martes, 3 de febrero de 2009

CANNES, 2009



2009 CANNES PALMARÈS

El conteo de los días para uno de los festivales cinematográficos más rico e interesante ha empezado. Cuando se inaugure el mismo el 13 de mayo, diversas salas cinematográficas, sobre todo en Francia, ya habrán hecho diversos estrenos como una suerte de gran muestra de los filmes que entran en competencia en diversas categorías. El Festival de Cannes es uno de los más importantes en el mundo del cine y sus repercusiones son mucho más maduras y relevantes que los otros festivales, incluido el Oscar. Este último, muchas veces, está muy limitado a las producciones de habla inglesa y muy impactado por criterios demasiado comerciales; es así que se haya entendido que varios bodrios (por ejemplo, Rocky) hayan merecido premios como mejor película; y grandes maestros, como Hitchcock u Orson Welles, hayan sido ignorados.

Siendo un festival de arte cinematográfico total, Cannes no escapa también del tufillo político coyuntural que abunda en eventos como estos; e incluso recibió el impacto social que se generó durante los sucesos del mayo 68 francés y todas sus secuelas (por eso, las películas premiadas con Palma de oro de los tres años siguientes tenían un alto voltaje político de izquierda); o como sucedió con la visión de varias de las últimas películas premiadas a partir del 2001 en las que se critica la sociedad de consumo, el marcado individualismo del sistema capitalista de libre mercado o la invasión de Irak, como son los filmes ELEPHANT de Gus Van Saint (2003) y FAHRENHEIT 9/11 de Michael Moore (2004). El de ahora está rodeado por una de las más graves crisis del sistema capitalista, crisis que ha sumido a Europa en una honda recesión y que quizá se vea esta situación reflejada en las pantallas de este Festival.

En cierto modo, Cannes refleja lo que está pasando no sólo en el mundo del arte, sino en la sociedad en su conjunto (¿alguna vez han pensado al arte totalmente desligado de la sociedad que representa o en la que está inmersa?). Cannes trabaja para honrar el arte cinematográfico, por eso el jurado es tan variado como interesante, gente que vive en el cine, que ve mucho cine de latitudes diversas.

Los premios otorgados (y los que se van creando) apuntan hacia dos posibilidades: hacia la forma y hacia el contenido; quizá nos hayamos abrumado por el avance imparable de la “forma”, el desarrollo tecnológico digital, pero – y para eso están los buenos festivales - el cine no es el desarrollo artesanal (sin menospreciar el trabajo artesanal como la producción en serie de las cosas) de lo audiovisual; es una arte y esa palabra involucra muchas cosas. La delicada misión de un jurado como el de Cannes es filtrar y concordar que entre todas las propuestas llegadas de todas partes del planeta (Perú ya ha participado en varias categorías como en cortos, animación y película) haya algunas entre las elegidas en cada año como las mejores. Por eso, cuando allá en 1946 se realizó la primera versión entre el 20 de setiembre y el 05 de octubre, hasta la versión del año pasado, muchos criterios han ido cambiando y ampliándose para hacerlos un festival más universal y que involucre todos los aspectos del quehacer del cine y se adecue a los cambios surgidos en los últimos años. En la primera versión, la principal categoría fue el GRAND PRIX (Gran Premio), que equivale a las Palmas de Oro y el otorgamiento fue bastante generoso, pues recibieron el mismo 11 películas de diferentes nacionalidades. Otra categoría atractiva (y lo sigue en la actualidad, ya que tiene casi el rango de Palma) es el Premio del Jurado Internacional (PRIX DU JURY INTERNATIONAL) que muchas veces ha elevado a jóvenes directores al Olimpo de los grandes.

Lastimosamente, las cadenas internacionales de distribución cinematográfica (controlada por el pool de Hollywood) no se “encargan” de hacer una justa distribución de estas cinematografías por los obvios intereses políticos y económicos. Es necio decir que el cine no es político (es frecuente oír esta expresión entre gente poco educada o inocente hasta la estupidez para no entender la real dimensión de las cosas). Quizá una de las ventajas de masificación de la comunicación actual es el casi libre acceso a toda esta producción que se gesta en diversas partes del mundo. El problema es que la educación visual ha terminado por embrutecer al público que consume tanta basura en los sofisticados circuitos de salas de cine y que no comprenden (les han secado el cerebro) las nuevas propuestas cinematográficas de otras latitudes (e incluso no muy lejos de aquí como el interesante cine argentino o el colombiano, tan parecidos a nosotros en cientos de aspectos sociohistóricos)

La PALMA DE ORO es el más codiciado de todos los trofeos, es casi como el Nobel del cine, ya que no solo premia el film seleccionado y al director por su propuesta a través de dicho film, sino que va implícito el reconocimiento de la producción y la carrera del mismo director. En un espaldarazo a su genialidad en el cine, el porqué es grande; ahora bien, quien lo recibe, lleva consigo el reto de mejorar, de innovar, de sorprender. Es por eso que algunos años el Jurado no otorgó dichas Palmas (1947, 1948 y 1950).

