine: The Searchers.

Aquí muestro algunos de sus grandes filmes, ya otros están en el archivo que colgué sobre el western (del cual el maestro era uno de los genios)

HOW GREEN WAS MY VALLEY (¡Qué verde era mi valle!) (1941) No hay que olvidar que Ford tenía orígenes irlandeses y que tuvo una infancia rodeada de muchos hermanos y con grandes penurias económicas; es por eso que a lo largo de su carrera, y tal como enunciamos sobre su obra en general, fue siempre su preocupación, el bienestar colectivo. Dos de sus filmes de compromiso social son tanto éste como una adaptación de la obra de J. Steinbeck, LAS VIÑAS DE LA IRA. Esta película nos muestra las durezas de pequeña comunidad minera que comienza a deteriorarse. Empieza como un gran racconto de este pueblo en Gales, una familia tradicional a la que le van sucediendo desgracias que van rompiendo la unidad familiar; muestra además las rígidas costumbres de un pueblo al que le vale el dicho “pueblo chico, infierno grande” hasta que la cabeza de la familia Morgan muere. Es una obra clásica que ha arrancado muchas lágrimas por generaciones.

THE GRAPES OF WRATH (LAS VIÑA DE LA IRA) Esta es una película en la que el autor trabajó codo a codo con el director. Es una intensa novela social de los años de la Gran Depresión americana, temática abordada por muchos artistas; Ford sintió un compromiso social bastante fuerte, gracias a sus raíces irlandesas y a una familia que vivió en la miseria a su llegada a los Estados Unidos. El denso problema social muestra el maltrato a los campesinos empobrecidos por los préstamos a los bancos (muy sintomático) y expulsados de sus tierras. Las escenas son fuertes, pero en la visión gringa, la posibilidad de otros horizontes se hace presente y deciden emigrar a California. La decisión es dramática y enfrentan una serie de abusos y explotaciones muy parecidas a las que viven los braceros hoy por hoy. Es interesante que al principio del filme, la compañía cinematográfica hace un deslinde con el contenido del tema; es la primera vez que, personalmente, veo esto. Creo que la visión del filme nos deja entender por qué lo hace... Sutilezas de la vida.

THE HORSE SOLDIERS (Marcha de valientes) (1959) También centrado en John Wayne, esta película es una reconstrucción histórica de eventos durante la Guerra de Secesión. Es un encuentro de antípodas, el militar vs. El médico encarnado por William Holden, almas que las circunstancias bélicas los va a obligar a abandonar sus diferencias para lograr al objetivo común. Volvemos pues a los principales leit-motiv fordianos.

THE MAN WHO SHOOT LIBERTY BALANCE (El hombre que mató a Liberty Valance) (1962) Un verdadero filme nostálgico sobre ese Oeste que se había convertido en leyenda y lleno de mitos; además es casi un recuento de la obra de John Wayne con Ford. La historia recae sobre tres personajes: la ley, encarnado por James Stewart, la marginalidad, por Lee Marvin; y la necesidad de la fuerza para que vuelva a imperar la ley, por Wayne.

miércoles, 19 de noviembre de 2008

EL CINE ÍNTIMO DE INGMAR BERGMAN




Uno de los más grandes cineastas del siglo XX, no es precisamente un director de masas. Ingmar Bergman es un extraordinario director cuya obra ha sido de una permanente investigación de la naturaleza humana y sus incesantes preguntas sobre la existencia y nuestro lugar en el cosmos. Producto de un rico periodo de post-guerra, casi toda su filmografía la desarrolló en los 60, cuando en Francia había una nouvelle vague; Alemania estaba sumida en una confrontación de ideologías que iba a ofrecer un excelente abanico de directores durante los 70; y el mundo en general se estremecía por una gran variedad de circunstancias, producto del choque de ideologías y el paulatino deshielo de la Guerra Fría. En ese contexto histórico y, quizá, como lo que pasó con los europeos post-descubrimiento de América, las dos guerras mundiales que arrasaron el continente hicieron que sus habitantes entraran en un colapso de valores y certezas...Había que rehacer el mundo. Así pues, cada una de las películas de nuestro maestro, con sus actrices fetiches (Bibi Anderson, Liv Ullman), ha logrado escudriñar un poco más ese intrínseco mundo de la naturaleza de la pareja, la soledad, el miedo por la muerte, la contemplación de nuestro pasado. En realidad, es uno de los directores que más ha trabajado con temas inspirados en su propia vida. Para una persona que hace una reflexión metafísica del tiempo que le ha tocado vivir, creo que tiene mucho material qué ofrecernos. Es por eso que, como el común de los mortales, no esperemos ver filmes en los cuales hay crímenes por doquier, persecuciones, acciones adrenalínicas que nos dejen exhaustos. En fin, lo que no nos ocurre a diario.
El cine comercial americano nos ha acostumbrado a ver ese tipo de película que nos tiene en vilo a cada instante; una acción violenta que nos arrebata del asiento; o algo melifluo, demasiado dulzón hasta los extremos que nos arranca lágrimas incomprensibles. Por eso, “enfrentarse” con el cine de Bergman, para muchos puede ser muy frustrante una primera vez; su discurrir es de contemplación, casi un realismo psicológico que abunda en detalles de nuestro comportamiento general. Nuestra vida cotidiana tiene esa gran conjunto de cosas pequeñas que van construyendo el día y nuestra existencia, con el conjunto de seres queridos y conocidos que van formando el espejo de nuestra memoria, y ese recorrido en solitario que es la vida (casi como Juan Pablo Castel en El Túnel de Sábato).

