50 AÑOS DE NOUVELLE VAGUE

À sa façon, Godard déclare la guerre à l´univers sensible.
Dans le même temps, toute une generation, nourrie d´extrêmes,
entame sa monté au ciel.
BERNAD RAPP, JEAN-CLAUDE LAMY, DICTIONNAIRE DES FILMS


LA NOUVELLE VAGUE: 50 AÑOS

Quizá uno de los periodos más ricos e intensos vividos en las últimas décadas corresponde al periodo entre los años 60 y 70, periodo que ha de marcar nuestra contemporaneidad y los nuevos cambios sociológicos de los cuales ahora somos partícipes. Durante aquel lapso se suscitaron en el mundo fuertes cambios sociales, políticos, y obviamente culturales. El mundo de los 50 venía influido por la sombra de la Segunda Guerra Mundial y el nuevo equilibrio de fuerzas que se va a llamar LA GUERRA FRÍA, periodo en que las grandes potencias dispersaban un conflicto frontal a través de conflictos regionales que se había iniciado con la casi guerra civil en Grecia y trasladado luego a Corea. El mundo estaba dicotomizado, polarizado. Hacia los inicios de los 60 ya se hablaba de un Tercer Mundo emergente con nuevos líderes que ofrecían alternativas a los dos mundos más desarrollados; este grupo va a estar liderado por Tito de Yugoslavia, Sukarno de Indonesia y Nasser de Egipto.
Europa era el continente que más situaciones dramáticas había sufrido durante la II Guerra Mundial, azotada por bombardeos. Durante la posterior reconstrucción de los países europeos ven cómo una a una de sus colonias va independizándose por las buenas o por las malas de su yugo colonial. Casi toda África tiene un solo puño levantado y la violencia de las colonias también se trasladó a varias ciudades europeas, sobre todo en Francia. Así como Gran Bretaña va perdiendo mucho territorio de ultramar, lo mismo acontece con Francia sobre todo con la pérdida de colonias como Indochina y Argelia; la violencia independentista en esta última va a golpear algunas ciudades grandes francesas con las consiguientes repercusiones revanchistas. Algunas de las acciones realizadas en contra de los independistas fueron denunciadas en algunos filmes como LA BATALLA DE ARGEL, la cual fue censurada por muchos años en la comunidad gala.

Los cambios generados en la sociedad europea van a repercutir en el orden social regente en ese entonces. La reconstrucción se hace bajo una rígida estructuración de la sociedad francesa, postergando algunos cambios generacionales en pro del “bien común”. Esta situación se va a tornar insostenible entre los jóvenes y en los 60 todo iba lentamente apuntando hacia un cambio drástico de la sociedad: mayo del 68.

El arte en general recibe los fuertes cambios de una sociedad que va hacia revoluciones cortas y drásticas (como el Mayo del 68) y comienza a verse a sí mismo; el arte se vuelve una suerte de ventana para poder comprender mejor lo que va sucediendo en el entorno de cada hombre o mujer. Además se genera una rica intelectualización que va a permitir cierta racionalización de los movimientos que se gestan por ese entonces. Hay una fuerte admiración y difusión de las ideas maoístas en desmedro de la ideología del soviet luego de la tumultuosa invasión a Hungría.

El cine va a experimentar un cambio rotundo y contestatario frente a los movimientos que iban surgiendo. El cine de Hollywood es visto de otra manera, con animadversión e, incluso, rechazo. Ya no es necesario grandes escenarios sino ver cosas más cotidianas y sencillas (quizá por el impacto del neorrealismo italiano, pero en otro contexto) que expresen de manera más veraz los convulsos cambios que se van operando en esas sociedades como ya lo iba describiendo Marcuse en su libro “El Hombre Unidimensional”. La tendencia a la homogenización de la sociedad encuentra una respuesta insospechada en el cine experimental francés y que va a teñir las otras cinematografías del continente. Este movimiento va a llevar por nombre Nouvelle Vague y éste va a ser seguido por sus propuestas e ideas por los cineastas de ambos lados del continente, la Europa del Este y del Oeste con extraordinarios resultados. El cine ya no es dictado por los estudios cinematográficos ni por los productores, y surge el famoso “cine de autor” con el cual se sistematiza el “cine de ideas” en el cual (herencia de los conceptos de BRECHT y MAO) lo importante es priorizar el concepto más que el sentimiento. Un puñado de gente ligada al cine, encabezado por GODARD y TRUFFAUT, formó un nuevo movimiento en torno a una revista de crítica cinematográfica (CAHIERS DE CINÉMA) agudamente dirigida por el gran ANDRÉ BAZIN. Esta revista va a ser el corazón del movimiento. Las primeras manifestaciones se dan con algunas películas de ALEXANDER ASTRUC y AGNÈS VARDA, pero la que va a marcar el hito va a ser LOS CUATROCIENTOS GOLPES en 1959, hace 50 años. La “legitimización” de este movimiento va a venir con la premiación de dicha película en el Festival de Cannes de dicho año. Posteriormente, años después, en pleno 68, va a ser un grupo de seguidores de ese movimiento quien va a exigir a la gente de Cannes adoptar una actitud de protesta y logran que ese año no haya festival.
Años después este gran movimiento en el cual se incluye a ERIC ROHMER, JEAN PIERRE MELVILLE, CLAUDE CHABROL va en cierta manera a disgregarse, pero ese fundamento del “cine de autor” los va a marcar para toda la vida, incluso algunos hasta su muerte.

La participación de este movimiento es los eventos de Mayo del 68 va a ser decisivo; la “renuncia” de HENRY LANGLOIS de la Cinemathèque por parte del Ministro de Cultura francés, ANDRÉ MALRAUX va a ser el detonante de la revuelta universitaria. GODARD quería registrar todo y lanza manifiestos y panfletos que plantean un nuevo cine frente a la decadencia del cine burgués. Francia estaba “patas arriba”. El cine va a tener una alta carga política que va a desequilibrar a la sociedad francesa y mundial en general. Décadas después algunos cineastas van a retomar este paraje intenso que vivió Francia y sus artes, sobre todo en el cine y toman como referencia el incidente de la destitución de Langlois de la Cinemateca. Dos de estos filmes son SOÑADORES de Bernardo Bertolucci y LOS AMANTES REGULARES de Phillipe Garrel.

Luego de 50 años, queremos rendir un pequeño homenaje a este puñado de hombres y mujeres a través de dos de los directores más simbólicos como son GODARD y TRUFFAUT para entender los cambios sustanciales que generaron esta impresionante propuesta para el cine mundial, del cual bebieron todos los cines del Tercer Mundo sobre todo (ver Sanjinés en Bolivia o el Cinema Nôvo de Brasil)


LES QUATRE CENTS COUPS (LOS CUATROCIENTOS GOLPES) (1959) Este notable filme de François Truffaut puede ser considerado el hito de la Nouvelle Vague y desde ya es todo un clásico. Truffaut descubre a un actor fetiche con el cual va a continuar su extensa filmografía, Jean-Pierre Léaud, quien encarna al niño Antoine Doinel; este niño es maltratado y se vuelve cómplice en un hogar conflictivo al ser testigo de relaciones extramatrimoniales. Una sanción lo hace huir hacia lo desconocido. Es uno de los más entrañables filmes de nuestro director, quien siempre gustó de trabajar con los niños y su mundo; en esta película, ese mundo no es nada grato y nuestro pequeño héroe es un ser desterrado, rechazado y obligado a buscarse un sitio en este mundo totalmente solo. La mirada final hacia la cámara sintetiza la soledad de toda una generación y pone las semillas de un proceso contestatario.

À BOUT DE SOUFFLE (AL FINAL DE LA ESCAPADA) (1960) con este filme Jean Luc Godard da un vuelco a la concepción del cine. Una sencilla historia de marginales se vuelve toda una propuesta cinematográfica, como haber cortado trozos de realidad y haberlos ensamblado en la dinámica de la imagen. Fue hecho en casi un mes y es la síntesis de la búsqueda hecha por diversos cineastas de los 50, como Melville, Franju y Bresson, marcada con un fuerte dinamismo y perturbadora que ha de afectar a sus principales actores: Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. Todo es fortuito, como muchas cosas de la vida.

JULES ET JIM (UNA MUJER PARA DOS) (1961) Uno de los más bellos filmes de Truffaut y una de las obras maestras de la cinematografía francesa, historia tomada de la novela de Henri-Pierre Roché, es una muestra de amor y lealtad; todo se inicia en París a inicios del Siglo XX. Jules (OSKAR WERNER) es alemán y gran amigo del francés Jim (HENRI SERRE); aparece una bella mujer en sus escenarios, Catherine (JEANNE MOREAU), y se casa con Jules; la Gran Guerra aleja a los amigos, pero obliga a Catherine a vivir con Jim; una vez concluida la guerra, se reencuentran y ella retorna a Jules. Cuando, Jim va a casarse, se toma una drástica decisión. Una bella historia de amor y amistad.

VIVRE SA VIE (VIVIR SU VIDA) (1962) Esta es una de las mejores películas de Godard, uno de los grandes maestros de la nouvelle vague francesa, con una de sus actrices fetiches como lo fue Anna Karina (trabaja en otras de él como ALPHAVILLE o BAND À PART). La vida para Nana es difícil y su sueldo como vendedora no le alcanza por lo que se ve en la necesidad de prostituirse, busca la protección de un proxeneta. Su vida se va a convertir en una mercancía para su desalmado explotador, quien no duda en venderla a su rival. Su vida no vale nada. Es una historia sencilla, tenebrosa, rodada en las calles de París. Hay toda una secuencia presentada en negativo.

BAND À PART (BANDA APARTE) (1964) Este es uno de los filmes más interesantes personal y testimonial de Godard. Muchos ven en la película la reflexión sobre la creatividad del autor frente a los hechos y el hecho de acometer una empresa con el riesgo del fracaso pero reconociendo el intento. Es una comedia negra policial de dos hampones que se vinculan con una chica que trabaja en casa de una mujer madura solitaria adinerada. Organizan el plan, pero todo da indicios de su fracaso. Evoca muchas escenas de À BOUT DE SOUFFLE y muchas escenas fueron tomadas por Bertolucci para hacer su film SOÑADORES.

SIMPATHY FOR THE DEVIL – ONE PLUS ONE - (SIMPATÍA POR EL DIABLO) (1968) El año de la realización de este film lo dice todo: Godard hace un documental de uno de los grupos de rock más simbólicos de los 60: THE ROLLING STONES. En pocas líneas, sería la grabación ininterrumpida de esta famosa canción de los Stones, pero a su vez vemos situaciones que se van sucediendo tanto internamente en el grupo (la ya marcada separación y ausencia del famoso músico Brian Jones de la banda, quien fallecería al año siguiente), así como el eventos sociales de ese convulsionado año; hay momentos en que entrevista a líderes de las famosas PANTERAS NEGRAS (BLACK PANTHERS), a quienes recordamos por su famosa lideresa ANGELA DAVIS. En realidad es un film de alto contenido político que exigió a Godard hacer nuevas búsquedas del cine comprometido. El film se proyectará en inglés con subtítulos en francés.

