LA COMEDIA Y FANTASÍA NORTEAMERICANAS DE LOS 40

La década de los 40 significó grandes cambios para la humanidad y, sobre todo, para la sociedad norteamericana. Durante el primer lustro la población ve con zozobra los inicios de la segunda gran conflagración mundial, con el avance arrollador nazi por Europa y el norte de África, y el amenazante expansionismo japonés que llevará al enfrentamiento abierto entre el ejército estadounidense y el nipón luego del bombardeo artero de la flota norteamericana en Pearl Harbor en diciembre de 1941. El espíritu de guerra se va a ver en la sociedad de los Estados Unidos: la participación abierta en la guerra va a movilizar toda una maquinaria bélica fabulosa, sino toda la campaña para justificar en el imaginario del ciudadano medio su participación no sólo con armas, medicinas o alimentos, sino con esposos, hijos, hermanos, algunos de los cuales jamás regresarán con vida. Una alta cuota para pagar su nuevo puesto en la orquestación mundial. Los autores pacifistas o antibélicos van a ser silenciados para dar paso a toda una campaña creativa en todos los niveles comunicativos a favor de la guerra, desde los simples carteles o panfletos, hasta la producción cinematográfica e incluso la industria del cómic (por ejemplo, la aparición de “Ojo Reventado – Pop Eye – Popeye”). Algunos cineastas, directores, actores, fotógrafos, van a ir al frente a hacer trabajo de propaganda, sea para ayudar en la moral a la tropa, sea para cumplir trabajo de oficina, sea para documentar las atrocidades que iban a ver durante el conflicto en sí: una cosa es la pantalla y otra la vida real. Un ejemplo notable es John Huston, quien hizo un documental de lo visto por él en la guerra y se mantuvo censurado por décadas. Una cara sin maquillaje nos muestra el verdadero rostro de la guerra.

Esa década se va a ver marcada por un pesimismo casi nihilista, individualista que se va a ver encarnado en obras literarias policiales como Raymond Chandler o James Cain, las cuales serán llevadas a las pantallas por diversos directores, como Hwaks, Huston, Tourneur, entre otros. Aparece el famoso cinema noir que ha de iniciar todo un estilo de actuación, de narración cinematográfica, de trabajo de luz y de caracterización de personajes. Obviamente aparecerán varias películas bélicas y muchas otras más, de otros géneros, que tendrán como marco referencial la guerra. Así tenemos CASABLANCA, una historia de romance y guerra que se convertirá en todo un clásico del cine. Muchos filmes fueron hechos, como CASABLANCA, cuando USA aún no estaba en guerra. Pero su participación era inevitable. Otros directores, actores, gente ligada al cine, usaron Hollywood para hacer una excelente propaganda contra la guerra. Tal es el caso de MRS. MINIVER de William Wyler, actuada por sólo actores ingleses y reconstruyen la vida de una ama de casa sencilla que ve su vida trastocada por el inicio de la guerra y todas las peripecias que tuvo que vivir para mantener unida a su familia. Esta película rodada en 1941 todavía no daba indicios de lo que sucedería en 1945.

Una vez culminada la guerra, la sociedad norteamericana, opulenta y dominadora, va a querer imponer su forma de vida y preservarla; una vez caído Hitler, va a aparecer un nuevo rival: el comunismo. El segundo lustro de esa década va a ver un nuevo acomodo de construcción de personajes en la cinematografía y se va a dar paso al cine de espías (lo hubo durante la guerra, pero con la profusión de la segunda parte) y el cine fantástico de terror, con la aparición de seres (alegóricamente) alienígenas que quieren invadir el mundo para destruir nuestra forma de vida. Ha empezado la Guerra Fría.

Pero el hombre, pese a todo, no puede dejar de reír. Puede convertir una situación difícil o penosa en una situación hilarante para hacer de esta vida algo amable en nuestra existencia. Tuvieron un entorno histórico difícil, había que hallar un remanso para poder sentirnos humanos frente a tanta miseria y situación crítica. Y ese remanso era la comedia. En muchos casos la comedia se va a inspirar en los acontecimientos históricos. Inevitable. El arte se inspira en su momento, en su coyuntura, se vuelve en una especial relectura de la misma. La gente se vuelca, como en los años 30, al cinematógrafo para evadir la cruda realidad, el temor a ser invadidos o bombardeados, o perder un ser querido.

esta es una pequeña muestra de películas que refleja el duro momento que le tocó vivir a la sociedad norteamericana y mundial, en general. Son filmes de evasión o denuncia, de risa franca o crítica mordaz, de mostrar el mundo o de cubrirlo. Son diversas propuestas. 

TO BE OR NOT TO BE (SER O NO SER) ERNST LUBISTCH 1941 Excelente comedia que tiene como marco histórico la invasión de Polonia por parte de tropas nazis. En el preámbulo de la guerra, diversos artistas polacos quieren montar una mordaz sátira contra Hitler, su incómodo vecino. La obra es suspendida con el fin de evitar conflictos con el amenazante gobierno nazi. De pronto la invasión. Para salvar a la resistencia polaca, va a ser necesario que esos actores lleven a cabo la mejor representación de su vida. Con Carole Lombard, Robert Stack y Jack Benny. Hilarante y desfachatada en muchas escenas. La risa también es una forma de lucha.

YANKEE DOODLE DANDY MICHAEL CURTIZ 1942 Esta obra es un gran musical en homenaje al compositor George M. Cohan. Construida en recuerdos, vemos desde el nacimiento de este músico hasta el momento en que es premiado por la Medalla de Honor del Congreso norteamericano. Vemos a un James Cagney como un eximio bailarín, quien encarna la biografía de este compositor de origen irlandés. Una muestra del ciudadano promedio que cree en sí y cómo gana su espacio con su arte en la sociedad americana. Buenos musicales, buenos bailes y una excelente actuación de un personaje siempre caracterizado como pendenciero.

FANTASIA BEN SHARPSTEEN (ESTUDIOS DISNEY) 1940 ¿Un film para niños en este grupo? Pues sí, puesto que este film no sólo atrajo a niños, sino a un sinfín de jóvenes y adultos a ver la magia de la música culta unida a la imagen, al sueño integrador que muchos artistas desde el siglo XIX habían estado pugnando. Cual sinestesia permanente, el sonido se une al color y al movimiento para darnos las escenas más inmortales del cine como el Aprendiz del Brujo con un Ratón Mickey genial que dirige la música de Paul Dukas para sus objetivos. O la Danza de las Horas de Ponchielli representada por hipopótamos, cocodrilos y avestruces. Siempre hay que volver a verla para soñar. Sencillamente bella.

THE GREAT DICTATOR (EL GRAN DICTADOR) CHARLES CHAPLIN 1940 Este film habla por sí solo. Chaplin se viste de gala para hacer la parodia de uno de los hombres más temidos y odiados durante esos años. Chaplin interpreta dos personajes parecidos en lo físico, pero separados por las circunstancias de las entelequias que creamos como sociedad: Hynkel (jugando con el nombre Hitler) es un dictador caricaturizado que somete a su país, Tomania, a sus locuras; y un barbero de origen judío, quien es tomado por equivocación por las tropas de Hynkel. Hay escenas geniales como el encuentro con Benzino Napaloni (Mussolini) o cuando Hynkel juega con el mundo en un ballet de lo más sugerente. El discurso final va a ser una fuerte crítica al mundo que a Chaplin le tocó vivir, lleno de intolerancia, e invoca por la paz, la esperanza, los derechos humanos y la comprensión.

THE PHILADELPHIA STORY (LA HISTORIA DE FILADELFIA) GEORGE CUCKOR 1940 Simpática comedia que reúne a un trío de actores muy famosos de la época: Gary Grant, James Stewart y Katharine Hepburn. Ella está indecisa por su nueva boda; rodeada de hombres intrigantes e irresponsables, es un claro reflejo de una clase alta frívola, despreocupada. Cuckor reunió a este grupo e hizo una comedia elegante. Algunas anécdotas de esta película es el hecho que Grant recibió 137,000 $ por su actuación, pero los donó para la causa británica en su lucha contra los nazis.

TRES COMEDIAS NORTEAMERICANAS DE LOS 30

Los años 30 en el mundo fueron años de grandes cambios sociales, económicos y culturales. La primera guerra mundial había llegado a su fin en 1919, pero las fuertes secuelas en el mundo se hicieron sentir en los famosos locos años 20 que culminaron con el famoso crack del mundo capitalista y el surgimiento de los partidos fascistas europeos y japonés de los 30. La convulsionada sociedad mundial se preparaba a pasos agigantados a su segunda gran conflagración mundial. Así pues, los años 30 empezaron con toda una agitación socioeconómica como nunca había vivido nuestra sociedad y se puede decir que es lo que vendrá a ser la sociedad actual, con sus cíclicas crisis mundiales y, tras la segunda guerra mundial, la focalización de los conflictos para mantener una suerte de equilibro con el cual se va a convivir en desde los 50 hasta la década final del siglo XX.

La fuerte crisis del capitalismo va a generar una fuerte zozobra a nivel mundial, época del desarrollo de las ideas sociales, así como los partidos políticos de izquierda, sea comunistas como socialistas (en el caso peruano, surge el aprismo, por ejemplo), así como inmensos clanes de poder que luego se convertirán en corporaciones (algunas ligadas al nazismo). En USA, la crisis va a generar profundos cambios radicales en la sociedad, la fuerte emigración interna hacia zonas más ricas, una fuerte depresión en varios estados de la Unión, la aparición de sindicatos, así como fuertes movimientos conservadores para poder defender sus intereses. En ese duro contexto, surge todo un movimiento artístico muy comprometido, como el literario, tanto como un arte evasivo, de distracción, como lo va a ser el cine. La Máquina de los Ensueños se va a poner a trabajar.