EL SÉPTIMO SELLO (1956) Considerada la obra maestra de nuestro director, es una interesante reflexión de un hombre del medioevo que retorna de la guerra (Max Von Sydow), desencantado, con su ayudante; y se topa con la muerte. Este insólito encuentro se prolonga gracias a una de las escenas que han quedado para la posteridad: juegan una partida de ajedrez durante la cual surgen un sinfín de preguntas que quedan sin respuestas . Esta es una obra moral, que fue extraída de una pieza escrita por él mismo llamada Pintura en madera, que se inspira en el Libro de las Revelaciones de San Juan el Divino. En los inteligentes parlamentos, los personajes hablan de todos los temores que los humanos tenemos por el futuro y ese conflicto que es la religiosidad, cuando ésta se ve sometida a extremos (como el caso de la plaga de peste bubónica en la Europa medieval). En muchos casos, el cinismo queda como única respuesta ante lo abrumado que puede ser la vida en su inconmensurable realidad.

LAS FRESAS SALVAJES (1957) una extraordinaria película despedida, un profesor (Víctor Sjöstrom) va a recibir una mención a lo largo de su vida académica y decide partir a la Universidad de Lund en un largo viaje en su auto, un viaje a su pasado, al descubrimiento de lo fue y es su devenir, sus relaciones con los padres e hijos, los recuerdos, los días veraniegos largos en su juventud, el rigor de su hogar, el haberse convertido en un viejo intolerante con sus seres queridos, el extenso diálogo con su nuera, el sueño con el verse a sí mismo en la muerte; en fin, un discurso visual de la vida en la cual vamos estableciendo vínculos y también los frustramos. Fue un chispazo el que generó el guión de esta película, un Bergman que un día quiso visitar la casa de su abuela. Quizá el que uno de los grandes del cine sueco, como Víctor Sjöstrom, haya encarnado su último papel, hace a esta película aún más entrañable.

PERSONA (1966) Este es un drama psicológico en la búsqueda de la Fe, búsqueda del alma: ¿existe esta? Hacia el final, la presenta como tal..Pero hay un cierto pesimismo, ya que vemos máscaras o formas que aparentan nuestro ser. Es un excelente estudio de cine para lograr de este las intenciones de un director como Bergman.

GRITOS Y SUSURROS (VISKNINGAR OCH ROP) (1973) Un film doloroso de estudio sobre el comportamiento de cuatro mujeres, tres hermanas y una sirvienta, en torno al proceso agónico de una de ellas, Agnès, quien tiene un cáncer terminal. Sus otras dos hermanas, lejos de ayudarla en su lenta agonía, actúan dolorosamente enfrentando sus demonios, sobre todo Karin, quien decide mutilarse con el fin de frustrar sus encuentros sexuales con su esposo. Sólo la sirvienta, Anna, quien había perdido un hijo, comprende la dimensión de la situación y decide ayudarla. Todo en un entorno estético bello que disimula el sentido trágico de la enfermedad, la frustración y la muerte.

TROLLFLÖJTEN (LA FLAUTA MÁGICA) 1975 Una visión muy libre y particular de la ópera de Mozart, cantada en sueco, y que la muestra como originalmente pudo haber sido: un cuento de hadas con algo de esotérico, destinado a divertir al pueblo. Esta ópera, parece ser, tiene una intención popular; para la opinión de José María Triana, esta ópera condensa todo los valores humanos y generales que un carácter sectario no hubiera podido compartir, precisamente por ser sectario. La filosofía sobre la amistad, el verdad y el amor al saber con los pilares que subyacen a lo largo de ella. Es una de las más frecuentemente representadas y tiene arias, dúos, tercetos y coros bellos para todos los timbres de voces. La propuesta escenográfica de Bergman está pensada para un mundo infantil, al cual muchas veces se posterga, dándole al arte una exclusividad para el adulto. Esta visión errada ha hecho que algunos artistas volteen de vez en cuando a los niños, quienes tienen pocos prejuicios para acercarse a una obra maestra, si es que el acercamiento es el adecuado para formar en ellos seres sensibles e inteligentes; es interesante que cada cierto tiempo el adulto artista busca lo que se denomina “naif” (cándido) para presentarlo como una propuesta. En cierta manera, esta propuesta encierra visos de naif, pero también nos muestra en paralelo la vida de los artistas (divos) quienes son seres cotidianos como cualquiera de nosotros.

SONATA DE OTOÑO (1978) muestra una interesante pero dura relación entre una madre - famosa pianista (Ingrid Bergman) y una hija – mediocre pianista (Liv Ullman), una relación muy dolorosa, que termina por aplastar y deteriorar un intento de reencuentro, luego de la viudez de la pianista. Esta es la única oportunidad en la que Ingrid Bergman trabajó con el maestro; también fue para ella, volver a la pantalla sueca (ella era sueca de nacimiento) y hablar su lengua hasta su muerte en 1981. La película tiene, además, una bella fotografía (Sven Nykvist) que permite mostrar un lindo entorno a las terribles situaciones que se pueden crear en el seno familiar, las más oscuras: odios, malos entendidos, frustraciones.