Nota: más información sobre filmes influidos por la Nouvelle Vague se pueden hallar en el texto ALGO SOBRE LA NOUVELLE VAGUE

STANLEY KUBRICK

"Su indisciplinado comportamiento y desmedida exageración
Encontraron en Kubrick la exigente barrera del férreo director”
JACK NICHOLSON, NO DESPIERTEN LA BESTIA, JIMMY ENTRAIGÜES
NOSFERATU, No 27


THE BOY FROM THE BRONX: STANLEY KUBRICK

Al hablar de cine como arte, así como cualquier arte mayor, debe uno referirse a hitos que marcan pautas importantes en el desarrollo de dicho arte, tanto en lo técnico como en las propuestas dadas por un maestro. El cine ha visto desde su creación una variada pléyade de dichos maestros que elevaron la cinematografía a la categoría de arte mayor. Y uno de esos grandes maestros es STANLEY KUBRICK. Nació en Nueva York en 1928 y sus padres alimentaron la genialidad de Stanley desde pequeño. Su padre el enseñó el juego que ha de marcar su vida y obra: el ajedrez. Las estrategias cuidadosas empleadas en el llamado juego ciencia van a ser llevadas al trabajo y vida cotidiana que nuestro maestro va a tener hasta el día de su muerte. De su madre va a adquirir uno de los más bellos hábitos que han de ser su permanente fuente de creatividad: la lectura. El ajedrez le va a marcar ese espíritu reflexivo que lo acompañará su obsesión, de la cual actores, la gente ligada al cine y su familia la van a sufrir. Además utilizaba este juego para establecer sólidos vínculos con la gente que le interesaba; así, pues, se hizo gran amigo de Nabokov, otro gran apasionado del tablero; así como George Scott, con quien sostenía encarnizadas partidas. Su genio le fue permitiendo crear cierta independencia frente a los caprichos de los productores, algunos de los cuales le dieron la espalda en algunos de sus osados proyectos cinematográficos y de cuya acción posteriormente se arrepentirían. Desde el colegio mostró interés por aquello que lo iba a apasionar durante toda su vida: la imagen. Esta pasión lo va a llevar a trabajar en primera instancia como fotógrafo para la revisa LOOK, trabajo que hizo con cierta fama y reconocimiento en el mundo del periodismo neoyorquino. En el documental “STANLEY KUBRICK, IMÁGENES DE UNA VIDA” del director Jan Harlan, muchos de sus amigos de colegio en el Bronx recordaban su capacidad para “dirigir” a sus compañeros de clases en el trabajo por parte de ellos en sus tareas escolares; contaba uno de ellos que al sentirse manipulado por el maestro, el compañero de clase le increpaba el hecho de no cumplir con sus tareas: él, suelto de huesos, le respondía que ésta no le era de su interés. Quizá esta suerte de manía de manipular se va a reflejar en su tiránica dirección. Cuentan que en su obra maestra, 2001, su obsesión por los detalles rayaba con la locura y mantenía en tensión a todo el grupo de trabajo: nadie escapaba a su espíritu detallista y estaba en todas; en la fotografía, escenografía, iluminación, trabajo de cámaras, dirección de actores, sonido, música (hay que recordar que nuestro maestro hizo la más feliz combinación de la música culta- mal llamada clásica- con el cine como nadie lo ha hecho), etc. Vale la pena destacar que esa obsesión se trasladaba a esa búsqueda minuciosa técnica que le permitió ir mejorando incluso sistemas y aparatos de filmación. Su detallismo va a llegar a respetar las posibilidades tanto de la imagen y su entorno como de los recursos técnicos que disponía; en otras palabras, le “sacaba el jugo” a todo lo que tenía en su película; exploraba una cámara filmadora para ver hasta dónde llegaba su capacidad y luego experimentaba. Es por eso que 2001 es también todo un giro en la exploración de los recursos técnicos y los efectos especiales.

Pero era un devorador de libros, muchos de los cuales se han de convertir más tarde en sus películas (caso LOLITA, BARRY LINDON, 2001, RESPLANDOR, NARANJA MECÁNICA) e incluso tuvo algunos proyectos frustrados como el caso de la biografía de NAPOLEÓN, sueño que nunca logró realizar. Sus obras siempre fueron polémicas (¿qué genio no lo es?) y varias de ellas tuvieron censuras de todo tipo: políticas, sociales o religiosas. Su mano era prodigiosa para, en cierta manera, generar rentabilidad en aquellos que apostaron por él y se conoce un único caso en que nuestro maestro sometió su genialidad a los burdos criterios mercantilistas de las sanguijuelas de Hollywood: ESPARTACO (pese a todo, es digerible). Ante este impase con los mercachifles del arte, se alejó de su Nueva York querida (casi como Woody Allen, otro maestro que siempre guardó profundo respeto por el genio) y se instaló en Inglaterra, país en el que hará el resto de su producción maestra, salvo la última, que quedará como su testamento de su patrimonio artístico cinematográfico.

El maestro nos dejó un 7 de marzo de 1999. Una década para rendirle justos homenajes.

KILLER´S KISS (EL BESO DEL ASESINO) (1954) Este es su segundo largometraje y fue realizado en precarias condiciones económicas (al igual que la primera). En su realización, participó casi en todo: fotografía, guión, montaje. Muchos quizá critican este hecho, ya que su participación en los diferentes rubros de la filmación no se debió a su obsesión, sino a su escasez de recursos económicos. Pero, pese a todo, hay un excelente trabajo de iluminación y fotografía, tópicos que él había trabajado de manera profesional en el periodismo. Pero su aún inmaduro trabajo de actores y guión sostenible la hacen ver como una película de categoría B. Derecho de piso le llaman.

THE KILLING (CASTA DE MALDITOS) (1956) Este es un film policial sorprendente que ya nos muestra la genialidad de nuestro director. Con una gama de personajes bizarros, forman una pandilla de perdedores que aspiran a realizar el atraco de su vida. Esta temática ha sido retomada en obras de los noventas (recordemos SOSPECHOSOS COMUNES). En cierta manera es un film fatalista, con todos los visos de un cinema noir, con un puñado de hombres queriendo escapar de un mal hado que los rodea. Aunque no llega a ser del todo una gran obra, chispazos de lo kubrickiano podemos empezar a percibir. Lo prepara para sus obras maestras.

PATHS OF GLORY (LA PATRULLA INFERNAL) (1957) Este film está basado en hechos reales, lo que motivó que sea censurado por el gobierno francés, por el gobierno español (entonces encabezado por el tirano Francisco Franco, quien se dice fue directamente afectado) y por todos los círculos militares norteamericanos. Al igual que la novela LA CIUDAD Y LOS PERROS (que fue quemada y prohibida en los colegios militares peruanos), el halo de prohibición acrecentó la fama de este film. Es una abierta denuncia a la casta militar y su verticalidad, la falsa idea del patriotismo y los excesos que se cometen en cualquier conflicto armado. Muchos ven en este film el delicado y preciso movimiento de piezas de ajedrez para lograr su objetivo, por eso los descarna de cualquier elemento sentimental, el cual sólo hallamos hacia el final de la película. El propósito del film es denunciar y denostar la fría maquinaria del poder y su manipulación de los seres humanos, en este caso, soldados.

LOLITA (1962) inquietante película basada en la no menos polémica obra del mismo nombre del escritor ruso Vladimir Nabokov. LOLITA es un drama sicológico cuyos personajes son connotados por el decorado, escenario y el estilo de vida de vida americano. El desempeño “racionalista” de la narración se ve permanentemente alterado por la irrupción grotesca del personaje encarnado por Peter Sellers, Quilty, (¿Guilty = culpable?) quien gracias a sus intervenciones nos muestra que todo es nada más que un incesante juego de roles y máscaras, los cuales asumimos presionados por el apremiante devenir de la vida, hasta la inexorable muerte en la que acaba nuestro juego. La exuberante interpretación de Sue Lyon como Lolita, la lanzó al estrellato; y un soberbio James Mason en el siempre errático Humbert. No hay que olvidar que la novela fue todo un escándalo para la puritana sociedad norteamericana y la iglesia católica de Norteamérica la censuró fuertemente (incluso, se dice, tuvo injerencia en la filmación de algunas escenas o en la edición). Su “reconciliación” con la iglesia va a venir con 2001, la cual va a ser premiada por la curia por ser una justa interpretación de la génesis de la humanidad. Tiempos del Concilio Vaticano II.

A CLOCKWORK ORANGE (LA NARANJA MECÁNICA) (1971) “Asilado” en Inglaterra en la búsqueda de paz, se enfrasca en un libro de Anthony Burguess y vuelve a causar otra profunda polémica que le valió insultos e imputaciones de una sociedad mecida por los cambios de los 60, ansiosa de globalización, con un sentido impersonal de las relaciones, dentro del mundo de la CIA o KGB. También trabajando con autores como Beethoven o Rossini, hace una crítica mordaz de su sociedad (ya vista en algunos aspectos por Orwell o Huxley) y sus fascinantes y nuevos mecanismos de poder (a los cuales ya hemos llegado actualmente). Extremadamente violenta, con decorados alucinantes, aunque no una obra mayor, es la película más vista y recordada de Kubrick, quizá porque a la larga vamos a ser un poco “hijos” de lo que ésta propone. La actuación de Malcolm MacDowell quedó en la retina y le dio una fama que ya la había logrado con su performance como un rebelde en la película IF.. de otro gran director británico Lindsay Anderson. La sociedad británica se enfureció contra el contenido de esta película e incluso se la culpó de haber provocado desórdenes actitudinales en la juventud inglesa.

BARRY LINDON (1975) es una de las películas más incomprendidas de nuestro director. Luego del fracaso de abordar el tema de Napoleón para hacer una película histórica, Kubrick se centró en este personaje bribón y arribista salido de la pluma de W. M. Thackeray. El trabajo realizado por el maestro es soberbio, sobre todo por el potencial que le dio al trabajar con filmadoras que habían caído en desuso, repotenciando sus lentes para poder hacer tomas tratando de respetar la luz que producían las velas y no hacer un trabajo luminotécnico extra: y el efecto es soberbio. Además se preocupó mucho por retratistas y paisajistas ingleses de la época como Hogarth, como Constable para poder hacer una exquisita reproducción de época, cada escena es una hermosa reproducción gracias al trabajo artesanal que siempre imprimió a su obra.

THE SHINING (EL RESPLANDOR) (1980) Esta película nos acerca al terror, uno de los grandes géneros del cine. Basada en la obra de Stephen King, y evocando esa macabra historia de ciegos en Sobre Héroes y Tumbas de Sábato, una pareja y su pequeño hijo quedan encargados de cuidar un lugar de veraneo durante un crudo invierno. En el laberinto de la mente humana vemos a Jack Torrance, deteriorándose paulatinamente, hasta convertirse en un asesino asumiendo el rol de un celador anterior, Grady, quien había asesinado a su esposa e hijas gemelas. Con sugerente música agobiante, extensos travellings en un inicio que a medida que avanza la película se va reduciendo a espacios cada vez más pequeños hasta quedar encerrados en el baño. Según Shelley Duvall, el trabajo fue extenuante y Jack Nicholson se dejó arrastrar por el carácter que había creado.

FULL METAL JACKET (NACIDO PARA MATAR) (1986) Con este film incursiona nuevamente en el cine bélico, contagiado por la reflexión de la sociedad norteamericana en su participación y fracaso en Vietnam. Para esto contamos con dos diferenciadas partes de la historia: la primera se refiere al reclutamiento y vida de cuartel, donde los reclutas son entrenados para la guerra; ese entrenamiento significa encontrarse en situaciones límites a las cuales no todos están dispuestos a soportar. Este primer bloque termina con una tragedia anunciada. La segunda es la guerra “formal”, los marines en acción. Es el desnudamiento de la naturaleza humana en lo más hondo que pueda hallarse. A diferencia de PATHS OF GLORY, este film no habla de valores militares o patrióticos (si los hubiere, se hallan discretamente aludidos); la idea es sobrevivir. Lo más sorprende es ver a Joker, el personaje presente que ve la barbarie resistiendo para no caer más de lo que ya le ha pasado. Se recomienda ver APOCALYPSIS NOW y COMING HOME para tener una idea redonda de los diablos sociales de los 60 y 70 norteamericanos.