Gracias a ella, muchas cinematografías inéditas y escondidas han llegado a circuitos comerciales mundiales. La rueda comenzó cuando el mundo contempló con ojos asombrados un esplendoroso cine mexicano con Emilio Fernández y MARÍA CANDELARIA (1946), los destellos del Neorrealismo italiano y ROMA, CITTÀ APERTA (1946) y MIRACOLO A MILANO (1951); Buñuel es premiado por primera vez como director con la grandiosa LOS OLVIDADOS (1951); si Bette Davis no recibió el Oscar por mejor actriz por su ALL ABOUT EVE, sí obtuvo el premio por ser la mejor en Cannes 1951.

Hubo algunas gratas coincidencias entre Hollywood y Cannes cuando se abría el Japón de post guerra y ambas dan el premio a JIGOKU-MON de Kinugasa (1954). El avance de la televisión también hizo coincidir a ambas, por lo que seleccionaron una propuesta nueva y avasallante: MARTY (1955). Fue un documental el que comienza a marcar la independencia entre la visión comercial y la visión artística de ambos festivales: LE MONDE DU SILENCE (1956) de Jacques Cousteau y Louis Malle lo dice a clara voz. Los 60 viene con LA DOLCE VITA de Fellini, y el escándalo con la iglesia y todos esos pormenores. Para seguir provocándola ad portas del Concilio Vaticano II, VIRIDIANA, irreverente film de Buñuel se levanta con las Palmas en 1961. También en 1962, van a premiar en otra categoría a nuestro director con EL ÁNGEL EXTERMINADOR. Van apareciendo cinematografías de Argentina con Torres Nilsson y de Brasil. Europa se vuelve un hervidero de ideas, muchas de las cuales van a ser premiadas a través del cine en diferentes movimientos como la Nouvelle Vague (François Truffaut) y el Free Cinema (Richard Lester y Lindsay Anderson). Estas ideas revolucionarias perturbarán la sociedad francesa y van a frustrar la versión de Cannes 68. La protesta de las calles llegó a las salas de proyección de Cannes. Esta secuela traerá filmes como M.A.S.H (1970), IL CASO MATTEI (1972) y LA CLASE OPERAIA VA IN PARADISO (1972), premiadas con las Palmas. Hollywood le cerró las puertas a Coppola con su APOCALYPSIS NOW, Cannes la premia en 1979; desde los 80 los “otros cines” llegan a las pantallas de Cannes con madurez y surge Kusturica, Kiarostami, Chen Kaige, Abouladze, Zhang Yimou, Egoyan, Jarmusch, Angelopoulos, Lars Von Trier, Wong Kar Wai, Benigni, Moretti, De Oliveira, Almodóvar, entre otros más, que hacían cine y reciben su reconocimiento y su lugar en el mundo de la cinematografía mundial.


Летят журавли (PASARON LAS GRULLAS) MIKHAIL KALATAZOV 1958 Esta es una bella película que corresponde a la nouvelle vague soviética: una película que refleja las profundas heridas que dejó la Segunda Guerra Mundial en la antigua Unión Soviética, país que tuvo el mayor número de muertos que cualquier otro que haya participado en el conflicto (veinte millones de sus ciudadanos). Sus ciudades fueron sumidas en el dolor y el terror, pero la gente sencilla trataba de hacer lo mejor posible por arreglar sus vidas. Esta conmovedora historia cuenta la relación de tres personas que se aman, pero que la guerra los ve separarse; uno parte a la guerra, el otro cobardemente rechaza enrolarse y miente; ella rechaza el amor de este último esperando el vano retorno del soldado; entre bombardeos y mensajes angustiosos vamos viendo los tristes desenlaces de este pequeño grupo; y un día llegó la paz, quizá retornen los del frente; pero esta paz va a ser para la memoria de todos los que cayeron en combate, no se puede contener las lágrimas por la frustración y el recuerdo de los que se fueron. Pero la vida sigue; por eso, un hermoso día de reencuentros ya no pasan los bombarderos alemanes sobre el cielo de Moscú, de pronto pasan las grullas otra vez.