FANNY Y ALEXANDER (FANNY OG ALEXANDER) (1983) historia de hermanos, en la que el niño, Alexander, se acerca a una autobiografía de nuestro director; es, según él, una forma sincera de rendir homenaje al teatro, arte al cual ama mucho. Fue concebido para la televisión, por lo que tiene una extensión poco usual para el cine (3 horas). La historia transcurre en 1910, diecisiete años antes de su propia niñez, pero todos los elementos y circunstancias son propios de Bergman, quien tuvo una hermana mayor y otra menor

AKIRA KUROSAWA




Hablar de Akira Kurosawa es hablar de uno de los más grandes maestros que haya dado el séptimo arte a la humanidad; no sólo por las propuestas cinematográficas, sino por la calidad humana que nos mostró a través de los personajes sólidos de sus filmes. Sin temor a equivocarme, fue para el cine lo que César Vallejo para la poesía. En Ikiru (Vivir), vemos la grandeza del alma humana para encontrar la razón de su existencia ayudando a los demás y, gracias a esto, trascender; por otro lado, en Dersu Uzala, nos muestra la limpieza de la amistad entre los seres humanos de condiciones y entornos distintos que van más allá de esas barreras para entablar una profunda relación sin intereses ni mezquindades. Kurosawa (1910 – 1998) es el ser humano que buscó en sus filmes llegar a nuestra alma y darnos la posibilidad de redención. Además gracias a su obra, el cine japonés logró ubicarse en el panorama de las artes del celuloide y restableció los vínculos del Oriente con Occidente, luego de ese oscuro periodo que fue la Segunda Guerra Mundial.
Trabajó en varios géneros, y en su país fue muy conocido por abordar temas históricos con bastante suceso, que enriqueció toda una vertiente, el jidai geki. Tuvo una extensa filmografía, y en ella fue plasmando su filosofía, nos mostró su carácter universal con su identidad japonesa.

VIVIR (IKIRU) (1952) ¿qué le puede pasar a uno que sabe ya su muerte está próxima y nada va a cambiar esta situación? La posibilidad de la depresión es bastante factible y es un paseo paulatino por lo que fue nuestra vida. Quizá muchos caigan en la desesperación, pero varios deciden justificar su vida. Este es el caso de Kanji Watanabe, quien al enterarse de un cáncer terminal, le quiere dar un sentido a su vida: para esto, de un oscuro funcionario mediocre burocrático, pone todas sus fuerzas para ayudar a un grupo de vecinos en hacer un parque para niños. Una motivación personal para ayudar a su sociedad. Un legado que justifique su existencia en esta bella película.

SHICHININ NO SAMURAI (LOS SIETE SAMURAI) (1955) una película extensa de aventuras, es una de las más copiadas en el mundo occidental (incluso el filme BICHOS de los estudios Disney la abordó), corrobora la fama ya ganada para ese entonces del maestro. Todo se remonta a fines del siglo XVI, una pequeña aldea es amenazada por bandas de saqueadores que asolaban las campiñas durante las extensas y frecuentes guerras civiles. Así pues un grupo de pobladores decide contratar a algunos samurai para la defensa de la población. La historia parece todo un western con una serie de personajes bien delimitados, una acción permanente, una tensión que se resuelve con el ataque de los pillos a la villa y el logro final de los objetivos. Hay un extraordinario trabajo de cámara, buenas escenas en movimiento y con una buena dirección de actores. Con este trabajo, Kurosawa, aunque hizo un jidai geki, ofreció a occidente un filme más para el gusto de ellos. Un clásico.

RASHOMON (LA PUERTA DE LOS DEMONIOS) (1951) Una inmensa película que puso al cine japonés en órbita mundial. Para algunos es una obra que muestra lo aprendido por nuestro maestro de la cultura occidental: la fotografía en el cine de Fritz Lang; la representación teatral de Luigi Pirandello y la música de Maurice Ravel. Basada en la obra de Akutagawa Ryunosuke, es una profunda reflexión sobre la verdad y el ser humano: un crimen visto por cuatro participantes, incluido el muerto, nos hace ver que la verdad es relativa; cada uno de ellos posee su propia lectura, como una pintura cubista de un hecho. Todo para mostrar la futilidad de las cosas; y todo transcurre en las puertas de un templo quemado que reúne a tres personas. Terrible verdad que volvería escépticos a todos nosotros, pero el hecho de haber encontrado a un bebé abandonado y ser adoptado por uno de los tipos del cual no se esperaba nada, nos hace volver a creer en el hombre y la posibilidad de redención. Una joya.

DERSU UZALA (EL ÁGUILA DE LA TAIGA) (1975) Quizá una de las más bellas películas hechas sobre la amistad y la libertad del hombre en un equilibrio perfecto con la naturaleza. Como dice Llanos, es un filme al cual a veces la memoria puede ser ingrata por olvidarnos detalles de este canto a la esencia tanto humana como natural (si cabe el término). Es un filme de gran dimensión, que a pesar de los vastos planos que nos muestran la naturaleza inconmensurable, también es minimalista (mucho antes que acuñara el término) por la preocupación de detalles que nos muestra el avance del tiempo, pero que queda en la huella de cada uno de nosotros. Como lo llaman algunos, es un filme-río.

KAGEMUSHA (1980) El maestro del cine japonés nos entregó esta bella obra que reconstruye el Japón del siglo XV con ese espíritu feudal que primó hasta el siglo XIX. La encarnación de la grandeza de un guerrero por su doble (un hombre vulgar) va calando en este último hasta prácticamente reencarnarlo. El proceso es interesante y, a través de sus ojos, vemos un mundo de simbología y formalismo, así como un sentido de humanidad que siempre caracterizó el cine de Kurosawa; las escenas finales con la caída de la sombra del guerrero flotando con el emblema de la familia real combatiente son impactantes pues nos muestran la total transformación del suplantador hasta asumir un identidad de compromiso por un ideal.

RAN (1985) es una de las obras más destacadas y una excelente lectura de la obra El Rey Lear de Shakespeare; un señor feudal a su vejez desea dividir su reino entre sus tres hijos, los que se van descubriendo en su veleidades y ambiciones, una terrible frustración al viejo padre. Como los genios universales, uno toma prestado la obra del otro para poder redondear un mensaje, en este caso el de la soledad del poder y la soledad en general de los hombres por buscar quién nos acompañe en el discurrir de la vida y la insensatez de nuestras luchas por algo que no tiene sentido, quizá una de las obras más amargas de la cinematografía de nuestro Director


Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Las 100 mejores Películas, John Kobal, ALIANZA EDITORIAL, 4ta edición, 1995.