El arte, en una de sus diversas funciones, va a comenzar a trabajar con el fin de distraer a una gran masa de personas que han visto perder sus ahorros, propiedades, familia. Había la necesidad de crear un paliativo. Fuera del compromiso keynesiano de la política norteamericana, no basta para poder ayudar a un pueblo que ha visto su “american dream” venirse a menos. El cine va a dar a esa masa obrera, campesina, urbana deprimida la oportunidad de evadirse de esa dura realidad que tienen delante de ellos.

Durante esta década, el cine va a ver llenar sus pantallas con diversas comedias que le permite a los ciudadanos esbozar algunas sonrisas y muchas risas para sobrellevar el diario vivir. Surge, fuera de los musicales, la comedia en diversas variantes, siendo las principales la comedia disparatada, alocada, trasgresora, liderada por los Hermanos Marx, así como la comedia romántica, permitiendo a la maquinaria del Star System llegar a su máximo esplendor. Parejas clásicas van a llenar las pantallas para el suspiro de hombres y mujeres, época muy bien parodiada por La Rosa Púrpura del Cairo de Woody Allen. El cine se llena de satén, raso, joyas, para la gran distracción. Y Hollywood ve crecer su firmamento de estrellas y con ellas, los grandes estudios que comienzan a crear sus cuadros de actores, directores, músicos, fotógrafos, etc. Se convierte en la maquinaria que es en la actualidad. A partir de la segunda mitad de la década, Hollywood se llena de emigrantes cineastas europeos que huyen de la locura nazi o de los climas de guerra que se acercaban inexorablemente.

THE WOMEN (LAS MUJERES) GEORGE CUCKOR 1939 Cuckor fue siempre un gran director de actrices. Más aún cuando éstas se reúnen para despotricar contra los hombres y contra ellas mismas. Este film hace un estudio del mundo femenino de la lealtad y la traición, de la visión de la pareja desde la mujer, su posición en el matrimonio y los elementos de amenaza de éste. Hay formas de destrozar al enemigo sin matarlo, este film muestra cómo puede ser una guerra sin cuartel sin que el objeto de asedio se percate de lo que está sucediendo a sus espaldas. Genial la participación de Joan Crawford como la amante (femme fatale) y Norma Shearer como la esposa.

DUCK SOUP (SOPA DE GANSO) SAM WOOD 1933 Exorbitante film de los Hermanos Marx. La lógica lingüística es torcida como lo es en la obra de Alicia en el País de las Maravillas. Quien haya redactado el guion, ha tenido frente a sí toda una muestra de diálogos que podrían formar parte de un estudio psicoanalítico: total libre asociación de ideas para ligar lo absurdo. Además tiene un marcado tinte político, reflejo de los bruscos cambios que estaba experimentando Europa y que van a concluir con un conflicto mundial. Desopilante actuación de Groucho Marx, tan agudo; la presencia de gags y otros recursos cómicos o circenses; así como las evidentes referencias políticas a una Europa que va a caer en cenizas por la locura de ciertos dirigentes políticos.

THE AWFUL TRUTH (LA TERRIBLE VERDAD) LEO McCAREY 1937 La comedia romántica se fue convirtiendo lentamente en una suerte de guerra de los sexos. Grandes actores y actrices juegan roles en los cuales la confrontación celosa, la fidelidad, la integridad de los integrantes de la pareja se pone sobre el tapete. Esta comedia no es la excepción. El pretexto: la custodia de un pequeño perro por la situación de divorcio generada por una mutua desconfianza de la pareja conformada por Irene Dunne y Cary Grant. La ridiculización y los celos son una buena temática que todos los grandes directores han sabido trabajar, y este film tiene mucho de esto. La parcialización de los amigos de la pareja es otro de los simpáticos problemas que puede verse con frecuencia; es desenlace es genial, provocado por amigos y circunstancias para un final feliz en una sociedad deprimida.

ROMAN POLAŃSKI, UN SOBREVIVIENTE

DEFINIR“..Soy un enamorado del cine,

de ahí que tenga ganas de hacer el amor con todos los géneros”


ASEDIO A ROMAN POLANSKI, HABLEMOS DE CINE 73-73, Junio 1981



Raro personaje de la cinematografía mundial, Polanski ha sido un director díscolo con los sistemas, pero un verdadero sobreviviente de la vida. Muy pequeño, a los tres años, se va desde Francia, país donde nació, a Polonia, la tierra de sus padres y su patria adoptiva. La sombra nazi destruye a su familia; su madre, aunque era católica, es la primera en morir por estar casada con un judío en un campo de concentración y luego su padre caerá prisionero en el momento que ayuda a su hijo a huir del gueto de Cracovia. Se esconde en el campo y será cobijado por una familia campesina que lo protege hasta la liberación. Su vida en la campiña será evocada en cierta manera en su film TESS, añoranza que le hará recordar su largo y accidentado paso por la vida. Su iniciación a las artes se inicia en la escuela de Łodz, a la cual logra ingresar, según dice, gracias a errores de su documentación. Su vida se ha caracterizado por excesos, según dice Protzel, quizá signada por esa búsqueda de identidad. Comenzó su fama con un film tenso, EL CUCHILLO EN EL AGUA, y desde entonces su fama se fue acrecentando, abordando todos los géneros (incluso intentó un western, pero los italianos “le ganaron por puesta de mano” como decía él en clara alusión a los spaghetti -western y al maestro Sergio Leone).

Polanski estuvo en Lima en 1980 para la presentación de su film TESS y tuvo una larga entrevista con la gente de la revista HABLEMOS DE CINE. En dicha entrevista, Roman habla de sus pasiones, sus amores en el cine y lo que vendría a ser sus periodos signados por la juventud y la madurez. Obviamente la parte escabrosa de du vida aún faltaba por venir, pero nuestro director ya llevaba para ese entonces una esposa asesinada (Sharon Tate). En dicha entrevista confiesa su gusto por las adolescentes, gusto que le causará problemas al ser acusado de abuso sexual contra una menor de 13 años en 1977. Desde entonces se alejó de los Estados Unidos y ni siquiera fue a recibir el Oscar por su película EL PIANISTA. Pero su amor por el cine, donde trabajó no sólo como director, sino como actor (como veremos en LA DANZA DE LOS VAMPIROS), ha signado siempre su vida, asumiendo proyectos muy personales y algunos comerciales por los apremios que toda persona pasa en la vida: la necesidad de dinero. A veces se embarcó en proyectos arrebatados, como la peculiar historia de piratas que rodaba y que resultó un fracaso económico. Sin embargo, su cine será siempre una muestra interesante de un chico sobreviviente y que necesitó del cine para ubicar sus derroteros.

REPULSION (REPULSIÓN) 1965 De sus primeras obras fuera de Polonia, es una película de obsesiones, de situaciones extremas. En este caso, una bella manicurista que vive con su hermana en un departamento en Londres no tolera lo sexual y censura la vida que lleva su hermana, quien mantiene una relación con un hombre casado. Su represión estallará en el momento que su hermana y su pareja deciden tomarse unas vacaciones quedando ella totalmente sola en un espacio pequeño, agobiante; este recurso que ha de emplear posteriormente en obras como EL BEBÉ DE ROSEMARY y EL INQUILINO. La bella Catherine Deneuve encarna el papel de la chica obsesa.

THE FEARLESS VAMPIRE KILLERS (LA DANZA DE LOS VAMPIROS) 1967. Divertida parodia sobre los vampiros es un film a color en el que Polanski no sólo la dirige sino actúa. En realidad, el título alude a un doctor (parodia de Van Helsing) y su discípulo que se van de cacería de vampiros en los Cárpatos. Se suceden todas las historias ya conocidas de los vampiros que además los identifican como nobles decadentes. Hay escenas francamente hilarantes y fue la llave que usó nuestro Director para entrar en el mercado norteamericano. En la película también sale la que será su futura esposa, Sharon Tate, con la cual se casará en 1969.

ROSEMARY´S BABY (EL BEBÉ DE ROSEMARY) 1968 Soberbio filme, construido a través de planos incompletos, es el triunfo de la sugestión; angustioso, vemos cómo el entorno de Rosemary se va estrechando alrededor de su futuro bebé, al cual nunca veremos el rostro una vez nacido; todo ayuda a crear ese clima tenso, música, escenarios, ambientes cerrados, los acercamientos a los rostros de los amigos de la familia. Imaginar que la esposa de nuestro director iba a ser víctima de una secta de culto al terror dirigida por James Mason. Según nuestro Director, la obra respeta la novela original y recreó de manera visual el mundo textual.

CHINATOWN (BARRIO CHINO) 1974. Este es un film genial, como en los tiempos del cinema noir, magistralmente dirigido por Polanski quien le dio forma a este intrincado libreto, oscuro por lo incestuoso y los tenebrosos manejos del poder económico y político. Jake (Jack Nicholson) hace el papel de detective un poco inescrupuloso, el cual se ve involucrado cada vez más en un extraño crimen y va descubriendo los agobiantes tentáculos de una poderosa familia de Los Ángeles de los años 30. En el rompecabezas va descubriendo ciertas verdades oscuras gestadas en lo inescrupuloso por el ambicioso padre (John Huston) con su hija (Faye Dunaway).