EYES WIDE SHUT (OJOS BIEN CERRADOS) (1999) Este film casi no logra su consecución en manos de nuestro director. Es un estudio de la naturaleza humana, en los pliegues de su sexualidad, sensualidad e imaginación. Una visión soslayada de la pareja que aparenta su felicidad y que especialmente oculta ciertas honduras que se van acumulando en cualquier relación. Interesante es saber que la pareja que trabaja este viaje de sus intimidades es la que formaba TOM CRUISE y NICOLE KIDMAN, quienes llevaban una buena relación de pareja y terminó por derrumbarse. El viaje que ambos experimentan en el film los hace ver cosas de las perversiones que uno piensa no tener. Muchos críticos opinan que es esta una de sus más débiles películas y que quizá su súbita muerte no le permitió concluirla, ya que el final mostrado no muestra la genialidad del maestro. Queda la duda.

ALGUNAS MUESTRAS DEL CINE DEL ASIA

“Gloria a Quien ha creado todas las especies que hace brotar de la tierra,
las que proceden del trabajo del mismo hombre y las que no conocen”
AZORA XXXVI, versículo 36, QURAN

En Fukang tenemos también tranvía – replicó el hijo
con gran asombro de Luna Yen. Grandes cambios debía haber sufrido
la ciudad en la que transcurriera su infancia.
SHANGAI HOTEL, VICKY BAUM


LA VIEJA ASIA, UN MUNDO MARAVILLOSO

Asia: el inicio de todo, el principio del mundo civilizado, cuna de las más antiguas civilizaciones, algunas de las cuales aún perduran como la China y la India. Gran epicentro de las religiones actuales, sean monoteístas o politeístas: por sus extensas tierras caminaron Jesús, Buda, Mahoma. Surcaron sus mares hombres de leyenda como Simbad para ser evocado en tierras mesopotámicas por Sherezade; ciudades míticas que aún persisten como Bagdad o Jerusalén, como Estambul; otras se perdieron en el tiempo como Samarcanda en la soñada ruta de la seda; Beijing sigue siendo la ciudad celeste y aún está Kyoto, la ciudad sagrada salvada de la barbarie atómica de la Segunda Guerra Mundial. Con la mano de Genghis Khan, los mongoles construyeron el imperio más grande que se haya imaginado hombre alguno. China mandó con Marco Polo muchas técnicas que han de revolucionar al rudimentario hombre europeo: les regaló el papel, la tinta china y un silencioso milagro que revolucionará a la humanidad: la imprenta. Además revolucionaron a la Italia de entonces con dos grandes descubrimientos gastronómicos a tal grado que muchos en la actualidad piensan que son inventos italianos: los helados y el fideo. Los árabes salvaron el patrimonio griego y romano, y traerán de la India, ciencias que las van a rescatar en su lengua: al-quimic, física, al-rimetic..estas serán enriquecidas por ellos con el al-gebra, al-goritmo; les llevarán el al-riz (arroz), al-qutun (algodón); les traerán el placer de la buena vida con la al-fombra y la al-mohada. Las especias traídas (mostaza, canela, jengibre, clavo de olor) por los árabes para mejorar las gastronomías de los bárbaros europeos con el tiempo causarán la revolución en Europa iniciando el crecimiento de la burguesía comercial, dando pie al Renacimiento y luego al descubrimiento de América. Los hindúes crearán el cero y los árabes crearán las cifras modernas (¿alguien usa la romana?). No es posible concebir el pensamiento del hombre occidental actual sin la influencia de las lenguas indoeuropeas (venidas desde la India e Irán), o la religión judía que da la visión monoteísta y finita del mundo actual, no olvidemos que Joshua (Jesús) nació en Judea. Pero también están Alah, Vişnu, el Gautama Buda, Amateratsu. Solo quedan en el recuerdo los dioses griegos, romanos, celtas o nórdicos, evocados ellos en los días de la semana en cada lengua europea. Quedaron los millones de dioses del Shintô o del Brahmanismo hasta nuestros días. Sus libros sagrados pueblan nuestras casas: la Biblia (ambos testamentos), los Vedas, El Quran. Cuando los Beatles viajaron a la India volvieron a la memoria de los hombres una nación liberada por un hombre diminuto que luchó por una idea que derrotara a uno de los imperios más poderosos de ese entonces, ese hombre es Gandhi; como él otro diminuto hombre pondrá en jaque la presencia norteamericana en Vietnam, Ho-Chi Mihn. El famoso efecto mariposa no es nada menos que una concepción hindú que tiene ya más de tres mil años.

Asia es el continente más grande del planeta, así como el más poblado; la población de la India es más del doble de toda la población de todo el continente americano desde Tierra del Fuego hasta Alaska. Tiene los países más ricos en cuanto a ingreso per cápita (Emiratos Árabes Unidos y Brunei). Aunque México sigue siendo la ciudad más grande del orbe, el crecimiento exuberante de Shangai, Beijing, Yakarta, Manila ponen “en riesgo” esta supremacía guiness Pese a la inmensidad territorial, hay frecuentes conflictos que hacen temblar la paz mundial; ahí están Israel, Palestina y Líbano; India y Pakistán; Irak y los territorios curdos, que también involucra a Turquía. Sus territorios encierran inmensas montañas (Himalaya), ríos caudalosos y extensos (Río Amarillo o Yenisei) como sagrados (Ganges); zonas tan húmedas como la cuenca de Bengala y áridas como el desierto de Gobi. El nuevo poder de China, país continente, se manifiesta con sus inmensas ciudades así como las grandes obras de ingeniería a las que se está dedicando como el represa 3 Gargantas, cuyo lago artificial ya está sumergiendo más de dos grandes ciudades y pequeños pueblos.

En este apoteósico contexto, el arte asiático ha estado alimentándose de esa abrumadora realidad tanto geográfica como humana. Sus bellos libros religiosos son hermosas reflexiones cosmogónicas de sus antiguos habitantes; la creación de la identidad de estos pueblos pasaba por la lengua y su ordenamiento del espacio que ocupaban: los jardines colgantes de Babilonia, la Muralla China, los templos hindúes o japoneses, Borobudur, La Meca, el Muro de los Lamentos, Hagia Sofía, Bali, cientos de nombres que no hacen sino agrandar nuestro imaginario de leyendas y maravillas. Alí Babá, Aladino aún recorren viejas calles de pequeños pueblos asiáticos hasta llegar a las increíbles construcciones de los Emiratos Árabes Unidos, país que acoge el 15% de todas las grúas de construcción de todo el mundo actual. Buda estará contemplando con su risa enigmática lo que pasa en este siglo XXI en su continente.

Les alcanzo un pequeño grupo de filmes de este impresionante continente, de inmensos contrastes, tan poco conocido en nuestras carteleras, aunque el boom de la cinematografía japonesa en los 80, la china en los 90 y la coreana recientemente sí nos han acercado a este lado del planeta. Este grupo nos puede dar visiones generales que corresponden a diferentes momentos de esta vasta filmografía.


EL BAÑO ZHANG YANG CHINA 1998 Este es un bello film que muestra el encuentro de un hijo con su padre quien tiene un salón de baños calientes (parecido a una sauna); además se reencuentra con su hermano menor quien sufre retardo mental. El barrio de su infancia es constantemente demolido por el crecimiento de la nueva Beijing. Las distancias entre el padre e hijo se van acortando no sin antes sufrir algunas fricciones. Pero la muerte del padre deja al hijo en una insólita posición. Es doloroso el encuentro entre el pasado y el demoledor futuro. Las decisiones finales son difíciles de asumir, pero luego de todo lo vivido, un cambio de rumbo es enfrentado con mayor entereza. Es, además, una parábola de lo que está viviendo la sociedad china, con una tradición milenaria que subyace en la sociedad y un contundente avance arrollador de esta ya gran potencia económica mundial.

APAJARITO (EL INVENCIBLE) SATYAJIT RAY INDIA 1956 Esta película corresponde a una trilogía (EL LAMENTO DEL SENDERO – PATHER PANCHALI y EL MUNDO DE APU- APUR SANSAR), que empezó con escasísimos recursos económicos y una sola cámara de 16 mm Trata de un niño, Apu, quien vive en ese mundo carente de cosas materiales, pero lleno de mundo espiritual. Estas películas reflejan la sociedad bengalí, una de las tantas etnias, rica en cultura. Esta segunda película, la más difundida, muestra a Apu independizándose de su madre y enfrentar los problemas de la pobreza solo. En una inmensa producción cinematográfica como la India, no era difícil hallar esta joya, pese a que no estaba tan inscrito en la serie de filmes más reconocidos en circuitos económicos internos. No es un film sensiblero como muchas veces identificamos a las películas patéticas y lacrimosas que suele enviarnos Bollywood.

EL GLOBO BLANCO ABBAS KARIOSTAMI IRÁN 1995 La ternura de este cine es descubierta en la década de los 90 en los festivales de Cannes y de otras latitudes. Debido a la animadversión de los gobiernos sucesivos de Estados Unidos, este filmografía ha sido poco conocida por estas latitudes por el problema de la comercialización; pero sus bellas películas nos muestran que con pocos recursos, grandes historias simples y mucha imaginación y talento se pueden hacer pequeñas obras maestras como este simple cuento de hermanos que transcurre en un solo día antes de las fiestas religiosas de Ramadán. Clase para nuestras cinematografías, cuyas realidades se parecen a la iraní.

HAPPY TOGETHER (JUNTOS FELICES) WONG KAR WAI HONG KONG – CHINA 1997 El cine de este director chino es sorprendente, el manejo de las relaciones amorosas en una sociedad que ha mantenido una suerte de tabú al respecto. Una pareja de jóvenes homosexuales decide partir en Argentina a probar suerte y vivir su amor en otro ámbito; pero las cosas no salen como uno quiere; ambos son personalidades muy distintas; uno más calmado acepta la suerte de la ruptura; el otro, más arrebatado, se embarca en una serie de acciones turbulentas; pero el amor marca en la vida de ambos. Un cine bastante inusitado, habida cuenta que la homosexualidad no es aceptada en esta tradicional sociedad.

KADOSH (SAGRADO) AMOS GITAI ISRAEL 1999 Para ver este film hay que entender mucho sobre la religión judía y ciertas formalidades rigurosas en su manejo interpersonal. La religiosidad está en muchas personas y rige su accionar cotidiano; muchas veces algunas leyes de la sacralidad chocan con lo terreno, aquí hay una disputa entre el amor humano y la ley. Cuando esta última pone en conflicto al ser humano en sus sentimientos como el amor de hombre y mujer por un mandato, el conflicto en la persona religiosa es agónico. Un rabino casado con una mujer estéril está obligado a rechazarla, una religión en la que la mujer tiene poco poder de decisión; la ley le pide hijos, pero sus sentimientos le piden vivir con la mujer que amas. En el fondo parece la parábola del buen samaritano. Impresionante.