Historia Ilustrada del Cine, René Jeanne, Charles Ford. ALIANZA EDITORIAL, 3er tomo, 1981.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

La Gran Ilusión, La Vía Láctea, varios autores, UNIVERSIDAD DE LIMA, No 10, 1999-1

miércoles, 5 de noviembre de 2008

BETTE DAVIS´EYES





She´ll take a tumble on you
Roll you like you were a dice
Until you come up blue
She´s got Bette Davis eyes

KIM KARNES, BETTE DAVIS EYES


Hay personajes que entran en el mundo de la leyenda sutilmente por un rasgo físico que se convierte en un icono: los sorprendentes ojos de Bette Davis. Pero este rasgo tiene tras de sí a una de las actrices más inteligentes que haya pasado por el ecran. Nació en 1903 en Lowell, Massachussets y tuvo una madre que, según decía la Davis, nunca pronunció la frase “no puedo” y este carácter fue impreso en la vida de una chica que llegó a Hollywood un 3 de diciembre de 1930, luego de esporádicos trabajos juveniles en las tablas en los escenarios de Broadway. Su camino por el cinematógrafo fue duro ya que su belleza no era muy “estándar”; obviamente, lo más inmediato era ser una beldad más que un carácter en escena. Cuando ya estaba decepcionada de su incursión en el mundo cinematográfico y empacaba maletas para regresar a Nueva York, la compañía Warner Brothers la convocó para que trabajara para ellos. Pero no fue una carrera fácil; talentosa ella, quería que le asignaran papeles de carácter, pero los patrones no supieron explotar su talento.
Pero su inmensa capacidad histriónica y su carácter fueron cada vez más reconocidos hasta que la oportunidad le llegó con Of Human Bondage (1934). Tuvo una serie de trabajos pequeños y, en algunos casos, fue obstaculizada como el caso de la Warner que le seguía dando papeles sosos en comedias vacías. Incluso la condicionaron para que pueda recibir el papel principal en LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ a cambio de trabajar en un papel estúpido en una tonta película llamada God´s Country and the Woman. Ella no aceptó y por eso perdió el rol…. El resto ya es historia y será explicada en cada una de las películas de este ciclo.
Una cosa sí: en el interesante artículo de David Overbey (THE MOVIE, CHAPTER 14, 1980), la reconoce como la actriz más talentosa del cine americano y, que pese a que –según algunos críticos- ella sometió sus roles a su propio carácter, remontó filmes de poca calidad dándoles un brillo que solo ella podía imprimirles; y que, diga lo que se diga, no podemos dejar de poner nuestros fascinados ojos en los trabajos que ella hizo

Algunos clásicos

JEZEBEL (1938) De William Wyler, es un filme hecho a la medida de Bette Davis, a modo de desagravio por no habérsele asignado el rol de Scarlett O´hara en LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ. Bette Davis (Julie) y Henry Fonda (Preston) son las estrellas de JEZEBEL, intenso drama sureño, que acontece en Nueva Orleáns. Julie es una chica caprichosa, desafiante y perturbadora en una sociedad tan conservadora como la de Lousiana, lo que provoca el distanciamiento de su amado Preston. Éste se casa y hace su vida. Fue demasiado para la caprichosa Julie, quien trata de reconquistarlo con acciones absurdas. En una mortal epidemia de fiebre amarilla, Preston cae enfermo y es enviado en cuarentena con pocas probabilidades de sobrevivir. Julie pide a la esposa de éste, una norteña americana, acompañarlo a la cuarentena, sabiendo que ella también se condenaba a muerte segura por contagio. Una forma de redención para una película de cortes fríos y perfectos. Como nuestra actriz era bastante dominante, en cierta manera el rol de Scarlett hubiere sido desbordado sin el manejo de un director de la talla de W. Wyler.

DARK VICTORY (AMARGA VICTORIA) (1939) Una amarga película del director Edmund Goulding, centrada en una persona necia, adinerada y frívola, quien ve de pronto su mundo deteriorado por un cáncer cerebral fatal. La enfermedad se va manifestando paulatinamente y ella quiere negarlo todo encerrándose en el alcohol y la vida mundana, con un grupo de amigos despreocupados de lo que los rodea. Una caída en una actividad de equitación (la única actividad que le preocupaba) llama la atención de todos; se suceden una serie de eventos tristes que hace al final de cuentas que un doctor la examine, siempre a regañadientes. El cáncer está extendido, pero una exitosa operación lo detiene, aunque por un tiempo limitado. Luego de rechazar la idea de la muerte, reflexiona y decide llevar una tranquila vida retirada con el médico que la salvo y ama. Las escenas finales son duras y conmovedoras, con una soberbia actuación de Judith-Bette Davis. Es, pues, un amargo triunfo. Actúan también George Brenda, Humphrey Bogart y Ronald Reagan

THE LITTLE FOXES (LA LOBA) (1941) Otra espléndida película dirigida por W. Wyler y quizá una por la que más se la recuerda en el mundo del celuloide. A través de este filme, vemos el ascenso arrasador del capitalismo moderno, sin escrúpulos y, también, la lucha silenciosa de las mujeres por ganarse un lugar “bajo el sol”. Y para hacerlo no va a dudar en tomar decisiones que nos espanta por lo que pueden ser. Es interesante ver que su hija representa todos los valores y la moral de la sociedad sureña, que también fue retratada en Jezebel. Aunque la película nos la muestra odiosa e intrigante, no debemos olvidar que la posición de la mujer en ese contexto no era nada envidiable y su lucha era doble y descarnada. Wyler ha sido un gran director que ha sabido trabajar con ese carácter y personalidad que la Davis tenía; e indudablemente el personaje de Regina Giddens, la Loba, es inmortal.