TESS 1979 Este film es un sueño ambicionado y logrado por nuestro Director, el de llevar a la pantalla esta obra de Thomas Hardy. Este libro le fue dado por su esposa Sharon Tate, la cual fue asesinada posteriormente. Fines del siglo XIX, mundo campestre de Marlott, un hombre revela el origen confuso de su apellido y los posibles vínculos con personas poderosas; con el fin de obtener favores, este hombre envía a su hija, Tess (NATASSIA KINSKY), la cual es engañada, embarazada y abandonada; crítica situación para una joven mujer, decide huir y va a otra población, allí se enamora de Ángel (PETER FIRTH). Pero la abandona cuando sabe de su pasado. Cruda realidad para una sociedad como la victoriana que anatematizaba a la mujer en su condición de pobre, analfabeta y mancillada. Una bella fotografía y un estrellato fulgurante en nuestra joven actriz la hacen una joyita de este director polaco. El film fue dedicado a su fallecida mujer con su simple “To Sharon”.


THE PIANIST (EL PIANISTA) 2002 Una de las obras maestras gestada en la madurez serena del Director. Como él confiesa, muchas de las escenas que el pianista Władysław “Władek” Szpilman vive a la largo de la penuria y holocausto en el gueto de Varsovia, también le tocaron vivir a Roman en su niñez. Su madre fue enviada y muerta en un campo de concentración, y su padre fue capturado y cautivo por dos años. Pero como lo había propuesto otro sobreviviente del holocausto, Viktor Frankl, Szpilman halló la música una forma de sobrevivencia en las condiciones más duras de una de las etapas más sombrías de la humanidad. Este film ganó el Oscar de ese año, además de las Palmas de Oro de Cannes, representando a Francia, país natal de Polanski.

RECORDANDO LA MARCHA DE LOS CUATRO SUYOS

Ha pasado más de una década de aquella fecha.
De pronto lo que parecía ser una elección más para dejar cinco años más en el poder a Fujimori, provocó una reacción de indignación a miles de peruanos cansados de corrupción, de saqueo económico, de injusticia generalizada que era todas luces vista, pero no cuestionada por los férreos tentáculos del poder y corruptela clientelar que había desarrollado el inefable Montesinos en toda la sociedad peruana. Nos habían adormecido con el cuento de la pacificación (que como bien explicó Gorriti sólo se realizó durante el primer periodo del fujimorato) y de la estabilidad económica que había impulsado la informalización de la sociedad (recuerden el boom de los desempleados públicos con sus taxis) y el terror sembrado a todas aquellas empresas que caían en la desgracia para esta mafia y utilizaron la Sunat para la extorsión. De pronto una parte de la sociedad dijo "basta"; pero, valgan verdades, muchos peruanos no queríamos creer, porque arrellanados en nuestras cúpulas de cristal o humillados por la sociedad que nos trataba de apestados (hasta ahora), no queríamos romper el statu quo. Se estaba más cómodo así. Era mejor ser indiferente.
Pero sentí vergüenza personal, cuando apareció el famoso video que mostraba a Montesinos y Kouri en un acción de cohecho demasiado evidente; pero nos resistíamos aún. Teníamos miedo de nuestra casa, de nuestra cuenta en el banco, de nuestro auto flamante que estaba en el garaje. No. Es más, escuchábamos atentos a lo que decían sobre las fugas tanto de Montesinos como de Fujimori. Recuerdo a la Cuculiza negando en todos los idiomas que su adorado presidente fuere a renunciar. Ahí está la historia.
Han pasado 11 años y vemos que muchos de los actores de aquella marcha y de la otra marcha silenciosa que era el llamar a la conciencia a los peruanos, han claudicado. Se han convertido en  lo que fuimos como ente social durante la década de los 90. Si Canal N era hostilizado por su pose democrática, ahora aplaude a la representante de aquel oscuro periodo de nuestra historia, aquel en el que fueron tratados como parias y hostilizados.
Varios de los que apoyaron esa marcha de conciencia han sido consecuentes y han expresado su posición. Quizá no pro Ollanta, mas sí anti Keiko. Eso reconforta, ya que queda dignidad en nuestro País.
Personalmente, no quiero sentirme como parte de ese "ganado" que fuimos durante esa década y que,en cierta manera, condenamos esa marcha, la de los 4 Suyos, que terminó en violencia y difamación descarada. No, no quiero teñirme de vergüenza como la que veo en muchos compañeros de trabajo y amigos que han claudicado con comodidad y que me avergüenza, porque me siento parte de una camarilla mafiosa que otorga perdón al ladrón que me robó, que me despidió, que me humilló, sólo por un extraño sentido de comodidad.
Cuando veo instituciones que plantean su posición, sean medios de comunicación (que son pocos, hay muchos pecados que expiar de la década de los 90) o entidades educativas (¿no se había desarrollado toda una fuerte campaña de valores en esa época? Bueno, algo queda); así como la posición de personajes de toda índole desde intelectuales hasta artistas y hombres y mujeres de a pie, no me queda más que unirme a sus voces para no ser un paria más de nuestra dura sociedad.
Veremos qué tendremos al amanecer del 06 de junio. Si descaro o dignidad.

CÓMO CREAR UN PATÁN, A PROPÓSITO DEL DÍA DE LA MADRE

Hace exactamente una semana veía en la televisión una serie inglesa detectivesca policial que captó mucha mi atención. Resumo: una mujer drogadicta había confabulado con un amante suyo un fingido secuestro de su hija para poder hacer de este hecho un "evento" mediático y sacar réditos jugosos con los cuales podría, al fin, cumplir con su verdadero rol de madre. Pero lo que podría haber sido un éxito para la díscola mujer, se convirtió en una pesadilla para todos: la niña fue asesinada. Durante el juicio contra el criminal, todos juzgaron (incluido yo, desde mi televisor) al criminal, quien recibió sorpresivamente una leve condena, ya que no había pruebas contundentes. La madre (aún no sabíamos el final) tomó la justicias con sus propias manos y le clavó un cuchillo ante cientos de impávidos testigos. Todos juzgaron que la pobre mujer había reaccionado dolida en su condición de madre y todos deciden apoyarla para sacarla de este cruel embrollo en el que se había metido por haber actuado impulsada por sus "entrañas". A medida que iba transcurriendo la serie, vimos el verdadero rostro de una mujer que justifica cualquier medio para poder cumplir con su rol  de madre.

¿Por qué viene a colación este tema y por qué el título de esta opinión? Es mismo domingo, fui a presenciar un espectáculo muy simpático en el Teatro Municipal de nuestra ciudad. La presencia  de niños era de esperar y uno puede ser testigo de muchas enseñanzas familiares a través de los hijos y las reacciones de los padres. Para suerte nuestra (fui con un amigo) estuvimos sentados delante de un grupo humano bastante peculiar: una madre con sus dos hijos y una abuela. El hijo varón comenzó a estornudar directamente sobre los cuellos de las personas que estaban delante de él, mejor dicho nosotros; tras varios estornudos y ante la complacencia de la madre, opté por voltear la cabeza y pedir a la madre si pudiera indicar a su hijo de estornudar hacia otra parte. La reacción que obtuve de esa persona fue la de una agresión inmediata: comenzó por tutear e insultar (en presencia de sus dos hijos y de la madre, y otras personas más que miraban impávidas la reacción de la mujer), luego a indicar que había pagado su dinero y que le daba la potestad de hacer lo que quería; posteriormente, justificó el hecho por ser pequeños (ya con algunas groserías de por medio) y, por último, que ella como madre defiende a sus hijos frente a todos; añadió una frase que me pareció interesante, y que trae a colación la extrapolación con la serie de televisión, "se ve que no tienes hijos y no sabes cómo es eso, lo difícil que es controlarlos". Interesante frase que me hizo recordar mis años de enseñanza en el colegio, cuando a muchos padres, los hijos ya se le habían vuelto incontrolables y derivaban su función de padres a los maestros para enseñarles los límites requeridos que ellos (los padres) ya no son capaces de hacerlo. Y lo peor de todo, la escena se realizó delante de su dos hijos. La mujer cree haber salido triunfante de su "digno ejemplo", pero va sembrando cada vez las sutiles raíces de lo que es un patán: ese niño, con la vulgar demostración de su madre, ha aprendido que insultando, no oyendo y trasgrediendo (bajo la anuencia de su madre, esto es, la autoridad) se logran las cosas; quizá hubiera ameritado detener a la mujer, pero la perspectiva no era la mejor. Lo que sí tiene por delante en algunos años, es la posibilidad de conflictos con su hijo; cuando éste llegue a la adolescencia, los ejemplos, los patrones educativos emergen para poder "colocarte" en el mundo. La familia es la primera que le da patrones a los niños. Y ese niño tiene una buena herencia.

Para terminar, la escena final de la serie, ya al dictar sentencia, el abogado acusador cerró con una frase dura contra la mujer: "usted no ha sido una madre". Salvando distancias y extrapolando las situaciones, nos debemos preguntar si la educación incluye en el proceso de ser madre y en cuánto de esto estamos bien preparados. 

OSAMA BIN LADEN HA MUERTO, ¿MUERTE COYUNTURAL?

La noticia llegó como un reguero de pólvora por todos los medios. Tanto así que no acababa de ser beatificado Juan Pablo II, el ex papa, y ya muchos hablan de su primer gran milagro (vaya: así van a ser los nuevos milagros, con matanzas, igual que las cruzadas). AGP se despachó un discurso emocionado en el que dijo cosas que comprometen la concepción de la filosofía religiosa del amor. En fin.