TOKIO MONOGATARI (CUENTOS DE TOKIO) YASUJIRO OZU JAPÓN 1953 Este es uno de los mejores filmes de Ozu, una narración sencilla de una pareja de ancianos, que decide ir de visita a Tokio a ver a su hija mayor. Una serie de acontecimientos desagradables los impulsa a regresar, pero en el trayecto la esposa muere. El anciano tiene que enfrentar la soledad y surgen diversas propuestas. Este sencillo film es un extraordinario ejemplo de simplicidad y observación, involucrando a nosotros, los espectadores, como participantes de las historias al poner las cámaras a la altura de una persona sentada a la mesa donde se desarrollan los diálogos o encuentros.

NEW YORK EN EL CINE

Yo soy Walt Whitman..
Un cosmos. ¡Miradme!
Un hijo de Manhattan.
Turbulento, fuerte, sensual:
como, bebo y engendro..
WALT WHITMAN, SONG TO MYSELF



THE BIG APPLE, la Gran Manzana, la meca del mundo occidental, la capital del mundo. Tantos y diversos apelativos para una de las ciudades más admiradas, imitadas y odiadas del mundo. Ciudad fotogénica, una ciudad de grandes islas étnicas, rascacielos asediados por enemigos imaginarios o reales, museos donosos y maravillosos, parques del tamaño de una pequeña ciudad, una ciudad que nunca duerme, gran vitrina de la sociedad norteamericana y publicidad portentosa del capitalismo rampante. Todo esto es Nueva York y mucho más. Cuna del arte moderno occidental, refugio y patria de numerosas personas que decidieron partir en busca del american dream. Su puerta de entrada, State Island, la Estatua de la Libertad, es un icono ya clavado en el inconsciente colectivo para identificar esta realidad geográfica. Por su Bolsa y sus calles resuma millones de dólares para mover el país y el mundo, sus tiendas y galerías ofrecen todo lo que puede haber sobre el planeta, para todos los gustos y bolsillos; sus cines, teatros, salas de concierto y la ópera se llenan de ávidos y cultos neoyorquinos que quieren a las mejores compañías del mundo que obligatoriamente recalan entre esas paredes. Y fiel a su gran tradición de asilo, recogió al jazz y lo hizo suyo; ahora pasa lo mismo con la salsa, los ritmos fusión, todo lo que uno quiera oír o ver están por sus calles, cabaret, salones de baile, sus estaciones de metro. Reúne grandes ghettos que han heredado las tradiciones de sus ancestros: la comunidad judía es más grande que la ciudad de Tel Aviv; el barrio chino es uno de los más populosas del mundo, ni qué decir de la Pequeña Italia; los nuevos emigrantes se van abriendo paso en esta compleja y rica sociedad; como la antigua Roma, uno puede encontrar en una sola calle una sinagoga, una mezquita, un templo católico o uno budista. Incluso en los 80, esta ciudad, tan tirada a crear híbridos, proponía templos múltiples para poder satisfacer a personas de diversos cultos: para clientes exigentes. Barrios bohemios como el Greenwich Village; deplorables como el Bowery o mal publicitados como el Bronx; es una de las ciudades más difundidas del mundo, aparece con frecuencia en nuestros medios de comunicación por las buenas o por las malas; alto índice de criminalidad pero de increíble oferta cultural.

Entre la inmensa cantidad de filmes que toman a Nueva York como escenario o su leit motiv, les quiero alcanzar este pequeño grupo.

YEAR OF THE DRAGON (EL AÑO DEL DRAGÓN) 1985 MICHAEL CIMINO El barrio chino de Nueva York, un lugar relativamente mítico es el escenario de una historia de personajes del mundo del hampa chino, la mafia y la delincuencia de clanes que cometen crímenes impunemente. Es un buen thriller en el que vemos los complicados tejidos de relaciones que se trasladan del Lejano Oriente a las calles de Manhattan, creando sus propias reglas en el mundo del hampa (como es el caso de la mafia y la colona italiana). El espíritu de clan y la autarquía priman en estas comunidades que muchas veces son reacias a asimilarse; y un terco jefe de policía quiere poner en vereda, con la ayuda de una periodista. Muchos riesgos tienen que enfrentar.

NEW YORK, NEW YORK 1977 MARTIN SCORSESE La Segunda Guerra ha terminado, Main Square es una locura, una pareja se conoce en las vastas celebraciones por la paz; él (ROBERT DE NIRO) es un excelente saxofonista incomprendido, ella (LIZA MINELLI) es una sorpresiva cantante, se conocen, entablan una extraña relación en la que la música va a jugar un papel preponderante; la fama de la pareja crece, luego cada uno debe seguir su carrera en este competitivo mundo del jazz. Es una buena película musical que hace mérito a aquellos esforzados años que hicieron de nuestra ciudad una de las más musicales del mundo. No hay que olvidar que Scorsese es un gran retratista de su ciudad (como Woody Allen) y ha hecho siempre una reconstrucción del pasado de la misma.

MIDNIGHT COWBOY (VAQUERO DE MEDIANOCHE) 1969 JOHN SCHLESINGER Un extraordinario film del mundo sórdido neoyorquino, una triste historia de una quimera rota para un “provinciano” que cree poder hacer fortuna solo por su figura, hasta tener la necesidad apremiante de prostituirse. La gran ciudad de pronto se convierte en una inmensa jungla despiadada que te estruja, te engulle, y aprovecha todo lo de ti. Las vidrieras son una gran colección de cosas intocables y uno puede formar parte de estas vitrinas. JOHN VOIGT y DUSTIN HOFFMAN hacen una dupla genial que hacen lo imposible por sobrevivir, todo vale.

MANHATTAN 1977 WOODY ALLEN Una de las más entrañables películas de nuestro famoso director, es un sincero homenaje a su ciudad. A través de la pareja WOODY ALLEN y DIANE KEATON, vamos viendo la belleza de esta isla y sus habitantes, seres inteligentes que viven rodeados de cultura y universalidad, inquietos intelectuales que pueblan sus galerías, cines, plazas, museos. Quien ve esta película, filmada en blanco y negro y con la música de George Gershwin, nos da toda la gana de movernos, mudarnos a esta esplendorosa ciudad. Magnífica fotografía, es una obra de arte.

ROSEMARY´S BABY (EL BEBÉ DE ROSEMARY) 1968 ROMAN POLANSKI excelente film de terror construido a través de planos incompletos, es el triunfo de la sugestión; recién casados, una joven pareja se muda a un barrio de clase media neoyorquino; de pronto de manera angustiosa, vemos cómo el entorno de Rosemary (MIA FARROW) se va estrechando alrededor de su bebé, al cual nunca vemos el rostro; todo ayuda a crear ese clima tenso, música, escenarios, ambientes cerrados, los acercamientos a los rostros. Imaginar que la esposa del director iba a ser víctima de una secta de culto al terror dirigida por James Mason (¿La recuerdan?).

CALLE 54 2000 FERNANDO TRUEBA Este es un buen documental del jazz latino, otra extraordinaria fusión vivida sobre todo en los Estados Unidos a causa de la fuerte migración latina hacia las grandes ciudades como Nueva York o Miami. Veremos a los grandes como el gran compositor cubano Chucho Valdés, quien hace un dúo al piano con su padre, otro grande, Bebo Valdés; el saxofonista ex Irakere, Paquito D´Rivera o el otro grande saxofonista argentino Gato Barbieri (¿recuerdan El Último Tango en París?). No se posterga la fuente de la música latina como lo es Cuba, y también el aporte brasileño (Eliane Elías), como la fusión en el flamenco jazz en la propuesta de Chano Domínguez. Y el gran percusionista Tito Puente, el cual ha de fallecer 3 meses después de acabado el filme, razón por la que se lo dedican. Es un verdadero deleite auditivo y visual. Pero el eje siempre va a ser THE BIG APPLE.

CINE SOBRE PARÍS

Esteban soñaba con París, sus exposiciones
de pintura, sus cafés intelectuales, su vida literaria
ALEJO CARPENTIER, EL SIGLO DE LAS LUCES


PARÍS ERA UNA FIESTA

Con este título queremos presentar toda una propuesta de leit motiv evidente o subyacente de un gran número de filmes norteamericanos (o de otras latitudes) que han hecho de la Ciudad Luz su fuente de inspiración. El hacer un recuento de todas las razones por las que París es una ciudad muy fotogénica, o la más llevada al lienzo o grabada en diversos celuloides por muchos años, sería una extensa lista. Ella también ha sido tema de obras literarias y muchos de sus ciudadanos han sido retenidos en piedra, evocados en música o llevados a las tablas por cuanto artista haya transitado por sus calles u oído de ella sobre su existencia. En sus barrios, quartiers, emigrantes artistas e intelectuales hicieron de esta su segunda patria, muchos no la dejaron jamás. Ellos la hicieron cosmopolita y sus ciudadanos construyeron plazas, iglesias, edificios públicos, museos, castillos, casas burguesas e incluso cementerios, para convertirla en una de las ciudades más bellas y ricas del mundo, en la que el buen gusto, el equilibrio y lo práctico conviven para el placer de sus habitantes, de los artistas y arquitectos del mundo. Atravesada por el Sena, su río ha sido evocado y “homenajeado” por bellos puentes que lo cruzan; además su corazón, le cœur de la ville, la Isla de la Ciudad, l´île de la cité, Lutecia, tiene en su seno uno de los monumentos más representativos de la ciudad y de Francia toda: su catedral, Nuestra Señora, NOTRE DAME. Sus monumentos y sus espacios públicos van a ser los locus literarios de muchos autores, así como sus habitantes: VICTOR HUGO, HONORÉ DE BALZAC, GUY DE MAUPASSANT, ANDRÉ GIDE, COLETTE, JEAN PAUL SARTRE, MARCEL PROUST, un sinfín de escritores la evocarán. TOULOUSE LAUTREC, EDGAR DEGAS, EDOUARD MANET, CAMILLE PISSARO, COROT, MATISSE, AUGUSTE RENOIR, entre cientos más la plasmarán en un lienzo. JEAN EUGÈNE ATGET, HANS CASPARIUS, GEORGE BRASSAÏ , HENRI CARTIER – BRESSON, ROBERT DOISNEAU, la retrarán. EDITH PIAF, JULIETTE GRECO, COLIGNY, CHARLES AZNAVOUR, entre otros más le cantarán. El magnetismo de esta ciudad no va a decrecer con el tiempo, por lo contrario, será tema de filmes de todo tipo, de todo género.

Sus museos han sido y son visitados por cientos de ávidos turistas arrastrados por la imagen ensoñadora de la Ciudad Luz, epíteto recibido después de la Gran Feria realizada a principios del siglo XX en la que el Parque de la Exposición fue iluminado por miles de bombillas que daban a conocer esa maravilla que era la energía eléctrica, así pues un monumento fue preservado desde ese entonces, la ciudad soñada por Hausmann, el cerebro de Napoleón. París se convirtió en un bello escenario al que había que hacerle poco retoque para, en estos casos, llevarla a la pantalla. Indudablemente el séptimo arte no iba dejar de participar en este festín estético y vivencial que ha sido París para cualquier artista o persona con sensibilidad;

Muchos filmes han utilizado ese gran escenario “natural” que es nuestra ciudad escudriñada, reinventada por las imágenes reales o de plateau. Desde que el cine apareció (y fue precisamente en París donde se hizo la primera proyección allá por 1895) muchas veces sacar las cámaras a sus calles era una cosa normal: casi como el Neorrealismo italiano; esa actitud va a ser asumida por los cineastas de la nouvelle vague, quienes no dudan de usar sus calles sucias, sus barrios marginales y su bajo mundo para hacerlos actores de sus propuestas cinematográficas. Muchos cineastas de todas las nacionalidades la han buscado, la han hurgado, siendo los norteamericanos quienes más se han acercado a ella con admiración, pero sin prejuicio para tomarla como gran escenario de historias de amor, de espionaje, de guerra entre otras. He aquí algunos de esos filmes que la han utilizado como telón.