ALL ABOUT EVE (TODO ACERCA DE EVA) (1950) Un filme superior de J. Mankiewicz, una visión perfecta, fría del cínico mundo hollywoodense. Una Bette Davis extraordinaria acompañada de una serie de actores y actrices geniales como Anne Baxter, Celeste Holm y George Sanders. Cada uno encarna un papel en el aplastante y arribista mundo del estrellato, en esta caso en el mundo del teatro, que no olvidemos, nuestra actriz conocía bien. Las escenas finales son estupendas y cíclicas. El encuentro descarnado de dos personajes sin escrúpulos es uno de los momentos cumbres del filme, o cuando Eva comienza a cerrar el círculo de presión, creando un red de intrigas alucinante. Un final redondo para mostrar la gloria y decadencia de las estrellas de la actuación frente a un espejo, cierra la idea de lo cíclico que es la vida. Esta película inspiró (incluso prestó el título) a la película de Almodóvar TODO SOBRE MI MADRE, en la que se hace una suerte de paralelo con las historias de Marisa Paredes y Cecilia Roth. Es un buen ejemplo de observación aguda del mundo de la farándula, acompañado de ágiles e inteligentes diálogos. Hay una presentación fugaz de Marilyn Monroe. Una joya para no perderse.

WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? (¿ QUÉ LE PASÓ A BABY JANE ?) (1962) ¿Cómo hizo Robert Aldrich para reunir a estas dos actrices, Bette David y Joan Crawford, en este intenso drama psicológico? Lo cierto es que el trabajo de ambas es soberbio y el odio de la vida real (enemigas acérrimas) se trasladó al plateau de filmación. Un filme de deterioro y de perversión y crueldad perfectamente estructurada. El terror se incrementa en cada acción que Baby Jane realizaba, en su insana idea de volver al pasado, alimentada por los objetos que la rodeaban. Es un buen filme de horror. Imaginar que las actuaciones de ambas las hizo candidatas al Oscar, siendo nuestra actriz la ganadora de dicha este trofeo.


Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

El Cine Norteamericano en 120 películas, Augusto M. Torres. ALIANZA EDITORIAL No 13, 2002.

The Movie. David Overbey. Capítulo 14, 1980.

FEDERICO FELLINI


Las primeras imágenes del Eros y las premoniciones
de la muerte nos atrapan en cada sueño; el fin del mundo comenzó
con nosotros y no parece querer acabar; la película de la que tenemos
ilusión de ser solo espectadores es la historia de nuestra vida.”
ITALO CALVINO, “AUTOBIOGRAFÍA DE UN ESPECTADOR




Para muchos jóvenes, las distancias geográficas e históricas se han achicado gracias a la globalización informativa y ciertos viajes virtuales que nos hacen creer que accedemos a la verdadero conocimiento de la vida de un pueblo, sus costumbres, virtudes y defectos, su percepción del mundo. Gracias al arte, se va descubriendo que esta herramienta virtual nos ayuda a ver solo una pequeña parte de la inmensidad de la geografía humana en todas sus manifestaciones.
El arte ofrece a aquel que lo contempla, lee u oye, múltiples lecturas que tienen referentes diacrónicos, sincrónicos, además de la misma hermenéutica de la pieza bajo observación. Es una obra abierta, que puede tocar la fibra del momento vivido como un referente espacio-temporal; o puede hacer una elisión del mismo (pero que no escapa de un referente consustancial que le dé soporte de existencia). Así se llegue a situaciones de individualismo creativo o interpretativo como lo plantea Ortega y Gasset en su libro LA DESHUMANIZACIÓN DEL ARTE, el hombre no deja de tener esos referentes inmediatos. Por otro lado, tampoco es suficiente calcar la realidad para mostrarnos el interior del momento con un burdo realismo imitativo de lo visto, oído o sentido. Tanto creador como re-creador (lector u oyente) hacen sus propias lecturas desde referencias suyas de lo que estamos transformando (como lo plantea Sartre).
El extraordinario movimiento cinematográfico europeo de post guerra tuvo en el Neorrealismo italiano una feliz consecución de lo anteriormente dicho. Una Italia pobre, de escasos recursos una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, dio un puñado de directores, actores, fotógrafos, guionistas que deslumbró las pantallas del orbe. Películas como Roma, città aperta; Ladri di biciclette; Paisà; son filmes que marcaron toda una época y mostraron al mundo que con mucho ingenio y poco dinero se podía hacer obras maestras. Y los argumentos o contextos no eran nada del otro mundo, era como poner la cámara en la calle y rodar la vida cotidiana en su miseria, en su ternura, en su alegría. En esa coyuntura, en ese puñado de directores como de De Sica, Rosselini y otros, aparece LA STRADA de Federico Fellini.
Los directores italianos, como todos los europeos (y ahora los chinos), tienen poco qué pedir fuera de su espacio para darnos lecturas extraordinarias de vida. Estos pueblos viejos de historia, de revoluciones, guerras, conquistas, pensadores, artistas, no reclaman nada a nadie (y sería una mofa pedírsela a alguien o a otra cultura); sin pecar de autárquicos, sus referencias inmediatas son tantas, con una vida cotidiana tan viva y un ambiente de cultura en torno a ellos que casi sería una necedad no encontrar tema.
Nuestro maestro fue esa alma sensible que supo captar la inmensidad humana de su pueblo; sin pecar de conductista o revolucionario, nos mostró el espíritu de hombres y mujeres a través de personajes maravillosos que han quedado en nuestras retinas.