Desde el atentado del 2001, Bush inició una costosa guerra que arrastró al pueblo norteamericano a una de las más grandes (y rentable) psicosis colectivas (de paso a todos sus aliados); se creía que, ante tal despliegue de dinero y fuerzas alrededor del mundo, iba a ser bastante fácil la caída de Bin Laden. Arrasaron un país (Afganistán, que aún no es controlado); destrozaron a otro, Iraq, por la culpa de un líder al cual apoyaron en los años 80, Sadam Hussein; implementaron a un país simbiótico como lo es Pakistán (donde irónicamente estaba Bin Laden - sorprendente, ¿no? - ) y arrastraron a cuanto país occidental haya apoyado la causa de su lucha contra el terrorismo en la última década. Países como Turquía, Marruecos, España, Inglaterra, Kenia,entre otros muchos más, vieron a sus ciudadanos imbuidos en un conflicto en sus entrañas del cual poco o nada tenían que ver; aunque, según la idea de la globalización, todos a la fuerza, como la crisis financiera del 2008, tenemos que ver.
Bin Laden fue un hombre de la CIA, uno de los tantos que se le terminaron volteando una vez que conseguían lo que los desafortunados negociantes geopolíticos norteamericanos les habían  prometido y exigido a cambio; como el famoso Cara´e Piña en Panamá, Hussein en Iraq o nuestro famoso Montesinos en nuestro país, Bin Laden fue contactado por la CIA para contrarrestar la invasión soviética a Afganistán en 1979. Apoyó "estratégicamente" el actual fundamentalismo talibanesco que hizo la guerra de guerrillas contra las fuerzas soviéticas y que luego van a generar todo el polvorín en que se ha convertido en Cercano y Lejano Oriente. Como Hussein, las fuerzas de Bin Laden recibieron apoyo logístico, armamento y un fondo discreto que engrosaron las arcas de este ya millonario hombre curtido de las tribus nómades árabes. De ser cierto todo lo que se difundió sobre los vínculos de la familia Laden, los fuertes negocios petroleros y los desplazamientos de fondos hacia la industria estratégica norteamericana (armamentos), estamos frente a una maquinación maquiavélica que sólo mentes tortuosas pueden provocar. Ya mucha gente duda de lo que los medios difunden para ser creídos. Recuerdo que cuando las Torres Gemelas cayeron, salieron al aire una serie de videos en que se veía a poblaciones del Medio Oriente dando vivas a la acción y salían con el pie de imagen "live", esto es, "en vivo". Pero no se percataron que dichas imágenes mostraban los eventos a plena luz del día y, según el horario, deberían corresponder a las 4 de la tarde o en Pakistán, 7 de la noche. Muy raro y un poco torpe.
¿Por qué en estos momentos cae Bin Laden? Norteamérica está pasando una fuerte crisis económica que hizo que, por algunas meses, el país modelo del capitalismo se haya vuelto en socialista: el Estado tuvo que intervenir en la compra de bancos, e inyectar y controlar sus finanzas para evitar que quebrasen. El paradigma del capitalismo contradijo su esencia para poder subsistir. Son por estas contradicciones por las que muchos norteamericanos sensatos quisieron ver la posibilidad de un Estado no apoyando a ricos, sino al pueblo con reformas de salud. Estas no han prosperado y esto puede ser calificado como una de las derrotas del candidato Obama, ya que fue una de sus promesas electorales. Por otro lado, el ejército más poderoso del planeta se veía humillado, como recordando Vietnam, por una gavilla de hombres que frente al poderoso armamento que lucen, no hacía más que demostrar ineficiencia. Habiendo arrasado Afganistán, se esperaba que esto culminase lo más pronto posible; pero una década de aparatos sofisticados, cohetes teledirigidos, satélites rastreadores, fusiles infrarrojos y toda esa bella parafernalia que vemos en los cines y en los estúpidos videogames, no son del todo operativos. Si uno quiere calificar eficiencia, tan de moda en el mundo gringo, ¿qué puntaje tendrían si tan fuerte fue la inversión y sacrificio para saber que lo tenía que capturar estaba en sus propias narices, en territorio de su mayor aliado de la zona? Ahora bien, que las alicaídas industrias bélica y de seguridad se han llenado los bolsillos con la psicosis de la gente, lo han hecho.
¿Qué viene ahora? Lo primero es que los gringos se van a cuidar entre ellos. Pero no sé qué bomba le están  dejando al Pakistán, su bizarro aliado. Peor aún, sabiendo que es una de las potencias atómicas de la zona. Crea un conflicto cercano a las grandes economías emergentes, como son China e India, sus grandes rivales en la futura guerra económica. Quizá, si lo vemos desde nuestra microcefálica percepción de las inversiones extranjeras, (así comentan nuestros alarmantes diarios en esta interesante campaña electoral) uno diría: "éstas se van". Pero para estas dos grandes economías, será un mero cosquilleo: eso las tiene sin cuidado. Salvo que estalle una guerra que involucraría a otro incómodo,Rusia, y a otra nación que la tienen como declarada enemiga: Irán. Por lo pronto, los mercados, siempre tan "sensibles" al problema humano, ya se están disparando. Puede que el petróleo suba y esto será el beneplácito para todos los productores, pero la pesadilla para los consumidores. Una interesante justificación para subir el barril y todos sus derivados. Hay que ver qué pasa con el precio de la gasolina en los días y semanas siguientes. Si todo está bastante calculado, las pérdidas iniciales se van a convertir en ganancias gracias a nuestros sufridos bolsillos. A río revuelto, ganancias de pescadores. Y en eso, las grandes empresas petroleras ya ven una gran "oportunidad de negocio", eufemismo como ahora le llaman a la guerra.
Lo interesante será ver cómo reaccionan los países árabes que vienen de vivir (y lo están pasando aún) profundos cambios en sus aparatos políticos. La democratización de varios de ellos se pondrá en peligro cuando venga una ola de nacionalismo religioso, como lo está viviendo Europa en relación a la iglesia católica. No en vano se ha canonizado a un papa en momentos en los cuales Europa está volviendo hacia la derecha extrema (Berlusconi a la cabeza) con algunas decisiones bastante drásticas contra diversos grupos de migrantes, algo así como los nuevos culpables de la crisis económica que están viviendo en la actualidad varios países de la Eurozona. Ahora ya hay un nuevo adalid para una nueva cruzada.
La duda surge a cada rato: ¿ha muerto recién ahora? ¿murió hace mucho tiempo? ¿no está muerto y es una pantalla? ¿por qué una decada después? ¿fines electoreros? ¿qué gana el resto del mundo de esto? ¿y los recursos naturales tendrán algún drástico cambio? ¿Cómo será la seguridad de ahora en adelante? ¿Nos pasarán rayos a todos los pasajeros en vuelos internos para "cumplir la tarea con ellos"? ¿Cómo se afectará la maquinaria del turismo al cual le están dando mucha importancia en nuestro país? ¿Estaremos en nueva psicosis en el campo de lo atómico como continuación de lo vivido en Japón?
¿Cómo harán el mundo ahora?