EL JOROBADO DE NOTRE DAME (THE HUNCHBACK OF NOTRE DAME) WILLIAM DIETERLE (1939) Quizá una de las más brillantes interpretaciones del actor inglés Charles Laughton, quien encarna al jorobado Cuasimodo, es una magnífica propuesta cinematográfica de la novela NOTRE – DAME DE PARIS de Víctor Hugo con variantes que quitan el sentido lúgubre de la notable obra del escritor. Estas variantes permiten ver los cambios que se iban gestando para la llegada del Renacimiento y una nueva visión antropológica de la humanidad, rol asumido de manera alegórica por Cuasimodo, apabullado por su retardo e ignorancia por el tortuoso Frollo. Lucha de ideas para el hombre nuevo en este imponente escenario que es NOTRE DAME.

UN AMERICANO EN PARÍS (AN AMERICAN IN PARIS) VICENTE MINELLI (1951) Quizá uno de los musicales más celebrados de todos los tiempos por haber tenido a la pareja ideal: LESLIE CARON y GENE KELLY. Un joven norteamericano ex soldado que intenta una faceta de pintor, va a París a respirar arte y realiza trabajos menores para subsistir. Es uno más del montón; pero de pronto un golpe de suerte lo puede encumbrar; mas todo ha de tener un costo: la posibilidad de convertirse en un gigoló. Aparece una linda chica que baila como los ángeles (¿bailan ellos?) y la situación se vuelve muy complicada. La música es George Gershwin, con coreografías de Kelly y la participación del cantante francés Oscar Levant.

EL ÚLTIMO TANGO EN PARÍS (LE DERNIER TANGO À PARIS) BERNARDO BERTOLUCCI (1973) Una película bastante polémica, una pareja se encuentra en un departamento de alquiler y se entabla un fuerte relación erótica entre los personajes encarnados por MARÍA SCHNEIDER y MARLON BRANDON. Esta relación se va ver signada por la tragedia, la obsesión y el descubrimiento de sentimientos oscuros de ambos. Desconocidos que van empleando sus propias lenguas (francés e inglés) para una descripción dura y muchas veces vulgar. En nuestro país, la censura no le dio pase y recién los peruanos la vimos en nuestras pantallas en 1980. La música del jazzista Gato Barbieri hizo más conocida esta película.

UNA CENICIENTA EN PARÍS (FUNNY FACE) STANLEY DONEN (1956) Esta película emplea una dupla exitosa de Hollywood para mostrar los bellos espacios de París: AUDREY HEPBURN y FRED ASTAIRE. Nos muestra además el intrigante mundo de la moda, mundo del cual París es una de las capitales indiscutibles del mundo entero. Y también el mundo de oportunidades y exigencias del modelaje. Con música de George Gershwin, veremos cantar y bailar a esta dupla apoyados por Kay Thompson.

EL DÍA DEL CHACAL (THE DAY OF THE JACKAL) FRED ZINNEMMAN (1973) Basada en el libro de FREDERICK FORSYTH, es una suerte de reconstrucción histórica del intento de asesinato del presidente CHARLES DE CAULLE por parte de un grupo de nacionalistas extremistas opuestos a la política exterior de De Gaulle como el caso de la independencia de Argelia. Estos contratan a un asesino a sueldo de alto nivel (EDWARD FOX) y para llevar a cabo su cometido realiza una serie de artimañas para burlar el servicio de inteligencia francés. Lentamente le van siguiendo los pasos ya que la fecha se halla próxima. Buen thriller.

PSICOLOGÍA Y CINE: A LA BÚSQUEDA DE UN PERSONAJE

El cine (como toda arte) ha sido un espacio de creación permanente de historias y personajes que viven tramas dentro de un discurso visual. En esta permanente creación, han surgido personajes que sintetizaban características de la humanidad de tal manera que se han ido convirtiendo en la consecución de la psiquis humana y en la manera cómo se ha sintetizado ciertos elementos patológicos estructurados del comportamiento humano. Aunque los orígenes hayan sido avalados por la divinidad o la justificación de linaje, en realidad lo que han hecho Edipo, Electra, Hamlet, Otelo, Quijote y otros contundentes personajes de la literatura, teatro, pintura, es formar los paradigmas que han de permitir acercarnos al hombre en su esencia. Los humanos hemos empleados a los mismos como elementos catárticos (como bien lo identificó el teatro griego), pero luego trascendieron en su dependencia del arte para convertirse en seres que en cierta manera viven cada día en cada uno de nosotros. El lenguaje, sabiamente, los ha asimilado ya no como sustantivos, como seres, sino que los hemos asimilado como características que nos acompañan a lo largo de nuestra existencia. Hablamos de un Edipo, pero también de lo edípico; hablamos de un Quijote, pero también de lo quijotesco.

Después del desarrollo del Positivismo científico del siglo XIX, que acompañó – como concreción del mismo – a la Segunda Revolución Industrial, la ciencia exacta (o lo que trata de serlo) comienza a invadir todo campo del conocimiento. Desde la primera taxonomización del mundo hecha por Aristóteles, es durante el desarrollo de la ciencia física y la aparición de las máquinas que surge esta necesidad de profundizar en el conocimiento y la posterior especialización. Gracias a esta actitud surgen las Ciencias Sociales como la Sociología (Auguste Comte) y la metodologización de las nacientes ciencias humanas (Lingüística y Psicología). Estas nacientes ciencias (en cuanto a la construcción de métodos que validen sus teorías, según el espíritu del Positivismo) van buscando ciertos modelos que las justifiquen. Estas nuevas ciencias van pronto creando su propio mundo científico, jerga incluida, y muchas de las teorías y métodos pasan a otras en el fluido de intercambio científico; por ejemplo el concepto de estructura dinámica como pares complementarios surge en la Fonética; la idea de paradigma es un principio lingüístico que muchas otras áreas del pensamiento la han asumido. La Psicología se hundió en el mundo mental del individuo y fue escarbando el interior del ser humano; ante los descubrimientos que iban surgiendo, hubo necesidad de la nominación de estas manifestaciones. Aquí entran a tallar los grandes personajes, que a modo de grandes haces de rasgos, son tomados para explicar el Yo de los individuos; de ahí surge la adjetivación más eficaz de los mismos.

Quizá muchos puedan pensar que ya todo está dicho en este campo y que ya no haya nada más que ofrecer o retroalimentar; la aparición del cine ha vuelto a refrescar ese descubrir en el otro lo que uno es; los grandes mitos del cine son esas emociones y manifestaciones de nuestra psique en ellos reflejados, como evidencia o como frustración.


ATRAPADO SIN SALIDAS (ONE FLEW OVER COCKOO´S NEST) MILOS FORMAN (USA) Esta es quizá una de las películas más simbólicas sobre la libertad del individuo y las muchas veces frustrante lucha contra el sistema aplastante que quiere que uno se adecue a sus reglas. El personaje principal, McMurphy, es un trasgresor en un sanatorio mental de métodos y procesos muy dudosos en cuanto a sus resultados. Una vez instalado comienza a cuestionar su entorno, enfrentando a la enfermera central (Ratched) quien busca los métodos de coerción cada vez más extremos (el final lo dirá todo). Pero su accionar, pese a haber sido aplastado por el sistema, logra despertar el sentido de individualidad y respeto a sí mismo en miembros del sanatorio. Es una obra maestra cinematográfica.

L´HOMME QUI AMAIT LES FEMMES (EL HOMBRE QUE AMABA LAS MUJERES) FRANÇOIS TRUFFAUT (1977) (FRANCIA) es una extraordinaria reflexión sobre los relaciones que establecemos en base de carencias, miedos y atracciones entre los seres humanos; en este caso, entre Bertrand Morane (Charles Denner) y las mujeres. Busca vida y muerte, elementos complementarios que se encuentran permanentemente en la dialéctica de la vida; el eros y el thanatos que plantea Freud en nuestras constantes relaciones. Bertrand trata de hallar, en su conflictiva vida de vínculos inacabados, las carencias en las mujeres fascinantes que lo rodean.

VIVIR (IKIRU) AKIRA KUROSAWA (1952) (JAPÓN) ¿qué le puede pasar a uno que sabe ya su muerte está próxima y nada va a cambiar esta situación? La posibilidad de la depresión es bastante factible y es un paseo paulatino por lo que fue nuestra vida. Quizá muchos caigan en la desesperación, pero varios deciden justificar su vida. Este es el caso de Kanji Watanabe, quien al enterarse de un cáncer terminal, le quiere dar un sentido a su vida: para esto, de un oscuro funcionario mediocre burocrático, pone todas sus fuerzas para ayudar a un grupo de vecinos en hacer un parque para niños. Una motivación personal para contribuir con su sociedad. Un legado que justifique su existencia en esta bella película.

TERCIOPELO AZUL (BLUE VELVET) DAVID LYNCH (1986) (USA) esta es una tortuosa película de la pasión, el dolor y la muerte; la película comienza con brillantes colores que no muestran los móviles oscuros, que de manera figurativa, se ve en los subsuelos de un jardín cuando se acerca hasta los restos de una oreja cercenada; así empieza este viaje a los más raros recónditos del alma humana, en su perversión, crueldad y dependencia de los humanos. ¿Por qué amamos el dolor? ¿Por qué nos gusta la tiranía? Navegamos entre corrientes de emociones, cuyos orígenes son difíciles de enfrentar. Esto le sucede a Jeffrey por querer satisfacer su curiosidad

OLD BOY PARK CHAN WOOK (2003) (COREA DEL SUR) este es un bizarro film coreano que replantea las narraciones cinematográficas, ya que nos muestra la historia de un individuo que tiene que reconstruir, a causa de un largo secuestro, un oscuro pasado, el cual fue ignorado por la víctima-culpable de toda la acción; es un largo rompecabezas del alma de un hombre, que pasa de ser un sufrido número más de la violencia a ser la causa de la desgracia de un hombre que pudo ser feliz, pero que su desafortunada intervención convirtió a un ser humano en infeliz. Es interesante la reconstrucción de la historia y la forma cómo se hilvanan los acontecimientos.

DOBLE VIDA (A DOUBLE LIFE) GEORGE CUKOR (1947) (USA) Un gran actor oculta una doble identidad; una débil personalidad es pronto absorbida por un fuerte papel como el de Otelo. El “espíritu” de esta obra teatral pronto va ganando a Tony y sospecha que su ex esposa le es infiel. Paulatinamente va perdiendo el sentido de la realidad y se convierte en un asesino, ya que él quiere hacer la escena lo más veraz posible y por eso ensaya su manera de eliminar a su esposa, quien encarna a Desdémona. En su obsesión, sale de cacería.

PLANTA 4 ANTONIO MERCERO (2003) (ESPAÑA) Una inusual película que reúne una serie de jóvenes y aún niños en un hospital, quienes viven rodeados de doctores, enfermeras y nuevos pacientes a quienes integran a su sociedad. La mayoría de estos chicos frisan los quince años, por lo que su adecuación a estas circunstancias es, en cierta manera, rápida. Lo que podría ser un terrible drama de estos jóvenes sometidos a tratamientos de los cuales no se salen bien, se convierte en un simpática comedia que hace en cierta manera, llevadera la vida.