4 LUNI, 3 SAPTÂMINI SI 2 ZILE (CUATRO MESES, TRES SEMANAS Y DOS DÍAS) CHRISTIAN MUNGIU 2007 El triunfo de esta cinta rescató el carácter democrático y abierto de Cannes. La filmografía rumana es totalmente desconocida y lo es aún más el director que llevó las Palmas. Es una cinta barata, modesta, dirigida por este ex profesor y periodista joven. Trata sobre el aborto y su tratamiento durante los últimos años del régimen de Ceauşescu. Una mujer ayuda a su amiga a practicar un aborto y buscan la ayuda de un “abortero”. El mundo que hallan es tenebroso y denigrante al que tienen que enfrentarse.

SCARECROW (EL ESPANTAPÁJARO) JERRY SCHATZBERG 1973 Una bella película de viajes (una característica notable del cine norteamericano), de amistad y de sueños de un par de hombres marginales (uno vagabundo y otro delincuente) por querer hacer algo bueno en la vida. Este film ha sido injustamente postergado y pocos consideran el mismo en la filmografía de los actores que le dan el calor y la humanidad del mismo: AL PACINO y GENE HACKMAN. Su merodear es acompañado con la cámara y, con ella, todos nosotros.

影武者 (KAGEMUSHA, LA SOMBRA DEL GUERRERO) AKIRA KUROSAWA 1980 El maestro del cine japonés nos entregó esta bella obra que reconstruye el Japón del siglo XV con ese espíritu feudal que primó hasta el siglo XIX. La encarnación de la grandeza de un guerrero por su doble (un hombre vulgar) va calando en este último hasta prácticamente reencarnarlo. El proceso es interesante y, a través de sus ojos, vemos un mundo de simbología y formalismo, así como un sentido de humanidad que siempre caracterizó el cine de Kurosawa; las escenas finales con la caída de la sombra del guerrero flotando con el emblema de la familia real combatiente son impactantes, pues nos muestran la total transformación del suplantador hasta asumir un identidad de compromiso por un ideal.

ORFEU NEGRO (ORFEO NEGRO) MARCEL CAMUS 1959 El mito griego llevado a la actualidad; y qué mejor escenario que el Carnaval de Río de Janeiro. Eurídice, como muchas chicas, llega atraída a la gran ciudad, a la urbe; llega al lugar común de muchos emigrantes, a una favela. Pero la alegría lo cubre todo; conoce a una guitarrista, conductor de un tranvía, el cual se va a prendar de ella. Esta relación, como el mito, se va a convertir en una tragedia, todo rodeado por la alegría del Carnaval. Casi como un antecedente de lo real-maravilloso de los latinoamericanos. La fotografía es bella y la música del maestro Antonio Carlos Jobim populariza más el film.

ROMA, CITTÀ APERTA (ROMA, CIUDAD ABIERTA) ROBERTO ROSSELLINI 1946 Roma está ocupada por los nazis, son sus últimos días. La ciudad ha sido declarada CIUDAD ABIERTA, pero esta es amenazada por las tropas de la ocupación; los rebeldes, sobre todo comunistas, son masacrados por las tropas de ocupación, y en su locura de querer capturar a los cabecillas van matando a todo aquel ciudadano sospechoso, no importando si es una mujer embarazada o un cura. La filmación se hizo “sobre la marcha”, la ciudad tenía aún muchas zonas dañadas luego de la liberación (así como en EL TERCER HOMBRE y la ciudad de Viena). Se la puede considerar entre las películas iniciales del NEORREALISMO italiano. La actuación de ANNA MAGNANI es extraordinaria como una mujer sencilla de pueblo.

PARIS, TEXAS WIM WENDERS 1984 Una reflexión fílmica de WENDERS en los Estados Unidos, de encuentros de personas que viven es esos grandes espacios como es el desierto, es un viaje de Travis hacia la gente y a su pasado. Travis (quizá en alusión a un gran escritor alemán Bruno Traven, gran escritor de novelas de aventuras y viajes) realiza este gran viaje para arreglar asuntos familiares no resueltos. Es un buen homenaje de las grandes escuelas de cine europeas (Neorrealismo, Nouvelle Vague) y a sus directores; en realidad, es una buena relectura del cine después de muchos años. Buen trabajo musical de Ry Cooder.

SECRETS AND LIES (SECRETOS Y MENTIRAS) MIKE LEIGH 1996 Este gran director británico siempre ha removido su sociedad con sus propuestas. Con historias sencillas y a la vez truculentas por su origen, Leigh ha ido desenmascarando los traumas y complejos de una sociedad muchas veces tradicional, preservadora de esquemas y roles sociales. Una simple historia como el de averiguar las verdaderas raíces de una mujer ya establecida laboralmente, abre un sinfín de temores y verdades ocultas que no queremos tocar. Cuando Hortense Cumberbatch indaga por su verdadera madre, las respuestas que le llegan son insospechadas y apabullantes. Y la desubicación de toda una familia (de por sí, disfuncional) se acentúa. Insólitamente, es también una catarsis.