HACIA LA VERGÜENZA

No he querido usar el espacio de mi blog para involucrarme en todo este campo de disputas tan agresivas y divisorias como lo han sido y están siendo estas elecciones. Lo único que he visto a lo largo de los medios virtuales en los últimos días de la primera vuelta y los que corresponden a la segunda es una serie de mensajes atosigantes por un lado, y excesivamente cargados de odio por el otro. Nadie escapa y ha escapado de haber insultado o haber sido insultado. He participado en foros en los cuales la mayoría de personas del grupo apoyaba a un candidato que no era de mi simpatía y en un discurrir de las ideas sensatas se fue convirtiendo en una pesadilla mediática; he visto dos foros de personas de mi ex universidad y la cosa está patética. El hecho de no simpatizar por un candidato te ha vuelto en una suerte de "apestado" e incluso categorizado por mucha gente, la mayoría adolescentes, que no tiene ninguna idea de lo que es "democracia". Muchas personas que conozco pertenecen a un círculo social, económico y cultural que tiene el privilegio de haber tenido (y tener) mejor educación. Pero al verlos casi en calidad de energúmenos, intolerantes e intransigentes he preferido callar. Algunas reflexiones sensatas han venido de varias personas, amigas o conocidas mías; pero son pocas. La polarización a la que se ha llegado quiere anatematizar a una persona que encarna una corrienta política, como si ella fuese la culpable. Si hubieran puesto a otro, la lógica plana con la que se ha razonado en las últimas semanas la hubiera hecho culpable. Ya no puedes discrepar. En cierta manera, las razones que esgrimen para culpar a este candidato, Ollanta, son aplicadas por ellas: autoritarismo, resentimiento e incapacidad.
Si vemos estos tres grandes hiperónimos o macro palabras - si cabe el término-, encierran todo lo que estas personas han destilado a lo largo de la primera y, en lo que va, la segunda vuelta.
Autoritarismo en su pensamiento en una sola dirección; ellos son los correctos, no hay otras posibilidades. Su verdad es la única e increíblemente debe aceptarse a pie juntillas. Este es su concepto de democracia (!)
Hay un marcado resentimiento de un grupo social y de varias personas que quieren pertenecer a él, es un odio casi visceral; hacía tanto tiempo que no veía cargas semánticas racistas tan fuertes; muchos psicoanalistas van a tener un interesante campo de estudio en esta violenta sociedad que se ha ido formando en los últimos 20 años. En realidad, la brecha económica en nuestro país se ha mudado a todos los campos, peligrosamente, reitero, peligrosamente. Peor aún, los medios y las instituciones que deberían invocar a la razón política no hacen sino azuzarla con algunas proyecciones que quizá no hayan medido (¿o sí?).  Y el resentimiento no tiene razón: el ex portavoz del grupo que defiende cierta forma de pensar , Mario Vargas Llosa, de pronto ha caído en la desgracia ya que él quería ser coherente en su pensamiento, en una nación en la que la coherencia ha perdido su rumbo. Lo enlodan e, incluso, lo contraponen a un literato de medio pelo como puede ser Jaime Bayly. Personalmente, MVLL no me simpatiza, pero su acto dignifica a nuestra sociedad que quiere borrar todo el pasado de un gobierno que hizo todo lo que están achacando a Ollanta: quedarse en el poder (Fujimori se quedó casi 11 años si no hubiera sido por los Vladivideos); tirarse abajo la economía (ya nos olvidamos de la recesión del 98-99); cortar la libertad de prensa (esta es la que más risa da, a menos que tengan algún saldo del pasado gravemente pendiente); cortar derechos civiles (¿los tuvimos en esa época, salvo para un grupo de personas?). Mario Vargas Llosa fue maltratado por ese gobierno y como mucha gente que perdió empleos, vio sus ahorros desaparecer en malas gestiones. El entorno que rodea a la candidata permanece y MVLL tiene sus justas dudas (como todos) que tenga la capacidad de gobernar nuestro país, si no es con mano férrea, tiránica, tal como le gustaba (y le gusta) a la gente: una paz de cementerio. Un ejemplo ya lo estamos viendo al despedir a periodistas destacados por no encajar en los planes venideros en un posible gobierno de la candidata. En la nueva forma laboral se entiende, pero despides a un ineficiente, no al que te hizo pasar a ser un emblema de la prensa libre.
Quiero cerrar con la incapacidad: creo que la hemos vivido permanentemente vía virtual. La incapacidad de oír al otro, de tolerar formas divergentes de pensamientos. Una alumna de una clase en la Universidad dijo muy suelta de huesos para qué leemos a Arguedas que es de cholos y serranos; el profesor tuvo el buen tino de aclararle las ideas a esa jovencita, cuyos rasgos físicos la acercaban más al mundo andino que al del soñado "primer mundo". Ella fue, tal vez, una portavoz de esa masa silenciosa de jóvenes que se les ha envenenado la mente con la negación total de lo que somos. Duro trabajo por hacer en la educación.
 Espero que el día 06 de junio, luego de la resaca de las elecciones, los peruanos nos levantemos para restañar las heridas que está causando este intenso periodo. Eso no lo hace ni uno ni el otro candidato, lo tenemos que empezar nosotros. Ojalá podamos.

A LA MADRE TIERRA

22 de abril. Los seres humanos celebramos un día más a la tierra. Esta celebración, como decía Lipovetsky, es para recordar una acción o evento que queda como un acto memorial más que actitud que guíe nuestro quehacer cotidiano. Es cierto, la hipocresía humana conmemora a personas anónimas, héroes que encarnan ideales, o celebraciones simbólicas (religiosas, políticas, sociales, culturales, entre otras), cuyos contenidos han pasado a ser elementos de un museo figurado de voluntades humanas que no somos capaces de realizar. Admiramos a los héroes de la patria por su sacrificio a la colectividad, pero no somos capaces de contribuir con un aporte personal para hacer una mejor sociedad. Exaltamos las figuras religiosas por su compromiso con la humanidad, pero nuestros actos son permanente denigración de la misma. Y ahora venimos con la celebración de la tierra, que como la navidad, se está volviendo más en una actividad lucrativa para algunas instituciones que trabajan en esto (muchos organismos no gubernamentales, por ejemplo), más que liderar una marcha de concientización de la sociedad para generar el cambio. El panorama es claro y difícil, por lo tanto desmoralizador: el ser humano se ha vuelto un ser altamente depredador y destructor de espacios naturales. Es una especie basurera, perturbadora del medio ambiente, agresora de los seres que habitan cualquier espacio natural, incluidos otros congéneres. Es expansiva, exclusiva y no ha sido muy inteligente con el manejo de los recursos que dispone. Nuestro planeta tiene miles de lugares que muestran la acción perniciosa del ser humano en su expansión. Construimos entelequias mentales para asegurar el aprovechamiento de recursos naturales que no están en nuestro espacio natural inmediato para poder apoderarnos de él; la historia lo ha demostrado y la humanidad ha desarrollado su inteligencia para que en todo nivel sea validada esta posición del poseer a como dé lugar (desde el fisiológico - "razas superiores"- hasta el ético-religioso). El desarrollo del racismo encierra en sus raíces una justificación de la posesión de recursos que muchas veces no se hallaban “al alcance de la mano del hombre”. Interesante es la observación a la que se está llegando en nuestros días debido al abuso de los recursos naturales y la sobrepoblación humana; ya se habla de guerras más cruentas por la posesión de un recurso básico: el agua. En el desarrollo y crecimiento de las múltiples sociedades humanas, el orgullo de la especie se ha fundamentado desde las perspectivas religiosa, filosófica y artística: el hombre es el elegido de dios o de los dioses, o es la maravilla de la creación, o es la medida de todas las cosas. En el desarrollo judeocristiano y en la filosofía occidental, el hombre es la piedra de toque del universo. Quizá la expansión de la comunicación en lo que va del siglo XX y en el actual nos está abriendo un poco los ojos para darnos cuenta que hemos “metido la pata” muchas veces y que los daños son irreversibles, tenemos que cargar con ellos.

Pero, el mundo actual se reviste de hipocresía. La maquinaria de consumo no puede parar, ya que el sistema (como lo concebimos ahora) se ha vuelto la pesadilla necesaria; la humanidad ha caído en el hoyo de la estupidez para obstinarse en pensar que no tenemos otra opción. Nos hemos tornado unos alacranes bípedos inteligentes (?) que en su desesperación por salvarse pica con su aguijón a todo elemento que lo rodea, incluso a él mismo, casi un suicidio involuntario. Somos eso ahora, alacranes. Cuando los grupos de interés promueven estos llamados de consciencia no dejar de tener una carga fuerte de ironía y de conchudez, puesto que quieren lucrar a costa de personas que pueden tener la mejor voluntad, pero no encuentran las forma y/ o las acciones para apoyar esta causa. Así como hubo un Cioran para entender la desgracia humana y que su final inexorable es el suicidio (posición que no comparto), quizá haya necesidad de cierto Cioran para entender que nuestras causas pequeñas no servirán de nada, puesto que apagar una hora las luces del planeta no detendrá el deshielo de los polos, ni la acentuada escasez de agua, ni la desertificación de muchas zonas del planeta. Quizá sea necesario golpear directamente sobre la cabeza del alacrán bípedo para que reaccione. El hombre ha querido sentirse dueño del planeta y del universo (ahora ya lo quiere ser de la luna, pues tengo entendido que hay un tipo que ya declaró la luna como suya y que en caso de lotizarla, habría que hablar con él, algo así como lo que hicierion los conquistadores europeos con nuestras tierras sin preguntar a los dueños anteriores). Todas las ramas de la supra estructura nos dan la razón; el libro principal cristiano, la Biblia, permite al hombre adueñarse de la tierra, hacerla suya. Desde el siglo XV, el hombre comenzó a realizar varios cambios abruptos de su entorno. Cuando Felipe II mandó a tallar casi todos los bosques de España para construir la gran flota para derrotar a Isabel I de Inglaterra, dejó muchas partes de la península como territorio yermo. La explotación minera en América envenenó a miles de indígenas y extensas zonas como en Huancavelica (por la extracción del mercurio); así sucedió también en África y Asia. En nuestras selvas, la deforestación, sea por tala o por implantación de otro cultivo, ha arrasado bosques que contenía flora cuyas características medicinales nunca las llegaremos a conocer. Sea por la plantación de caucho o por construcción de carreteras, así como la extracción de madera, las selvas tropicales de Indonesia, África y América han sido el territorio de explotadores inhumanos que realizaron carnicerías hasta la fecha no del todo denunciadas (de esto se comenta en la novela “El Sueño del Celta” de MVLL, pero también en la obra extraordinaria "El Corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad). Algo de esto se retrata en el film Diamantes de Sangre, el cual lastimosamente se transforma en una intriga política con ribetes de un policial racista y que no llega a dar el mensaje necesario. Otro absurdo fue Avatar, que utilizó de excusa la consciencia ecológica para caer embobados en el 3D y el culto a las armas. Es mucho pedirle al sistema. Así pues, es una muestra del humano en toda su capacidad de "emprendimiento", como ahora se lo llama. Es un eufemismo para callar la vergüenza de la especie.

Recursos, recursos, recursos. A la búsqueda de ellos, así como Mr. Taylor, delicioso cuento de Augusto Monterroso, tiene que sacrificarse a sí mismo para satisfacer el sofisticado mercado de cabezas reducidas. Aquí nos toca a los peruanos un rol difícil que tendremos que jugar pronto. La cuenca costera adolece cada vez más de agua, pese a los grandes proyectos de irrigación que usan el líquido vital para regar plantas para ser consumidas fuera de nuestro ámbito geográfico. La población crece rápido, el agua se torna difícil de hallar y de pronto habrá que tomar decisiones políticas para ver quién la prioridad: el consumo humano (nosotros) o el consumo agrícola de exportación. Quizá seamos los nuevos Mr. Taylor.