AMARCORD (RECUERDO) (1973) Aunque la palabra signifique “recuerdo” en dialecto romano, Fellini no quiso que este filme fuese encasillado como uno de remembranzas y nostalgias. Reuniendo a una buena cantidad de personajes simpáticos y más de uno extravagante, nos reconstruye la historia de un pequeño pueblo durante los años del fascismo de preguerra. Pero es cierto que hay muchos elementos muy fellinianos, como el espíritu colectivo circense y festivo de los habitantes del pueblo, con un sentido del humor ácido que nos remite a las diferencia de clases, todos estos evocados en las memorias de nuestro Director, reunidas en LA MIA RIMIMI. Ganó el Oscar al mejor filme extranjero.


LA STRADA (LA CALLE) (1954) ¿Qué hace a esta película tan bella y entrañable? Es la película felliniana por antonomasia, con circos, ferias, y personajes de farándula. Es un filme de llegadas y partidas, de fracasos y redenciones, de risas y lágrimas. Sobre todo hay un personaje femenino, Gesolmina (Giulietta Massina, la esposa de Fellini) extraordinaria, que encarna un personaje torpe a la que la vida le enseña lo que es la calle, en su soledad y la necesidad de aferrarse a alguien. Además es también una feliz unión de dos grandes como lo fue Fellini y el músico Nino Rota, el cual compuso esta inmortal melodía que desde ya tiene vida propia. Como ha escrito Ítalo Calvino, del cual hemos tomado un fragmento de su “AUTOBIOGRAFÍA DE UN ESPECTADOR”, es una película en la que nos vemos reflejados, en la que no somos simples espectadores sino vemos discurrir en ella, diversas escenas que se acercan a nuestra vida cotidiana.


SATYRICON (1969) Está basada en la obra de Cayo Petronio Árbitro, noble romano del Siglo I d.C. Es una de las relecturas más interesantes llevadas al cine, con una escenografía alucinante, un maquillaje que quedó en la retina de los primeros espectadores de este filme y un tratamiento moral de acuerdo a la época, pero con la también participación personal de nuestro Director; creó un escándalo por el tema, pero hay que entender todo esto en el contexto de una época como lo fue la del Emperador Nerón, gran amigo de Petronio. Circulan personajes vividores, poetas frustrados, artistas díscolos, nobles envilecidos, semidioses. Y seremos testigos de la orgía romana en su esencia. Todo a través de ocho historias que tratan de la disputa de dos jóvenes por el amor de un esclavo adolescente y hay tantos elementos y patrones de comportamiento tan parecidos a los nuestros que es casi una pequeña lección de historia, antropología y sociología.



Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Las 100 mejores Películas, John Kobal, ALIANZA EDITORIAL, 4ta edición, 1995.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

Tutto Fellini, Varios. LA GRAN ILUSIÓN, No 02, 1994.

viernes, 31 de octubre de 2008

WESTERN, LA MADUREZ DE UN GÉNERO


“.. El cine es y ha sido un fructífero medio
conservador de ideas y estilos de emoción”
SUSAN SONTAG, CONTRA LA INTERPRETACIÓN



El western es un género ampliamente conocido y que se ha ganado el reconocimiento de tal no solo por las características peculiares que lo identifican y distinguen de los otros géneros, sino, además, por la notable cantidad y calidad de gente del cine que hizo y hace de este su medio de expresión artística. Directores de la talla de Howard Hawks o John Ford, o actores como James Stewart, Gary Cooper o John Wayne han colmado nuestras pantallas de héroes solitarios y de escenarios inmensos que nos han ofrecido todo un estilo de vida, una filosofía ordenadora del mundo. Esos horizontes sin límites; la voluntad de los conductores de caravanas, los pioneros; la actitud racista de los mismos o los militares que los apoyaron en su plan de ocupación territorial bajo la consigna de que “el indio bueno es el indio muerto”; imprimieron toda una filosofía del “Beyond the bounderies.” (más allá de las fronteras), la que va a marcar la política interna y externa de la joven nación americana. No hay que olvidar que la historia de Norteamérica es reciente y está hambrienta de mitos para la conformación de una identidad histórica. Es por eso que este cine ayuda a la creación de ese tipo de héroe, del Self Made Man, el que lucha con los elementos y contra aquellos que quieren truncar su actividad expansiva en ese inmenso espacio que es el Oeste Norteamericano. Así, guionistas, directores, fotógrafos, músicos, actores van a crear todo un filón que lentamente va a ir ganando adeptos entre los hambrientos consumidores de cine, el arte masivo por excelencia. Sus inicios en el cine mudo estaban más ligados a un cine de entretenimiento que estaba más ligado al género de aventura. Los primeros momentos para el nuevo género fueron, en algunos casos, bastante auspiciosos. Así pues el cine como entretenimiento en Norteamérica se vuelve un boom con una primera película western: ASALTO Y ROBO A UN TREN (THE GREAT TRAIN ROBBERY) de 1903, dirigida por Edward Porter. Este éxito fue tal que pronto se abren pequeñas salas de cine, sobre todo en Nueva York en las cuales por un níquel (pequeña moneda) uno podía ver los 9 minutos que duraba dicha película. Así surgen los nickel-odeon. Además podemos aventurar otro dato ligado al western: una fecha, 1908, cuando deciden instalarse en California los directores Charles Bauman y Adam Kessel quienes filman su primer trabajo de cow-boys y pieles rojas en un pequeño poblado cerca a Los Ángeles, llamado Hollywood : allí se produce la primera película de estudios hollywoodenses, el western THE LAW OF THE RANGE.

Para muchos de generaciones anteriores, el acercamiento a este género se logró a través de algunas famosas seriales que se proyectaban en las salas de cine, historias secuenciadas que generaban una expectativa solo satisfecha a la llegada de los siguientes rollos. Todo esto contaba con un soporte en la tira cómica que también nos acompañó por muchos años: El Llanero Solitario, Roy Rodgers, etc. La televisión tiene a veces el buen tino de programar algunas de estas seriales, sobre todo en los canales llamados retro.