CINE Y ÓPERA

La ópera nació en el crepúsculo del Renacimiento no sólo
para alcanzar los ideales procedentes del humanismo, que anhelaba
reunir en una misma escena distintas artes, sino también
para dar fluidez narrativa a una música dominada hasta entonces por el contrapunto.
EL MUNDO DE LA MÚSICA

Música, el sonido hecho belleza, una de las artes que ha acompañado a la humanidad desde que lo es como tal. Es una de las artes más misteriosas, pero a la vez más popular, la cual llega a nosotros en forma natural o por la “mano” del hombre. El principio del equilibrio en la armonía ha sido la búsqueda de esta desde hace siglos. Todos los pueblos del mundo, sin excepción, han buscado esa belleza equilibrada, esa homeostasis estética del sonido en los elementos, en la piedra, en la madera, en el cuerpo, en la voz. En la evolución, el hombre ha buscado e intercambiado sobre las propuestas diversas. La música, como todas las artes mayores, ha estado ligada a la divinidad. Los orígenes en el mundo occidental se pierden en la oscuridad de los siglos, documentan los griegos en sus obras teatrales, en sus restos arqueológicos, en su utilería diaria. La historia se quedará con el momento en que el humano entonó una melodía por primera vez (aunque nuestro hablar ya es melodía, pero no tiene el propósito como la música). Los cantos religiosos han quedado como una gran fuente de nuestra evolución histórica. El hombre siempre ha tenido esa sensación de acercarse a lo divino a través del canto, nuestros rezos eran cantos, la eufonía era una forma de agradar a los dioses. Aún lo hacemos.
Bach comenzó, para occidente, con un trabajo más serio en la armonía y contemporáneamente, Europa estaba abriendo un nuevo camino. Las formas musicales llegadas de otros lares como el mundo árabe, enriquecieron inobjetablemente el mundo renacentista. Los viajes eran también para traer miles de ideas nuevas, objetos nuevos, no sólo mercadería. Todos estos elementos permitieron a los europeos experimentar gracias a todo lo nuevo que cayó en sus manos. Y así la música se fue presentando de diversas maneras: el canto se fue manifestando de diversas maneras: de los cantos gregorianos a la monodia; a los madrigales, a la polifonía. Muchos dicen que 1597 es el año en que se inicia los primeros destellos del canto operístico, con una obra llamada La Dafne compuesta por Jacopo Peri, a la cual llamó “fábula dramática”.
Ya más de 400 años tenemos de patrimonio artístico operístico para la humanidad, son miles las obras, algunas de ellas, obras maestras del género, que engalanan los escenarios por todo el mundo. Así, las grandes ciudades y las medianas también siempre se han preocupado por contar con un escenario digno, con el cual la ciudad podía ser considerada como tal. Una teatro de la Ópera. Un sello de distinción. Muchas veces es este el símbolo de ver cómo una autoridad trata a su ciudad y a sus ciudadanos. Con eso pueden sacar la cuenta de cómo está nuestra ciudad.
El cine, como arte joven, ha tenido siempre esa avidez de acercarse a sus hermanas mayores para aprender de ellas. Estas no han sido mezquinas: la música, el teatro, la literatura, la danza, la arquitectura y la pintura han sido pródigas de darles temas, contenidos y técnicas a su hermana menor. De la música, a partir del sonoro, se ha trabajado mucho y mucha de la música descriptiva de los fines del XIX fue llevada al cine sin mucho complejo: tal es el caso de FANTASÍA de Walt Disney, entre muchos intentos de visualizar la música. Mahler y Wagner pensaban en una suerte de arte total, como lo soñaron Rimbaud y Verlaine, Matisse con algunos intentos del color y el volumen; Stravinsky y Nijinsky hacían dupla para proponer un arte más total. El cine fue en un principio ese espacio de ideas integradoras; por eso, es interesante que algunos músicos hayan trabajado en este campo (por ejemplo, Korngold y su estupenda musicalización de la película Robin Hood de los bosques, con Errol Flynt, de Michael Curtiz). También Sarah Bernahdt pasó por las pantallas, y la lista de artistas pertenecientes a otras artes que hicieron cine sería larga de enumerar. Sólo en el canto tenemos a Mario Lanza, Maria Callas, Beniamino Gigli, Anna Moffo, Plácido Domingo, Lucciano Pavarotti, Kiri Te Kanawa, entre muchos otros más.
Estas películas están inspiradas en eventos o personajes cercanos al mundo operístico; o, en su defecto, son óperas llevadas a la pantalla por esos amantes de este quehacer musical y que no han encontrado otro mejor medio de rendirle homenaje que realizando un film que perennice una ópera en escenarios naturales. Después de todo el cine permite masificar ciertas artes que han sido maltratadas por haberlas convertido en elitistas.

CARMEN FRANCESCO ROSSI FRANCIA 1999 Desde los años 80, hubo un buen interés de diversos directores de cine por llevar al celuloide grandes óperas con los mismos cantantes, algunos de ellos maestros especializados en tal ópera o determinando compositor. Así tenemos la interesante propuesta de Joseph Losey con DON GIOVANNI en una impecable interpretación de Ruggero Raimondi como el disoluto y José Van Dam como Leporello; hay muchas más propuestas (se trabaja no solo en actores cantantes, sino en escenografías “naturales”, si cabe el término) y muchas son verdaderas obras de arte (sería interesante ver los escenarios para las óperas de Richard Wagner, sobre todo EL ANILLO DE LOS NIBELUNGOS; aunque en el mudo, el genio de Fritz Lang tuvo una interesante visión durante el Expresionismo alemán). Este trabajo del director italiano Rossi es muy cuidadoso, los escenarios son bellos; ha trabajado, además, con el ballet de Antonio Gades (quien trabajó una versión muy libre de CARMEN del director Carlos Saura en 1986). Los roles estelares están en PLÁCIDO DOMINGO como Don José; JULIA MIGENES-JOHSON como Carmen y el bajo RUGGERO RAIMONDI como Escamillo. Aquí se respeta mucho la idea de Prosper Mérimée de dar ese ambiente exótico a Sevilla, visión de un hombre que salía del romanticismo y entraba al realismo en la Francia del siglo XIX. Es una buena y pulcra propuesta operística. Hay muchas otras buenas propuestas cinematográficas de óperas como las de Jean- Pierre Ponnelle, quien tiene dos buenas puestas en escena de RIGOLETTO (con LUCIANO PAVAROTTI y EDITA GRUBEROVA) y MADAMA BUTTERFLY (con MIRELLA FRENI y PLÁCIDO DOMINGO) Hay otras propuestas como DIE FRAU OHNE SCHATTEN (LA MUJER SIN SOMBRA) con THOMAS MOSER y EVA MARTON, y EUGENE ONEGUIN con STUART BURROWS, JULIA HAMARI y NICOLAI GHIAUROV.

E LA NAVE VA (Y LA NAVE VA) FEDERICO FELLINI ITALIA 1983 El “entierro” de las cenizas de una gran cantante de ópera es la ocasión para reunir a una serie de divos díscolos y caprichosos, así como serie de personajes políticos bizarros, muy bien caracterizados por el mundo felliniano que supo construir nuestro maestro. Es, además, una suerte de homenaje al principio del cine, muchas veces postergado por la excesiva modernidad de los elementos que actualmente lo conforman. La construcción del escenario es evidentemente operística y es la franca intención del director, así como el movimiento de sus actores, a quienes alguna vez los hace cantar en situaciones extremas. Además, a guisa de coro, hay un buen grupo de refugiados (esa característica tan típica en Europa en el siglo XX, desde la primera guerra mundial hasta la de la crisis de los Balcanes) que da cierta razón de ser a lo que acontece en el barco, creando tensiones que se suscitan al hallarse en la misma nave ciudadanos que se han de convertir en enemigos debido al contexto mundial de entonces (albores de la primera guerra mundial).

TROLLFLÖJTEN (LA FLAUTA MÁGICA) INGMAR BERGMAN SUECIA 1975 Una visión muy libre y particular de la ópera de Mozart, cantada en sueco, y que la muestra como originalmente pudo haber sido: un cuento de hadas con algo de esotérico, destinado a divertir al pueblo. Esta ópera, parece ser, tiene una intención popular; para la opinión de José María Triana, esta ópera condensa todo los valores humanos y generales que un carácter sectario no hubiera podido compartir, precisamente por ser sectario. La filosofía sobre la amistad, el verdad y el amor al saber con los pilares que subyacen a lo largo de ella. Es una de las más frecuentemente representadas y tiene arias, dúos, tercetos y coros bellos para todos los timbres de voces. La propuesta escenográfica de Bergman está pensada para un mundo infantil, al cual muchas veces se posterga, dándole al arte una exclusividad para el adulto. Esta visión errada ha hecho que algunos artistas volteen de vez en cuando a los niños, quienes tienen pocos prejuicios para acercarse a una obra maestra, si es que el acercamiento es el adecuado para formar en ellos seres sensibles e inteligentes; es interesante que cada cierto tiempo el adulto artista busca lo que se denomina “naif” (cándido) para presentarlo como una propuesta. En cierta manera, esta propuesta encierra visos de naif, pero también nos muestra en paralelo la vida de los artistas (divos) quienes son seres cotidianos como cualquiera de nosotros.

FARINELLI (FARINELLI, EL CASTRADO) GÉRARD CORBIAU FRANCIA/ BÉLGICA 1994 Corbiau es un director que ama la música y la historia, así como el lenguaje cinematográfico. Este último, en cierta manera, es sometido para los propósitos musicales, la historia y el élan de la creación musical. Su MAESTRO DE MÚSICA con José Van Dam es una bella reflexión y homenaje para aquellos que hacen de la música su vida y buscan sus herederos que continúen con su obra. Su preocupación es la voz, el más bello instrumento musical, y la búsqueda por el timbre, el fraseo, la entonación, el carácter y la tesitura es un largo caminar, tanto para el maestro como para el cantante. FARINELLI es un personaje que existió desde inicios del XVIII, del cual se recuerda su bella voz y su triste historia. Las iglesias solían tener coros y el músico era un personaje importante que percibía buenas rentas. Por ejemplo, Bach buscaba patrones ambiciosos por tener buenos músicos y buenos coros para poder recibir buena paga y poder trabajar en paz. Pero, como siempre suele suceder, el empresario y el arte pocas veces hacen una buena dupla. Por viles intereses (como la iglesia muchísimas veces los tuvo) no dudaban en sacrificar a las personas: en este caso, hasta la mutilación. Farinelli era un niño con bella voz, y en la época qué mejor manera de preservarla que evitar su cambio. La técnica de castración (extirpación de los testículos) era muy frecuente en estos coros (algunos coros tienen ese oscuro pasado como el del Vaticano y el de los Niños Cantores de Viena); muchas familias pobres sacrificaban a sus hijos por una mejoría familiar y un “futuro” para el mismo. La idea del Farinelli (harinero) de la pantalla es un poco ideal; algunos retratos lo pintan muy regordete por el desequilibrio hormonal que se generaba. Carlo Broschi (su verdadero nombre) anduvo por muchas ciudades europeas, sobre todo en Londres (a pedido de Händel) y Madrid. Este film muestra el velado sufrimiento de este contratenor, quien al morir cerró este oscuro ciclo de la cultura europea en cuanto al ámbito musical. Se reportaron varios casos más, pero a mediados del XIX esta costumbre estaba extinta.