¿Cuánto más nos dará la tierra o cuánto le podemos pedir? No hay equilibrio y esto genera graves problemas en los desequilibrados, o sea nosotros. Los ciclos de un espacio ecológico siguen sus procesos y se renuevan, ¿cuál o cuáles son los nuestros? ¿Estamos yendo bien o irremediablemente debemos ser arrasados del planeta? ¿Por qué demoramos en adoptar energías limpias en vez de las contaminantes? ¿O es que las hermanas petroleras todavía no encuentran la forma de adueñarse del sol? ¿Y si lo logran, qué nos pasará? Se habla de la cuenca del Amazonas como de zona estratégica de interés mundial, ¿quién les ha dado esa autoridad para declararlo así? ¿No deberían consultar a los dueños de esos territorios, o sea a nosotros?

Hay tantas preguntas que se me vienen a la cabeza por el día de la tierra. Tantas.

MÚSICA, DANZA, CINE

Las grandes artes logran muchas veces felices consecuciones. Las artes antiguas se nutren de las nuevas a través de propuestas conjuntas que les permiten plantear ideas originales en las que todas se renuevan y crecen. En el caso de la música y danza, son artes antiguas en la humanidad que la han acompañado desde tiempos remotos y que difícilmente han quedado registradas en sus inicios; en el encuentro con el cine, éstas han logrado perennizarse con la ayuda del celuloide en los inicios y en lo digital en la actualidad. Fuera del soporte técnico, lo interesante es cómo han logrado conjugarse estas artes para lograr filmes que pertenecen a un género ya definido en el cine: el musical. Pero esta clasificación contiene varios espectros que a su vez incluyen otros géneros como el Biopic, Drama, entre otros. En algunos casos, la música es la que hace girar la historia, casi una moderna ópera llevada a la pantalla. Tal es el caso de las famosas óperas rock de los años 60 y 70, muchas de las cuales fueron conocidas por su versión fílmica (de relativa calidad), pero que sus melodías se terminaban imponiendo; y estas óperas rock iban acompañadas de grupos de baile que permitían, a través de los happenings “provocados”, conocer las propuestas de la danza moderna culta al baile popular. Así tenemos las de corte religioso como Jesucristo Súper Estrella, la ópera rock El Fantasma de la Ópera (interesante propuesta de Brian de Palma), la ópera rock Cats y la interesante Tommy, film que no fue visto en nuestro país. Pero el musical puro, también, generó propuestas interesantes desde las primeras adecuaciones del sonoro francés, como el film Bajos los techos de París de René Clair. La aparición del sonido supuso todo un cambio en la percepción y utilización del cine, y ante este cambio radical, se recurrió a la música para “salvar las vallas” que tenían que enfrentar. Muchos cineastas vieron el gran potencial que tenían por delante: imagen y música podrían complementarse con el cuerpo en movimiento. Los filmes norteamericanos de los 30 y sobre todo los 40, recurrió a ellos como un interesante entretenimiento, una válida evasión para los años difíciles post recesión económica y los años locos de la segunda guerra mundial; también ayudó a consolidar el star system, tan caro a Hollywood. Así aparecen las estrellas como Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, entre otros; o propuestas interesantes como natación y danza en la nadadora Esther Williams. Atrás de todos ellos había una gran maquinaria musical de compositores, cantantes, coreógrafos, diseñadores que movían “la maquinaria”; Ira Irving, George Gershwin eran nombres conocidos en el mundo musical culto, pero que dieron su talento para componer música para los filmes. Algunos, como Korngold, quien hizo obras maestras de bandas sonoras, terminaron por rechazar esta parte de su vida y renegaron a ese periodo por haber sometido su arte a la maquinaria lucrativa que era (y es) Hollywood. Pese a todo, esta maquinaria se ve incrementada en el momento que entre los premios de la Academia se incluye las categorías de banda sonora, tema musical y música adaptada. Algunos filmes clásicos vistos por nosotros son inconcebibles sin banda sonora o tienen una fuerte recordación con el tema, los que terminan por reforzar su éxito, como el caso de El Padrino, de la mano de Nino Rota.

Para la creación de la danza, el cine también fue un excelente espacio para masificar la danza que sólo se limitaba a un escenario. Los inicios del XX tenemos genios como Isadora Duncan o Maurice Béjart, quienes hacían en esta arte una profunda transformación, socializándola y yendo límites insospechados. La Duncan, con sus ideas socialistas, danzaba en las calles, en sindicatos o en movilizaciones. En los EEUU la aparición del jazz, enriquecido con los espectáculos de bailes pícaros sea en burdeles u otros lugares licenciosos, masifica no sólo la música, sino el baile. Y a esto no puede escapar el cine. Las coreografías sencillas y provocadoras de El Ángel Azul con una sensual Marlene Dietrich, con sus magníficas piernas, abrían el paso a ese campo del cabaret, de la boîte. La ópera se dirigía hacia el canto sencillo, proletario como en La Ópera de los Tres Centavos de Kurt Weill y Bertoldt Brecht. Lo clásico pasa de moda y los artistas toman de la calle lo que iba a ser los nuevos patrones artísticos. Era la herencia que venía desde los “malditos” (Verlaine, Baudelaire, Rimbaud) y es el legado que van a dejarle al Pop Art de los 60. La danza se proletariza y eso le permite experimentar nuevas propuestas. Hacia los 50, los ritmos frenéticos del rock, harán su inclusión en las pantallas y hacia los 60 muchos bailarines van a experimentar con el rock en escenario; así, grupos como Emerson, Lake and Palmer, o Pink Floyd son tomados por diversos grupos de ballet como los de Martha Graham o Pina Bausch para la creación de nuevas propuestas de danzas. El “descartonamiento” de las escuelas nos hacen ver el arte no se “quedó”, sino que buscó nuevas alternativas.


AMOR SIN BARRERAS (WEST SIDE STORY) ROBERT WISE, JEROME ROBBINS (1961) Es una descarnada historia de amor, un Romeo y una Julieta de diferentes etnias, llevada a los suburbios neoyorquinos; una historia rodeada de pandillas juveniles, disputas raciales y excelentes coreografías. Es un clásico del cine y sus melodías han sido entonadas por muchos cantantes, sobre todo tenores, uno de ellos es José Carreras y la soprano Kiri Te Kanawa. Leonard Berstein fundó un género fusionando el jazz y la presencia de todos esos ritmos latinos traídos por los emigrantes a Big Apple. Y a través de las danzas, vemos los fuertes conflictos étnicos que caracterizaron a los Estados Unidos en los 60, los cuales vuelven cada cierto tiempo cuando dicha sociedad entra en crisis, tal como sucede tras el 2008.

HAIR MILOS FORMAN (1979) Quizá una de las películas más emblemáticas del movimiento hippie de los 60. Aunque no llega a ser un gran film, sí es un gran testimonio de este momento de la historia de los Estados Unidos de esa década, la de cambios profundos. Este musical tiene un carácter antibélico, y quiere dar un mensaje de paz y amor en la era de Acuario. Un recluta que va al enrolamiento para ir a Vietnam y se encuentra con una comunidad hippie; una chica de la sociedad neoyorquina conoce al recluta y todo termina por enredarse; el final es un adelanto de lo que sucedió a la sociedad norteamericana que se hastiaba de ver a sus jóvenes regresar mutilados, traumados o muertos. La coreografía es de la gran bailarina y coreógrafa Twyla Tharp.

CABARET BOB FOSSE 1972 Alemania antes de la guerra. Berlín es un hervidero de artistas y es el esplendor de los clubes nocturnos en la capital germana y muchos actores y actrices buscan suerte. Interesante ver a través de los bailes cómo va apareciendo la ideología reinante de la época, la amenaza nazi, la censura velada y luego abierta, la decadencia de un momento. Surge el antisemitismo y una fuerte homofobia en un contexto en el cual había muchas personas con esas características. Alemania va lentamente hacia la hecatombe. Los artistas de la talla de Werner Finck, Friedirch Hollaender, Karl Valentin fueron silenciados y tuvieron que irse del país. El chiste político se volvió peligroso y muchos clubes fueron clausurados; eran espacios en los que la gente, pese al miedo, aplaudía a rabiar a Finck por sus ocurrencias agudas.

LOS PARAGUAS DE CHERBURGO (LES PARAPLUIES DE CHERBURG) JACQUES DEMY 1964 Un entrañable film de los 60, ganador de la Palma de Oro de Cannes. Como si fuese una ópera romántica (a lo Massenet) Michel Legrand escribe esta obra de amor muy sentimental. Una pareja conformada por Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo se juran amor eterno. Él es llamado al servicio militar durante la guerra de Argelia y ella queda embarazada. Las distancias terminan por romper este amor, peor aún cuando la familia de ella se ve en la necesidad imperiosa de encontrar dinero. Así cada uno toma su rumbo y un día en vísperas de navidad, ambos se encuentran en la estación de gasolina de propiedad de Guy (Castelnuovo). Un encuentro fugaz y que significa el cierre del ciclo de amor de ambos.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA (SINGIN´ IN THE RAIN) GENE KELLY, STANLEY DONEN 1952 Una de las obras maestras del género es además un homenaje al cine como tal, en su cambio del mudo al sonoro. Nos ofrece también una de las melodías más bellas hechas para el cine, la que da el título a todo este filme entrañable. La danza nos ofrece toda una lectura para hacernos entender toda la trama. Las partes cómicas son notables por mostrarnos todo ese trauma que fue para los actores de voz poco privilegiada y que cayeron en el olvido. O mostrarnos todas las imperfecciones que eran las primeras grabaciones, toda una obra de titanes. Imaginar, además, que la actriz que tenía la voz hermosa, Debbie Reynolds, no le pertenecía a ella, sino a la misma que hace el rol contrario, Jean Hagen. Ironías de la vida.