Quizá sea por las razones anteriormente expuestas que este género le tomó su tiempo para lograr su “lugar bajo el sol”. Este va a llegar con un gran director que va a usar al cine como campo de sus ideas y su particular visión del mundo: John Ford. Como este hito, otros grandes se han de suceder hasta la actualidad, como es el caso de Clint Eastwood ya como un director que gusta también cultivar este género.


Esta es una pequeña muestra de algunos clásicos de todos los tiempos, género que pese a corresponder a un limitado periodo en la historia norteamericana no ha envejecido y sigue produciendo algunas obras notables.


DUEL IN THE SUN (DUELO AL SOL) (1946) KING VIDOR La llegada de una bella jovencita al rancho “Pequeña España” va a desatar una constante lucha entre dos hermanos para conquistar su amor. Pearl Chávez (Jennifer Jones) es la agraciada jovencita, hija de una madre india bailarina en lugares de dudosa reputación y un padre rufián que muere ajusticiado por haber asesinado a su esposa y amante. En el rancho encuentra el amor de Jesse (Joseph Cotten), el hermano mayor y de Lewt (Gregory Peck), el hermano menor, el más díscolo agresivo y pernicioso. Es una de las mejores películas de nuestro director, quien trabajó con David Selznick; este deseaba hacer un film para su amada (Jones) con una película hecha a su medida. Selznick venía de haber logrado un gran éxito con LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ, por eso fue exigente y pulcro con la realización de esta. El film además muestra el avance del progreso técnico contra el cual los rancheros de la sociedad de entonces no pudieron contener, sobre todo en lo referido a las instalaciones del ferrocarril; acompañaron a nuestro director, otros que aportaron para las escenas tanto exteriores (William Dieterle) o las interiores (Josef Von Sternberg)

ONCE UPON A TIME IN THE WEST (ÉRASE UNA VEZ EN EL OESTE) (1968) SERGIO LEONE Este es un verdadero clásico de la modalidad spaghetti western, una de las formas cómo se hizo famoso este género en Europa, gracias al aporte de capitales alemanes e italianos, y se ha convertido en un clásico de la cinematografía mundial. Además Leone logró reunir a una serie de actores mitos en este género: Henry Fonda, Charles Bronson y Jason Robards. Rodeaban a una bella actriz italiana que hizo su debut en este género: Claudia Cardinale. Ella va a ser fácilmente identificada, ya que Ennio Morricone va a componer una de las más bellas melodías del cine, la cual se ha de convertir en un leit motiv. Su triste viaje para ver a su futuro esposo muerto, asesinado con sus hijos, la van a fortalecer y no va a dejar la propiedad heredada que caiga en manos de un psicópata desalmado. El film es efectista, con escenarios increíbles, con situaciones tensas que recuerdan a su otro clásico: EL BUENO, EL MALO Y EL FEO.

SHANE (RAÍCES PROFUNDAS) (1953) GEORGE STEVENS Este es una película brillante del mundo del western, un interesante estudio del alma de un pistolero, a quien su pasado lo acosa y decide cambiar de vida. El pistolero Shane (Alan Ladd) llega a una granja ocultando su origen; es acogido por una pareja de granjeros (Van Heflin y Jean Arthur), quienes son acosados por unos pistoleros que apoyan a un gran terrateniente; este los contrata con el fin de ahuyentar e, incluso, matar a los pequeños granjeros. Shane, poco a poco, va recordando su pasado de pistolero y decide tomar cartas en el asunto. Surgen malos entendidos con la pareja, amores que surgen y un hijo pequeño que exige a Shane no ser un cobarde. La banda, dirigida por Jack Palance, va a recibir una sorpresa. Excelente film y una de las cumbres del western.

THE DUEL AT SILVER CREEK (DUEL EN SILVER CREEK) (1952) DON SIEGEL Este director fue un gran maestro del género y nos presenta esta pequeña joya con unos actores que luego han de ser puntales del mismo: Lee Marvin y Audie Murphy. La trama es muy sencilla y recurre al leit motiv de un pistolero: su peculiar sentido de justicia. Como alma solitaria y errante, Silver Kid (Murphy) llega a un pueblo aterrorizado por una gavilla de truhanes; el sheriff, desesperado, no sabe a quién recurrir; Silver Kid simpatiza con la causa del sheriff y se pone, en cierta manera, a sus órdenes

THE MAN FROM LARAMIE (EL HOMBRE DE LARAMIE) (1955) ANTHONY MANN Este es un estupendo film con James Stewart, quien decide tomar venganza contra aquellos que habían vendido rifles a los indios, quienes los emplearon para matar a su hermano; encuentra como sospechosos a un abusivo hacendado, su cruel hijo y el capataz del rancho. Este es el primer film que el director filma con una nueva técnica que se empleaba para resaltar los grandes planos: el cinemascope.

HIGH NOON (A LA HORA SEÑALADA) (1952) FRED ZINNEMANN Esta es una brillante película de los 50, hecha por 3 personas independientes del cine americano (el director Fred Zinnemann, el guionista Carl Foreman y el productor Stanley Kramer), una de las cuales, Foreman, se va a ver en problemas frente a la Comité de Actividades Antiamericanas, dirigida por McCarthy y creada por Harry Truman en plena guerra fría. Foreman va a ir viendo cómo su entorno amical y laboral se va alejando de él, lo mismo que le fue acaeciendo a todos aquellos que caían en desgracia por la acción paranoica de este Comité, el cual diezmó el mundo intelectual norteamericano. Quizá esa sensación de abandono por parte de amigos y conocidos la transmitió al sheriff Will Kane (Gary Cooper, extraordinario) cuando tiene que enfrentarse solo a una banda que tiene atemorizado a todo el pueblo; la analogía es asombrosa, por eso tiene todo un carácter de denuncia contra un pueblo que se dice defensor de la democracia, pero en el momento indicado, este (el pueblo) no ceja para nada en darle la espalda. Foreman siguió su carrera en Inglaterra.