LES CHORISTES (LOS COREUTAS) CHRISTOPHE BARRATIER FRANCIA 2004 Esta película tiene tres temas centrales: La infancia, la música y la enseñanza. Todo transcurre en 1949, tras la guerra mundial, en una Francia llena de conflictos sociales y de pobreza, en una correccional donde hay muchos niños huérfanos de guerra, y otros de familias de precaria economía. Se presentan dos antagónicos modos de ver la realidad, y por lo tanto dos visiones de la enseñanza, que permiten comprobar las ventajas del diálogo educativo sobre la imposición del castigo. El educador, Mathieu, es un modelo del educador que intenta llegar a las personas y desde ahí sacar lo mejor de ellas mismas. Para eso emplea la música como elemento desencadenador de la transformación del hombre y del mundo. Por eso, la música ofrece el placer y la disciplina, el orden liberador y mucho más aún, cuando se trabaja en la armonía: el coro. El grupo armónico para la belleza los hace todos valiosos y felices por lograr las metas y ofrecer arte. Esta película es, según su director, algo que siempre le hubiera gustado hacer: motivar en el espectador un cambio por la belleza.

FITZCARRALDO WERNER HERZOG ALEMANIA/PERÚ 1982 Un loco genial, atrapado por la fiebre del caucho en las selvas amazónicas, recala por Iquitos en la selva peruana. Fines del siglo XIX e inicios del XX, el boom cauchero atrae a mucha gente y ciudades que surgieron de la nada, se vuelven donosas y ricas, construyéndose edificios con materiales traídos de todas partes del mundo para poder llevar a cabo las quimeras arrebatas de muchos nuevos ricos. Una gran cantidad de europeos llegan al Brasil y unos cuantos a nuestra selva. Iquitos, un pequeño poblado se ve de pronto abordado por estos caza fortunas, dispuestos a todo, incluso a perder la vida. Fitzcarrald es uno de ellos, pero su sueño no es acumular dinero para morir enterrado con él; su sueño es hacer una ópera en Iquitos, como la que tiene en la actualidad la ciudad de Manaos en Brasil. Años en los que cantantes como Caruso llegaban a pisar su escenario; Fitzcarrald también lo quería para su Iquitos. Hay escenas alucinantes y que emulan lo que fueron esos años en la selva terrible, devoradora de hombres, rica en sueños y dorados. El papel estaba pensado para Mick Jagger, pero no soportó el calor de la ciudad y la jungla, y se despachó dejando todo plantado. Felizmente acepto el reto Klaus Kinsky, quien ya había estado aquí para una película anterior del mismo director: AGUIRRE, EL AZOTE DE DIOS. Lo acompaña Claudia Cardinale.

HITCHCOCK´ SUSPENSE, THE MASTER

Sobre el cine de Alfred Hitchcock se ha escrito bastante e, incluso, se le ha imputado ser el maestro de la angustia narrativa, de la zozobra. Su obra ha sido muchas veces vulgarizada con el fin de hacerla más “digerible” para el público en general. Sin embargo, la obra del Maestro está más allá de todos los encasillamientos a los que se le ha querido someter para poder hacerla más comercial. En realidad, la técnica visual y la narrativa escenográfica que Hitchcock empleó a lo largo de su cinematografía tenían la intención que el espectador entendiese el plot, la trama, desde un inicio; pero donde radicaba la tensión era en el desarrollo de la misma, los detalles que iban apareciendo, de tal manera que el público iba armando un rompecabezas interesante, envolvente, impostergable. Los detalles ayudan a cerrar un círculo de sospechas, intrigas, casi como una obra literaria de Conan Doyle, no hay lazos sueltos.

La vulgarización de su prolífera obra y el hecho de que hubo algunos filmes deficientes y necesariamente evitables, han ayudado a maltratar la creatividad del genio. Quizá sea sintomático que nuestro maestro jamás haya recibido un Oscar principal al mejor director, pese a que hay varias películas de su filmografía que son parte del patrimonio de obras cumbres del Séptimo Arte. Algunas de sus obras se han vuelto obras capitales de la cinematografía e, incluso, generan secuelas con cierto éxito, más por el mérito de la prima obra que por la calidad de los filmes siguientes; así tenemos PSICOSIS, que generó algo de 5 ó 6 filmes de dudosa calidad, algunos incluso dirigidos por el actor principal, ANTHONY PERKINS. A lo largo de su obra experimentó con técnicas audaces para lograr sus propósitos, tal es el caso de LA SOGA, en la que en su solo plano discurre este film para toda una reflexión filosófica sobre el poder y el crimen. El espectador vive el suspense cuando el profesor de los díscolos alumnos se sienta sobre el baúl donde yace el cadáver de uno de los alumnos; de pronto somos testigos de lo que está sucediendo y eso incrementa nuestra tensión. Es un recurso genial. Cierto es que tiene alguna que otra piecilla hecha con el fin de entretener, pero no deja de tener su huella y ese extraordinario sentido del humor negro, tan british que nunca perdió en su estadía en los Estados Unidos. El rigor de su trabajo se entendió poco en su época, algunos filmes maestros fueron considerados grotescos en un inicio, pero su genio rebelde fue acompañado de un esquema de trabajo riguroso, quizá heredado de la educación jesuita que recibió en su patria cuando joven.

Felizmente su obra puede rebatir cualquier infausta imputación, como la que sufren todos los grandes maestros de cualquier arte. El ensayo que nos presenta Ascanio Cavallo sobre el maestro en la revista La Gran Ilusión (No 9, 1999), habla sobre el colapso de la identidad, que va a ser el leit-motiv de todas sus películas en su etapa norteamericana (aunque también se ve en algunas de las obras en su trabajo realizado en Gran Bretaña, su patria). Pero si hacemos un recuento de las obras más conocidas de nuestro director, veremos que dicho dilema se ve encarnado en cualesquiera de los personajes principales en su carrera filmográfica desde REBECA hasta PSICOSIS. Este grupo de películas nos permitirá tener una visión bastante sólida del trabajo del maestro en los Estados Unidos.

SHADOW OF A DOUBT (LA SOMBRA DE UNA DUDA) 1943 Una película oscura, intrigante, agobiante. Un personaje díscolo y temible encarnado por Joseph Cotten, uno de los grandes actores de Hitchcock, lleva una personalidad bizarra y peligrosa. Cual hombre encantador y atractivo, llega a casa de su familiares y entra rápidamente en el círculo de esta y sus amistades, no sabiendo que están frente a un despiadado asesino; su sobrina ata cabos, pero necesita comprobarlo; al sentirse acorralado, Cotten no duda en deshacerse de su sobrina (Theresa Wright). Tensión pura.

REBECCA (REBECA) 1940 basada en la obra de Daphne de Maurier, le interesó desde un principio, mas el precio de los derechos de autor se volvió imposible; pero el productor David Selznick compró los mismos y se la pasó a nuestro Director. El actor pensado para el papel de Máxime de Winter fue Laurence Olivier, versátil actor de teatro, quien realiza un carácter bastante bizarro (como muchos de los creados por Hitchcock) y una Joan Fontaine (Sra. De Winter) que es acosada permanentemente por la memoria o fantasma de la primera esposa, cuyo nombre lleva el título de este filme. Es la primera batalla en la que productor y director se iban a encontrar para marcar sus territorios; aquél quería una película lo más fiel al best-seller; éste veía en la obra un camino hacia un versión más independiente. Se comenta que el Maestro fue muy intrigante entre todos los miembros de la filmación, para generar un suspense que marcó a la historia de la película y las relaciones que establecen entre todos los personajes.

THE WRONG MAN (IDENTIDAD EQUIVOCADA) 1956 una obra kafkaiana, aunque considerada de aliento menor, austero, habida cuenta que luego le sigue su obra maestra VÉRTIGO; el tema de la pérdida de identidad por diversos factores (en este caso) es el leit motiv de esta película, muy parecida a esta gran obra como lo es MONSIEUR KLEIN de Joseph Losey. Como en EL PROCESO de Kafka, un ciudadano, encarnado por Henry Fonda, se ve envuelto en un problema; pero, a diferencia de Kafka, aquí nuestro amigo se ve envuelto en una equivocación por diversas circunstancias; la reconstrucción de su pasado para poder salvarse conlleva a la destrucción sistemática y dolorosa de la personalidad de su esposa.

REAR WINDOW (LA VENTANA INDISCRETA) 1954 para muchos una obra maestra del voyeurismo, el placer de la persona fisgona, con las impecables actuaciones de James Stewart, como el periodista-fotógrafo L.B. Jefferies, y la siempre bella Grace Kelly, como Lisa Fremont. Una interesante reflexión sobre la cámara-ojo, pero con todo el morbo de la observación acuciosa de una persona acostumbrada a ver la noticia donde no la hay. Para muchos críticos, el papel desempeñado por el periodista es el mismo que gusta hacer el Maestro en cada una de sus películas: la ventana es un mero ecran. Además inicia un trabajo intenso con James Stewart y Grace Kelly como veremos en los siguientes filmes. En una entrevista que le hizo François Truffaut a nuestro maestro, este confesó que le gustaba trabajar con James Stewart cuando quería trabajar en su film más emoción; con Gary Grant trabajaba más el humor.

THE MAN WHO KNEW TOO MUCH (EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO) 1955 Este film es un remake, de una extraordinaria versión inglesa de 1934 con Peter Lorre; el escenario cambia de Suiza a Marruecos, el actor fetiche James Stewart y la rubia Doris Day (se dice que Hitchcock tenía una fuerte predilección por las rubias como Grace Kelly o Kim Novak) ambos se ven involucrados como testigos en el asesinato de un agente secreto; todo este asunto les va a acarrear una serie de problemas desde el hecho que su hijo es secuestrado y todo este lío va a terminar en un sala de conciertos y, posteriormente, en una embajada de un país ficticio. Los sucesos se van resolviendo por la pareja y hasta la música juega un papel importante; quizá sea este el hecho por el que la canción que interpreta Doris Day (Qué será) haya hecho famosa esta película.

DIAL M FOR MURDER (MARCA M PARA MORIR) 1955 En realidad a esta película le falta poco para ser una de las obras maestras de nuestro director. Es una adaptación al cine de una obra teatral de Frederic Knott, quien él mismo se encarga de hacer la adaptación para la pantalla; en los principales roles están Ray Milland (Tony Wendice) quien trata de asesinar a Margot, su esposa (Grace Kelly, siempre bella), y trata de utilizar a un ex compañero de colegio, Anthony Dawson. Mark (Robert Cummings), el amante de Margot, sospecha de su rival. Este film tiene la suficiente tensión narrativa, el suspense hitchcockniano, para incluirla entre los clásicos, pese a la débil actuación de Cummings. Pese a todo, mantuvo la integridad de concentración que emplea como un recurso obligatorio el teatro para preservarlo a lo largo de esta película, por eso es un film de pocos escenarios.

VERTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS) 1958 Obra maestra de Hitchcock, es una historia con un espíritu necrofílico policial. La novela base es de dos autores (Pierre Boileau y Thomas Narcejac) de otro gran clásico policial: LAS DIABÓLICAS. Sólo su talento iba cambiando los elementos de sorpresa en elementos de suspense. La película tiene dos partes claramente diferenciadas, cada una más excitante que la otra, engarzados por sus personajes principales (James Stewart y Kim Novak) rodeado con la perfección de la obsesión pura, magistralmente acompañada con recursos técnicos alucinantes, distorsiones de imágenes, etc. De visión obligatoria.