ALEXANDER NEVSKY SERGUEI EISENSTEIN 1938 Una de las obras maestras del maestro soviético, fue un film que tuvo problemas en su realización. La endeble paz del gobierno estalinista con la Alemania nazi no permitía que la gente expresase sus divergencias contra ese forzado pacto, producto de la vil repartición de Polonia. La música fue escrita por el gran compositor soviético Serguei Prokofiev y como actor principal Nikolai Cherkasov, a quien muchos conocían como “la voz”. Nevsky es un antiguo héroe de las estepas rusas que defendió la integridad territorial contra los mongoles, los polacos y los caballeros teutones. Esto era una clara alusión a la situación tensa que vivía la Rusia de entonces contra el posible enemigo. Pero tras el ataque alemán de 1941, la película fue rápidamente estrenada y sirvió como un factor de unidad para el pueblo que veía la amenaza nazi sobre la gran madre Rusia. Tiene todo un carácter épico. Grandes obras corales y una impresionante solo para contralto: Campo de la Muerte.

A HARD DAY´S NIGHT RICHARD LESTER 1964 este film británico tiene como principales actores a los integrantes del grupo The Beatles. Se realizó durante el boom de la beatlemanía. Un viaje del grupo para presentarse en Londres se ve amenazado por las hordas de fanáticos que quieren abordarlos. Logran evadirlos, pero da paso a otros sucesos. Filmada casi a lo nouvelle vague (Richard Lester fue uno de los grandes del free cinema), es una comedia irónica, casi psicodélica, con espontaneidad en la pantalla, que muestra errores de filmación intencionalmente. Y las canciones todas están en el álbum del mismo nombre. Vale destacar “And I love her”, “she loves you” entre todas.

SOMBRERO DE COPA (TOP HAT) MARK SANDRICH 1935 La obra maestra de Fred Astaire y Ginger Rogers Una gran muestra del tap que impusieron en los años 30. Jerry llega a Londres para hacer un espectáculo, allí conoce de manera accidentada a Dale, Jerry va a tratar de captar su amor y las danzas y melodías van a apuntar a eso. La música es de Irving Berlin y la melodía “cheek to cheek” (mejilla a mejilla) se convirtió en todo un clásico de la canción romántica. Obra de satín, seda, danza y romance.

OZU, MIZOGUCHI, GRANDES MAESTROS

Ironías tristes de la vida. Los terremotos han marcado permanentemente la vida de los japoneses. El gran sismo del primer día de setiembre de 1923 que destruyó a la ciudad de Tokio y que provocó la muerte de más de ciento veinte mil personas, originó grandes cambios en la vida social y cultural. Uno de estos cambios concierne directamente al cine, puesto que van a potenciar grandes estudios fuera de la ciudad de Tokio, estudios en los cuales se van a producir filmes de diversa calidad y género a tal nivel que harán del Japón el país de mayor producción cinematográfica por esos años.


Pero debemos remontarnos un poco más, a los años finales del siglo XIX. La violenta apertura del gobierno y sociedad japoneses va a tener como respuesta una activa campaña de “asimilación” de la cultura y tecnología occidentales, momento decisivo que ha sido retratado en sus artes y que marcaron definitivamente al Japón de hoy. La desaparición de los endogámicos shogunatos dan inicio a la era Meiji, una era acorde con el expansionismo occidental. Japón asumió el embate y comenzó a recibir todos los aparatos que iban poblando la vida cotidiana de los europeos y norteamericanos. Uno de ellos fue el cinematógrafo. Uno de nuestros maestros, Mizoguchi, fue un intenso productor de cine mudo y que, gracias a su genialidad, va a aportar algunos cambios al cine japonés como iremos viendo. La creación de grandes estudios va a ser promovida luego del gran sismo del 23, descentralizando la producción en otras ciudades como Kioto u Osaka. Ese periodo va a generar dos vertientes marcadas, una social, ligada a la expansión de las ideas izquierdistas del momento; otra ligada al crecimiento de un movimiento nacionalista militarista que va a concluir tristemente en una aventura expansionista truncada como pináculo con dos bombas atómicas en dos de sus ciudades industriales. Luego, la ocupación norteamericana va a replantear el cine nipón y va a ingresar por la puerta grande cuando una obra maestra de Akira Kurosawa fue premiada en el Festival de Venecia de 1956: Rashomon.

Este es el marco histórico que envuelve a nuestros maestros.

En el caso de Mizoguchi, un autor de vida marcada por estos drásticos momentos, más los intensos y dolorosos conflictos familiares y personales, lo van a hacer un cineasta que se va a preocupar por retratar los drásticos cambios que vive sociedad japonesa, así como la delicada situación que viven las mujeres en dicha sociedad. Desde muy joven tuvo una marcada inclinación artística y tuvo que lidiar con un padre intolerante que rechazaba cualquier intención de su hijo en sus opciones de vida. En el antiguo Japón había ciertos trabajos que se consideraban deshonrosos, sobre todo los ligados al mundo moderno. El interés de Mizoguchi por querer trabajar en el cine era una acción deshonrosa tanto para él como para la familia. La crisis familiar había obligado a su padre a vender a su hija al mundo de la Geisha. La hermana mayor de Mizoguchi, con siete años de diferencia, va a marcar definitivamente en su vida, y va a ser uno de sus más marcados leit motiv de su cinematografía. Muchas de sus ochenta y cinco películas (de las cuales sólo le sobreviven treinta y una) tratan de ese tema, e incluso una de sus obras maestras nos muestra el mundo dolorosa de la mujer marcada. Tuvo una vida bastante azarosa viéndose, incluso, envuelto en un escándalo con una amante que casi termina en una muerte prematura. No sólo las heridas físicas en la espalda de las cuchilladas lo van a marcar, sino que su carácter va a verse transformado en un nuevo director. Todo esto sucede en 1925, Mizoguchi se convierte en el director que vamos a conocer como maestro, exigente, detallista, muchas veces caprichoso, pero que supo captar de su personal lo mejor que éste le pudo ofrecer en los rodajes en los cuales se involucraron. Cuidadoso de la reconstrucción de una época, pidió a todos los integrantes de su equipo conocer los detalles de la coyuntura que se representaba. Antonio Santos, en su obra biográfica, nos comenta sobre la “volatilidad” de compromiso que nuestro director tuvo en cuanto a su compromiso con su arte; en cierta manera, fue adecuándose a las circunstancias sociales, culturales y políticas que le toco vivir; y, pese a que colaboró e incluso filmó una película que exaltaba el carácter belicista del gobierno japonés durante su periodo de trabajo con la Compañía Nikkatsu, los vencedores norteamericanos lo nombraron presidente de la empresa Shochiku. Este último periodo de su vida, va a crear obras maestras hasta su muerte acaecida el 24 de agosto de 1956, vencido por la leucemia.

La vida de Ozu fue también bastante agitada. Luchó en la China (en la zona de Manchuria entre 1937 y 1939 antes la segunda guerra mundial) y fue capturado en Singapur, lugar al cual había sido destinado para colaborar con el departamento de propaganda de su ejército. Pasó seis meses en prisión y tras su liberación retornó plenamente al mundo del cine en 1947. Es considerado el director “más japonés” (frente a Kurosawa, quien era considerado el más occidental de todos los directores nipones) y en su obra se preocupó por ese choque que significó el mundo occidental con el Japón tradicional. Sus filmes nos hablan de esos duros encuentros que significó sobre todo para los adultos. Su técnica en el trabajo de cámara fue lo que más impactó en su cinematografía, pues filmaba sus personajes y escenas a la altura de una persona sentada la usanza japonesa, casi en el suelo; el uso tendía a ser discreto con planos medios y generales, y las perspectivas podrían partir de un muro, una columna o una mesa, total discreción para no perturbar el desarrollo del drama que “corría” delante de nosotros. La obra de Ozu es tardíamente conocida, puesto que muchas personas veían su producción fílmica poco alcanzable al gusto occidental, por tal motivo su obra fue poco o nada difundida en Occidente y sólo en los 70, una década después de su muerte (murió de cáncer en 1963) Ozu fue descubierto por los ojos europeos y norteamericanos. Ambos directores, con Kurosawa, dominaron el panorama del cine nipón en los años 50 hasta los 60. Pero hubo otros directores que dieron una vitalidad especial a esta escuela oriental que no deja de sorprender hasta nuestro día con maestros como Kitano o Imamura, o el gran Hayao Miyazaki.

LA VIDA DE OHARU (SAIKAKU ICHIDAI ONNA) KENJI MIZOGUCHI JAPÓN 1952 Contundente y sorprendente película sobre el estudio de una geisha y su sufrida vida durante el siglo XVII, en un Japón aún medieval y en el que la estratificación social era prácticamente inamovible; en una sociedad tan rígida y machista, la mujer tenía escasos o nulos derechos en las decisiones que ella tomase para su vida. La costumbre de vender a las hijas ha estado tan extendida en nuestras sociedades que es así cómo podemos entender el sentido de las razones por las cuales el padre de la novia daba al novio no solo la virginidad intacta de su hija (a través del vestido blanco), sino que además pagaba los gastos de la fiesta de la boda, más una dote que le permitiera en un principio mantener a la nueva unión, sobre todo a la novia. Los matrimonios arreglados, las ventas de hijos e hijas, eran muy frecuentes. Siendo muy joven, nuestro director fue un testigo impotente de la venta de su hermana mayor, Suzu, para convertirse en geisha; esto nos permite entender esta franca y dolorosa película de una mujer, hija de un mercader, que intentó ser libre en el amor y caer en lo más bajo de estratificación social, solo apreciada por su cuerpo.