STAGECOACH (LA DILIGENCIA) (1939) JOHN FORD La edad de oro de nuestro Director y del cine western empieza con esta obra maestra, con la que Ford incursiona, además, en el cine sonoro. Está inspirada en un trabajo de Ernest Haycox, pero como referente una gran novela corta de la literatura francesa, Bola de Sebo de Guy de Maupassant. El filme es un espacio extraordinario en el cual se van presentando nueve personajes, nueve personalidades que van a vivir una excitante y riesgosa experiencia para llegar a su destino, el cual se encuentra en medio del Monumental Valley, ese esplendoroso valle semiárido que se va a convertir en su escenografía natural. Es además la primera película que filma toda una persecución a una diligencia en pleno escenario natural; las escenas insertadas del plateau no desmerecen el suspenso que genera dicha persecución y se constituyó en todo un clásico. Además, de una manera muy aguda, por lo que hizo más atractiva la película, reunió hasta 17 melodías conocidas lo que la convirtió en todo un éxito comercial. John Ford entró así por la puerta grande a la cinematografía mundial.

RED RIVER (RÍO ROJO) (1948) HOWARD HAWKS Uno de los filmes más paisajistas y que tiene la presencia femenina subyacente, sea por el recuerdo de la amada muerta (un marcado complejo de culpa que va a arrastrar a Wayne durante el film), un brazalete que se vuelve una suerte de nexo fetiche con el otro personaje femenino que atenúa la rivalidad entre Wayne y Montgomery Clift, Joanne Dru (la que a su vez controla con un carácter poco usual para los “famosos” papeles femeninos en este género. Es un film de viajes, paisajes (poco usual en nuestro Director que solía enfocarse en espacios más pequeños), deterioro de relaciones, tensiones y un buen final feliz, luego de marcadas tensiones.

THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY (EL BUENO, EL MALO Y EL FEO) (1966) SERGIO LEONE Uno de los mayores éxitos del famoso spaghetti-western, una de las formas cómo se hizo famoso este género en Europa, gracias al aporte de capitales alemanes e italianos y rodada en España. Un botín de 200 mil dólares moviliza la ambición de 3 personajes, encarnados por Clint Eastwood (Bueno), Lee Van Cleef (Malo) y Eli Wallach (Feo) y llevan a cabo esta empresa en medio de la guerra de secesión norteamericana, en Texas. Con el apoyo del ejército español, Sergio Leone trata de reconstruir todo este escenario histórico (con armas de la época incluidas) para mostrar esta trama de largos planos, acercamientos visuales extraordinarios, una música ad hoc y unos diálogos alucinantes que ya la han hecho todo un clásico. Es, además, una de las pocas películas de esta modalidad que el público norteamericano acepta sin reticencias.

THE SEARCHERS (MÁS CORAZÓN QUE ODIO) (1956) JOHN FORD Una de las obras maestras de Ford, ya es un clásico, porque en cierta manera vuelve a ese esquema tradicional del héroe individual y solitario que caracterizó a este género. Pero Ford no trabaja a su héroe como un hombre aislado de su entorno, sino como un hombre que ve lo que sucede y es movilizado por ese sentido de responsabilidad de luchar contra la injusticia contra el más débil. Además vuelve a trabajar con John Wayne (dupla John-John que hizo un sinfín de películas); en este film vemos “la tragedia de un solitario” (como lo llama John Kobal). Mucho se ha dicho sobre esta película: racista (lo es), actuación pétrea de Wayne, el mito del individualismo. Pero es el conjunto de estas situaciones y las circunstancias como el de tener que luchar contra la crueldad de algunas tribus (que incluso mataban a personas de su etnia) que conllevan a una narración épica, como un cuento medieval: la búsqueda por la chica raptada o extraviada. La escena final con el retorno a casa y el alejamiento del guerrero marca un hito en la creación de un estereotipo de cowboy. El conjunto de actores (Vera Miles, Natalie Wood), la escenografía natural, los travellings, y en sí la historia la hacen una bella película.

RIO BRAVO (RÍO BRAVO) (1959) HOWARD HAWKS Este es un film extraordinario, con personajes tan sólidos reunidos para luchar contra una gavilla de truhanes que vienen a rescatar a uno de sus secuaces capturados por el sheriff. Hawks va dejando a sus personajes a que cada uno vaya encontrando su destino bajo una atenta observación de la cámara, la que nos va mostrando sus miedos, alegrías, debilidades y para lo que son buenos. En el mundo moderno, esto se llamaría “trabajo en equipo”, pero no fue esta la intención de nuestro Director, ni mucho menos; es hacernos conocer lo que puede pasar en cada uno en cada acción que realicemos y los momentos que en algún instante nos ha de tocar y que serán nuestras oportunidades para conocernos quiénes somos. Por eso, emplea espacios reducidos que permitan centrarse más en el personaje. Destacan, aparte del clásico John Wayne, un Dean Martin simpático, aunque muchas veces patético (por el alcoholismo) y una sensual Angie Dickinson, quien se une a esta causa quijotesca, pero a cuenta y riesgo personales.



BIBLIOGRAFÍA

* DICTIONNAIRE DES FILMS, LAROUSE, 1995.

* HISTORIA ILUSTRADA DEL CINE. RENÉ JEANNE, CHARLES FORD, TOMO 1, 1981.

* LA GRAN ILUSIÓN, UNIVERSIDAD DE LIMA, No 4, 1995.

* EL CINE NORTEAMERICANO EN 120 PELÍCULAS, AUGUSTO M. TORRES, Alianza Editorial, 1994.