SEX, LIES AND VIDEOTAPES (SEXO, MENTIRAS Y VIDEOS) STEVEN SODERBERGH 1989
Una historia contada en un formato parecido al de un video, una historia de un voyeur accidental, quien registra escenas y las guarda como memoria de situaciones diversas que le toca vivir; de pronto, se van descubriendo incestos, y la cámara va registrando, a través de diálogos grabados, escenas dolorosas. La verdad es dura y podemos cubrirla con mentiras para no ver lo que la cámara sí nos termina mostrando. Además esa soledad tecnificada que ha cambiado los hábitos comunicativos de la gente, quienes de una manera u otra recurrimos a estos interesantes medios para poder decir cosas a la gente.

MARÍA CANDELARIA EMILIO FERNÁNDEZ 1946 Como comenta René Ford, por primera vez la belleza del pueblo indígena mexicano es vista en la pantalla. Y todo esto bajo la óptica de un director del pueblo como lo fue Emilio “El Indio” Fernández. Una tragedia casi melodramática que podría confundirse con los dramones mexicanos de la época. Pero la actuación de Dolores Del Río y Pedro Armendáriz (como la pareja indígena que acumulan sobre ellos la injusticia del poderoso y la incomprensión de un pueblo cargado de envidia) hace de esta película un verdadero fresco del México campesino del siglo pasado. Según cuenta la historia, Emilio Fernández quiso reivindicarse con la actriz luego de los numerosos maltratos que ésta recibiera durante la filmación de FLOR SILVESTRE. Y la catapultó a la fama.

MISSING (DESAPARECIDO) COSTA-GAVRAS 1982 Este film está circunscrito dentro de las películas políticas, sobre todo viviendo de un director como Costa-Gavras. Pero si por muchos años, los concursos le eran esquivos a nuestro director por razones obvias, Cannes lo premió con esta extraordinaria historia de la vida real. Chile era el paraíso de muchos idealistas en la época de Allende; la junta del asesino Pinochet mató a muchos de estos, sin escatimar nacionalidades; así cayeron brasileños, peruanos – un compañero de colegio fue asesinado allí, en Santiago – mexicanos, y también norteamericanos. Tras muchos años, ya está totalmente demostrada la participación de la CIA en el golpe chileno; y esto, siendo política de estado, postergó y trasgredió cualquier derecho social o personal, incluso de sus compatriotas. Jack Lemmon hace una impecable actuación como el padre de Charles Horman, quien fue ejecutado por la junta militar.

WILD AT HEART (CORAZÓN SALVAJE) DAVID LYNCH 1990 Este film ha sido poco entendido, aunque el director Lynch tiene otras obras mayores. Casi en la temática de parejas extremas, Sailor (Nicholas Cage) decide huir con su novia; la madre de ésta se opone; Sailor además fue el testigo directo del crimen del padre de su novia, por parte de la madre y su amante. Por esto son obligados a huir y realizan un viaje hacia lo increíble y excitante. El final es una historia de fábula.

MIRACOLO A MILANO (MILAGRO EN MILÁN) VITTORIO DE SICA 1951 Una de las obras cumbres del Neorrealismo italiano, historia fantástica que ocurre en las villas miserias en una ciudad que lentamente se recupera de la guerra y se comienza a perfilar como una potencia industrial. La imaginería de la masa pobre y analfabeta es explotada en situaciones de desesperación y sólo queda soñar que algún día las cosas serán mejores. Los ricos y nuevos ricos hacen escarnio de los habitantes que seducidos por la ciudad llegan para hallar una vida mejor. Y son presas fáciles.

楢山節考 (LA BALADA DE NARAYAMA) SHOHEI INAMURA 1983 Una triste historia basada en las tradiciones, las cuales pueden convertirse en acciones crueles colectivas. En una villa japonesa, la edad de 70 es el fin obligado del ciclo de vida de los residentes; para tal motivo, los ancianos deben irse a una montaña a morir. La persona que se resiste, causa desgracia social a toda su familia. Una anciana, Orin, ya casi con 69 años debe cumplir con una serie de responsabilidades personales antes de partir, como el de lograr casar a su hijo. Es un bello film que habla sobre las tradiciones contradictorias, una cultura que ama y respeta a sus ancianos, así como los desecha. Ante el rigor social, queda el amor.
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