TOKIO MONOGATARI (CUENTOS DE TOKIO) YASUJIRO OZU JAPÓN 1953 Este es uno de los mejores filmes de Ozu, una narración sencilla de una pareja de ancianos, que decide ir de visita a Tokio para ver a su hija mayor. Una serie de acontecimientos desagradables los impulsa a regresar, pero en el trayecto la esposa muere. El anciano tiene que enfrentar la soledad y surgen diversas propuestas. Este sencillo film es un extraordinario ejemplo de simplicidad y observación, involucrando a nosotros, los espectadores, como participantes de las historias al poner las cámaras a la altura de una persona sentada a la mesa, técnica muy recurrente de nuestro maestro, donde se desarrollan los diálogos o encuentros. Un film que muestra no sólo los choques generacionales, sino los culturales que agobiarán a Japón por muchas décadas. Estos choques han de originar algunos movimientos conservadores que proponían un retorno a las viejas tradiciones. Uno de estos fue el famoso escritor Yukio Mishima.


UGETSU MONOGATARI (CUENTOS DE LA LUNA PÁLIDA) KENJI MIZOGUCHI 1953 Una de las obras maestras que abrieron el occidente para el cine nipón. Está basada en una leyenda homónima del siglo XVI, obra de Akenari Ueda. La obra se centra en dos parejas de las cuales los varones deciden buscar el amor, la fortuna y el poder. Las mujeres abandonadas corre cada una de ellas una triste suerte entre la prostitución y la muerte, suerte que es desconocida por los díscolos maridos que se vieron de pronto arrastrados por la locura de las guerras civiles que asolaban la zona. La obra de por sí es redonda, bella, poética; un film con fantasmas que acompañan a los vivos, con lagos brumosos; pero hubo una propuesta que quizá hubiera ensombrecido esta obra maestra: el fin tiene una suerte de redención para ambos hombres, pero habían sugerido que ésta termine con un final más real, mostrando las miserias del hombre en su lujuria, ambición y podredumbre moral. Quizá hubiera tenido más éxito, tal como el mundo es.

SANMA NO AJI (EL SABOR DEL SAKÉ) YASUJIRO OZU 1962 Otro bello film de Ozu, que nos muestra la triste realidad de la vejez que tiene que enfrentarse a la soledad y el abandono. Un hombre viudo ve a su hija en edad casamentera y le propone que se case sabiendo que esta situación conllevará al abandono. Ozu es un maestro que desnuda las emociones más profundas, pero cotidianas de los hombres. Sus filmes no son complicados, son sencillos. Esa sencillez termina por demolernos; en este caso, es lo que puede suceder en nuestros hogares: el hombre viejo viendo que se le acerca la soledad se refugia en el alcohol.




Bibliografía:

JAPANESE CINEMA. Galbraith, Stuart; Duncan, Paul. Taschen, 2009

LAS 100 MEJORES PELÍCULAS. Kobal, John. Alianza Editorial. 1995.

MIZOGUCHI, KENJI. Santos, Antonio. Cátedra.1993.

LA BEAUTÉ DE TOULOUSE

Si alguna ciudad siempre me llamó la atención por los elementos que la vinculaban era Toulouse. La evocaba mucho por el gran pintor que la lleva en su apellido, Henri de Toulouse - Lautrec, de origen noble y vinculado a esta zona, a Midi-Pyrénées (aunque el museo más bello de su obra se halla en Albi, sobre todo la exposición de sus notables afiches), luego, ya en el mundo de la música, siempre había escuchado de la orquesta del Capitolio de Toulouse, famoso por hacer interesantes representaciones operísticas, con un buen director como Michel Plasson, y es con la Ópera de París, los principales cultores de la cultura musical francesa (aunque también está el nuevo y bello local de la Ópera de Lyon).

Llegamos con Isabel un sábado lluvioso por una visita de horas a Toulouse, dejamos el auto en el estacionamiento de un súper mercado y de allí tomamos el metro, cómodo y rápido (algún día lo tendremos). Lo interesante es que las estaciones eran nombradas en occitano y francés. El occitano se escuchaba tan cerca al castellano, como al catalán. Históricamente esta zona rica en agricultura y en lo social y cultural, fue codiciada por muchos; en su espacio geográfico se desarrollaron los cátaros, los cuales fueron tratados como herejes y prácticamente destruidos durante la campaña de la cruzada albigense (por lo de la ciudad de Albi, donde está una bella iglesia que tiene murales que muestran esa triste masacre). Inocencio III y los reyes Capetos ambicionaron sus riquezas y tierras. Según la historia, (y depende cómo se la vea), fue la oportunidad de Francia de anexionarse estas tierras "eternamente". Y por todo el territorio ve trazos de los "Perfectos", "les parfaits". Una de mis metas es ir a Carcassone y Montségur, los monumentos cátaros por excelencia. El Conde de Toulouse, Raymond VI,  jugó un papel importante y su ciudad fue asediada entre 1217 al 19. Hace mucho tiempo ya.
En la ciudad hay mucha historia, llegamos por el capitolio hacia la plaza principal y de ahí, siempre guiado por Isabel, nos fuimos a Nuestra Señora de Taur, en homenaje a San Saturnino, cuya tumba estuvo en este lugar y después trasladado a la otra inmensa y bella iglesia: Saint Sernin. Taur viene de toro, animal que fue empleado para matar a Saturnino, uno de los primeros obispo de la ciudad, quien fue sentenciado a muerte por no haber hecho los sacrificios a los dioses. Saturnino fue atado al toro, quien fue picado y corrió con el cuerpo del santo hasta destrozarlo. Según dice la historia popular, la calle que une San Sernin y la plaza (Rue de Taur) fue la que transitó el toro. La iglesia es del siglo XIV, construcción posterior a una obra paleocristiana. La iglesia tiene detalles por todas partes de toros, recordando la muerte del santo. Lo malo es la penumbra en la que se les ve ahora. En realidad, lo hacen para que la luz artificial no dañe las pinturas o murales. Pero también está en el hecho de que los inviernos son oscuros y, pese a los vitrales colocados posteriormente, la luz es insuficiente. Peor en un  día lluvioso.

Sin embargo, pronto vería una recompensa. Antes de ir a un bello lugar, Isabel me dijo para ir a almorzar a un sitio simpático; en la parte superior del mercado principal se encuentran muchos restaurantes de pescado y otras delicatessen. Nos indicaron uno de los mejores, gracias a los datos de la nuera de Isabel, quien le indicó por teléfono. Y era cierto, comida extraordinaria, buen vino, langostinos, sopas de pescado y queso al estilo fondu, un plato fuerte a base de pescado en hierbas, mucho pan y quesos; luego un mousse de chocolate y un café para seguir adelante. En el trayecto a Saint Sernin, entramos a una pequeña librería y hallé una joya: Astérix en occitano. Lugar que voy de lengua variada, trato de hallar la versión de este cómic en lengua vernacular: ya lo tengo, fuera del francés y castellano obviamente, en alemán, hebreo, catalán, portugués, holandés, sueco, danés, húngaro, griego, inglés y hasta en latín, que lo conseguí en Alemania. Pero seguiré en mi búsqueda por más. Desde la librería hasta a Saint Sernin eran unos pasos, y me hallé con esta impresionante iglesia. Lo que uno ve de primera impresión es la torre campanario octogonal de 65 metros, en ladrillo. Ingresas a la iglesia y su distribución es como la de una cruz románica. Alta, amplia e iluminada por luz natural. Y luego quedaba visitar la cripta, en la que esta iglesia encierra sus tesoros. Tiene una interesante galería que tiene unos pequeños altares de "todos los santos" y que rodean posteriormente al altar mayor de la iglesia. Después de la visita a la cripta, decidimos salir por la "puerta principal", la cual no tiene torres principales y su portada es relativamente humilde en comparación con lo que uno halla en el interior. Allí me sucedió un percance: por ir con la cobertura abierta de mi cámara, una de las memorias de mi cámara se cayó descuidadamente. Felizmente uno de los encargados la había guardado y la pude recuperar cuando ya había dado todo por perdido.

La visita breve a Toulouse iba a terminar con una "cerecita": el convento de los Jacobinos, de creación dominica. Santo Domingo estuvo y predicó en esta ciudad, donde fundará su congregación. Esta congregación ayudará a crear la universidad regida por ellos. Esta iglesia tiene unos bellos vitrales que dan una sensación  de paz y tranquilidad; en muchos aspectos, salvando tiempo y estilos me hizo recordar a los vitrales de Chagall en Zúrich o la Iglesia de la Dormición de la Virgen en Jerusalén, lugares en los que la luz filtrada por los vitrales te dan una sensación especial. Un poco, aunque bastante descuido, lo viví en una iglesia de Paita en Piura, que tiene unos bellos vitrales de Winthernitz.
Lo único que faltaba era ver esa bello claustro románico que esta iglesia tiene en su haber. Una belleza.
Lleno de arquitectura e historia, teníamos que irnos de Toulouse, pues teníamos un buen trecho hasta Graulhet para ir a ver los hermanos de Isabel y. luego, ir al concierto de Paco Ibáñez.
Un día redondo.