PSYCHO (SICOSIS), 1960. Otra joyita del mundo hitchcockniano, con una de las más soberbias actuaciones en el cine moderno, la de Anthony Perkins, carácter del cual le fue difícil desprenderse (algo así como Jack Nicholson y su representación tanto en Alguien voló sobre el nido del cuco y Resplandor). Norman Bates va a quedar como uno de los personajes clásicos del cine y esa atmósfera que ha querido ser emulada por otros (como el remake de Van Gus o el mismo Perkins, sin éxito). Janet Leigh, pese a su corto papel, hizo una contundente actuación.

EL NIÑO EN EL MUNDO DEL CINE

Los niños bien adaptados, que se ven contentos y satisfechos,
que alcanzan buenos resultados en los retos y tareas que enfrentan,
necesitan definitivamente, tiempo. Componente importante para la crianza:
padres e hijos necesitan pasar tiempo juntos.
ROBERTO LERNER, LAS HOJAS DE LA CRIANZA


Uno de los personajes que suele arrastrar multitudes por tener un gran espectro de público cinematográfico es el niño como tal; el intrincado mundo del pequeño hombre o de la pequeña mujer siempre apela a la fibra emotiva de todos los hombres y moviliza nuestros sentimientos de protección por los pequeños, sea por el sentido de perpetuación de la especie (término muy sociobiológico), sea por el sentido de continuidad de nuestra sociedad tal como la concebimos y valoramos (positiva y negativamente, eso sí); gracias al desarrollo de la psicología, sabemos que lo que nuestro pequeño protagonista en la sociedad experimente en su niñez, lo ha de reflejar en su adultez; así pues, todos somos lo que nuestras familias y sociedad hicieron y moldearon de nosotros. Como manifestación artística, el cine va creando personajes locuaces de su época y muchas veces ha forzado la creación de caracteres en la búsqueda de un arquetipo que se vaya ajustando a un ideal contemporáneo de un momento histórico; así, el personaje infantil ha sido tratado de manera diferente de acuerdo a los cambios sociales, políticos y culturales de la sociedad que representaba. Muchas veces no se respetaba la esencia de lo que es un niño, un ser humano en formación, y se lo vestía de adulto forzando y quebrando su normal evolución (me vienen a la memoria Shirley Temple como personaje de la vida real o Baby Jane como personaje ficticio). Este disfrazar al niño como adulto ha gustado y gusta a cierto público y poco se ha hecho para ver un niño verdadero en cuanto a la exploración de su propio mundo. Es cierto que eran niños, la Temple y todos los que aparecieron en el cine americano de los 40 en adelante, pero eran niños forzados a actuar como adultos; incluso los maquillaban para parecer hombres y mujeres pequeños (¿alguien vio BUGSY MALONE?). Quizá, influido por la racionalidad francesa y por la fuerte influencia de un intelectual como Piaget, François Truffaut comenzó a sondear el mundo complicado del niño en el proceso de sus constructos mentales, el reordenamiento del mundo exterior y él en dicho mundo. Películas como LA PIEL DURA (L´ARGENT DE POCHE) nos muestra niños de 7 a 9 años sin maquillajes, con ese difícil enmarañado de relaciones personales y otros. Una bella película del mundo infantil con sus fantasías, mitos y frustraciones es CRÍA CUERVOS, de Carlos Saura, película de la cual hablaremos más tarde.

No estamos hablando del cine para niños que es un rubro muy rico y que estuvo más o menos definido en este lado del planeta, por un lado por el dominio del cine norteamericano (sobre todo la maquinaria Disney); y por otro lado la cultura europea con la Bande Desinée, sobre todo la belga y francesa, quienes tenían acaparado el mercado mundial del mundo occidental y sus dependencias. Hasta la llegada del Manga japonés. La propuesta japonesa trastocó la percepción de lo que es público infantil, puesto que fue modificada por la viciosa contaminación comercial que redefine el “mercado objetivo”, trazándonos gustos que luego se convirtieron en todo un problema, puesto que dicho material no estaba destinado al consumo infantil, fuera del hecho que son percepciones sociales totalmente diferentes al mundo occidental. Todo esto fue tergiversado y, posteriormente, el sistema educativo, ya bastante venido a menos por las diversas crisis vividas, se vio confrontado por este problema generado por los medios de comunicación (que a manera de Pilatos, se vienen lavando las manos de su compromiso educativo y el nefasto error cometido) y debió asumir roles de bombero de situaciones irresponsablemente creadas por los mercachifles con dinero incendiarios.

Les alcanzo un grupo de películas en las cuales los principales actores son niños en toda su candidez o crueldad cándida en su camino hacia su pertenencia en sus respectivas sociedades. O también la simplificada visión que los niños tienen del mundo del adulto.


ZOZO JOSEF FARES 2005 SUECIA-LÍBANO Triste y actual historia de un niño (Imad Creidi) y su familia que deciden buscar refugio en Suecia, huyendo de la larga guerra civil que asoló al Líbano durante los 80. Las tropas cristianas, apoyadas por Israel, y las musulmanas, apoyadas por Siria, hicieron de Beirut un solar de muerte y destrucción. Los civiles eran paulatinamente acosados y muertos en este caos que volvió a la que alguna vez fue una de las más bellas ciudades del Mediterráneo, en un campo de desolación y muerte. Zozo logra embarcarse a Suecia, su familia nunca llegará a hacerlo. Es interesante ver, en la resiliencia de las personas, cómo uno va creando fantasías para poder ordenar el mundo.

CAMINO A CASA LEE JEONG-HYAN 2002 COREA DEL SUR El cine asiático nos da esta maravillosa historia entre un niño caprichoso y urbano, con su ya muy anciana abuela sordomuda. La directora confiesa que no hizo una película compleja, ni nada por el estilo; es una simple historia de dos personajes (en ellos se centra todo el film) que se valen de los gestos y necesidades mutuas para poder vivir. En un principio la relación es terrible: un niño malcriado que quiere salir con sus caprichos se las ve con una anciana que ni lo oye, ni le puede hablar; y además va quedando ciega poco a poco; la situación es extrema y lentamente comienza el cambio. Sencilla película, sin maquillajes; imaginar que la señora (KIM EUL-BOON) que hizo el papel de abuela jamás en su vida había visto una película. Es una excelente película, lección de recursos, así como lección de vida.

BILLY ELIOT STEPHEN DALDRY 2000 INGLATERRA Esta es una simpática historia, narrada casi como un cuento, el cual pierde muchas veces la solidez de la narración por ser un tanto concesiva y meliflua. En realidad, el valor radica en el hecho que este chico luchó contra todo un contexto displicente a la idea de estudiar ballet en vez de dedicarse al boxeo; él lucha por su autenticidad que es a la vez la felicidad. Lo que sí resulta poco creíble es la poca oposición que obtiene, sea por rechazo o envidia a su decisión, suponiendo que la intención del film es contarnos una historia como un cuento de hadas.

NIÑOS DEL CIELO MAJID MAJIDI 1998 IRÁN Esta bella película iraní transcurre en las calles de una ciudad típica surgida en las cálidas y áridas zonas de Oriente Medio. Ciudades en la disposición de las calles son importantes para permitir aprovechar las bondades climáticas en ciertos lugares que pueden ser hostiles a los seres humanos. Y es en sus calles que transcurre esta bella historia de dos hermanos tratando de arreglar sus vidas debido a la pérdida de un par de zapatos, y veremos por sus ojos la vida de la ciudad del pobre como la del rico demasiado occidental, cuyas casas se asemejan a las de todo el mundo estandarizado. A la vez es una crítica velada en mostrarnos el sentido de soledad a través de un niño que vive solo en una casa de grandes ventanas que dan hacia lugares solitarios, sin seres humanos. Una bella película, cálida, sencilla, humana.

KOLYA JAN SVERÁK 1996 REPÚBLICA CHECA Esta es una película que hay que entenderla en el contexto de lo que sucedió en Europa central tras la caída del muro de Berlín. La Unión Soviética se disolvía y la presencia de este país en los antiguos países de la órbita comunista levantaba sus ejércitos y se retiraba. La retirada fue dolorosa y hubo muchos arreglos para consolidar parejas a última hora; así pues, una mujer rusa con un hijo se casa con un celista ya maduro; ella lo abandona y se queda con el niño que solo habla ruso y él, checo. Lentamente se inicia un vínculo especial entre ellos; el niño busca un padre, una familia, el amor, busca un lugar bajo el sol y eso nos toca a todos.

EL COLOR DEL PARAÍSO MAJID MAJIDI 1999 IRÁN Esta es una extraordinaria película que con tan poco recursos puede uno hacer una obra de tal talante. Es la historia de Mohamad, un niño ciego en la vida real y que le lleva el duro rol de interpretar el papel de una criatura que es rechazada por su padre para poder unirse en nuevas nupcias. El padre no quiere ver el amor de su hijo y se vuelve duro e insensible. En un mundo tan duro y pobre, la sencillez nos permite ver a través de los oscuros ojos de Mohamad, la belleza del mundo, el sonido, el olor, las formas. Además conocer ese incomprendido mundo del discapacitado, tan lejos del mundo “normal” y de lo duro que puede ser no estar en la normalidad de los demás. Visión obligatoria.

EL LADRÓN PAVEL CHUJRAI 1997 RUSIA Interesante reconstrucción de un director que vuelve luego de muchos años, uno de los llamados de la nouvelle vague soviética (es autor de LA BALADA DEL SOLDADO); precisamente la historia trascurre en la época del terrible padre de la patria (interesante Patria de pater, cuando debería ser matria…Madre Matria) Stalin; bajo ese rigor y dureza de la época post Segunda Guerra Mundial (que asoló la Unión Soviética con veinte millones de muertos), Sasha, un niño de siete años, comienza a ordenar su mundo observando una serie de injusticias y desórdenes (pareciera un poco inspirado en EL MAESTRO Y MARGARITA de Bulgákov) que significó el periodo stalinista y marcó al alma rusa hasta la era Khrushev, y luego el Glasnot de Gorbachov. Duro film.

ESTACIÓN CENTRAL WALTER SALLES 1988 BRASIL Esta es una película vista no desde la perspectiva de un niño Josué, sino la visión de una mujer madura, Dora, quien ha de contar la historia de este muchacho que la vuelve a la vida, de una situación amargada, temerosa y casi nihilista; este niño queda de repente huérfano y es ella la que asume ese vacío en esta criatura que queda abandonada en la jungla que es São Paulo, en ese enmarañado que es cualquier central de comunicaciones, como lo puede ser cualquier ciudad latinoamericana o del tercer Mundo (aunque no excluyo la soledad de los países llamados ricos). El viaje que emprenden hacia la búsqueda de un padre ausente es un viaje al corazón de Brasil, a su sertão (en el que ocurre la vida de Antonio Das Mortes o la del Cangaçeiro, el de Vargas Llosa); pero también es un viaje al mundo personal de Dora (Fernanda Montenegro), del cual nunca volverá a ser la misma.

CRÍA CUERVOS CARLOS SAURA 1976 ESPAÑA. Una aguda visión de la España franquista a través de los ojos de una niña, cuya madre murió y su padre, un militar de alto rango franquista. Su visión es la de una niña que quiere ordenar el mundo de una manera drástica y maniquea; en su imaginación va creando un orden, que de manera alegórica es el orden que busca la sociedad española a la muerte de Francisco Franco. Tras esa rígida sociedad militarizada, hay una España temerosa que está sacando la cabeza al mundo, y ese proceso es todo nuevo orden mental. Esta es una extraordinaria película.