CINE DEL SUR DE AMÉRICA

Los milagros son comparados con las piedras: están por todas partes
ofreciendo su belleza y casi nadie les concede valor.
LA DANZA DE LA REALIDAD, ALEJANDRO JODOROWSKY

En los últimos años, una serie de factores económicos, sociales, políticos y culturales ha permitido el surgimiento de cinematografías que estuvieron esperando su oportunidad para emerger en diversos medios artísticos; no es problema técnico (ya que las nuevas técnicas digitales han aligerado y abaratado costos), ni económicos (hay mucho dinero rondando por el mundo a la espera de una buena propuesta) sino de ideas y estrategias, además de un público que alimente esta consecución de oportunidades para desarrollar esta arte latente en todas latitudes. En los países al sur de Latinoamérica, la realidad política y social ha provocado diversas reacciones que han utilizado a las artes como formas permanentes de difusión de ideas y propuestas, algunas de las cuales fueron acalladas violentamente por los gobiernos de turno (sobre todo, militares) o sutilmente gracias a las presiones económicas de costos y distribución. Algunas florecientes cinematografías de los 50 ó 60, como la argentina, sufrieron duras represalias contra muchos actores, directores, escritores entre otros enviados al exilio, sobre todo por la famosa Triple A de los 70, que desbarató la efervescente intelectualidad rioplatense (los tentáculos llegaron al Uruguay gracias al gobierno de Bordaberry). Hubo casos insólitos como el de la actriz de filmes eróticos Isabel Sarli llorando ante las cámaras por haber recibido una amenaza escrita de la famosa Alianza. Muchos actores y directores optaron por el exilio, algunos en Europa, otros a España, aún bajo la mano férrea de Francisco Franco; otros a México, país que ya había recibido una fuerte oleada de éstos en la época de Domingo Perón. Pero, ya lo había dicho Madero, las ideas no mueren; pasó toda la etapa oscura de las dictaduras militares de derecha en Chile, Argentina y Uruguay, y ese periodo silencioso, cual crisálida, esperó su momento para empezar a sonar. La cultura cinematográfica de estos países se ha visto enriquecida, irónicamente, por ese periodo ignominioso que les cupo vivir en las décadas de los 70 hasta los 90, casi veinte años que aplastó generaciones para adecuarlas a un sistema regido por intereses internacionales bancarios o de compañías transnacionales.
De las tres cinematografías nombradas, la más importante es la argentina. Argentina ya era una potencia en esta arte desde los años 40, su cine se exportaba y algunas figuras del tango (como Gardel) eran protagonistas de historias truculentas que plasmaban las letras de una melodía hecha una narración cinematográfica; es por eso que muchos tangos inmortales tienen su película: ADIÓS MUCHACHOS, EL DÍA QUE ME QUIERAS. Hay un interesante film de esta época, TANGO BAR (1935) de John Reinhardt con CARLOS GARDEL y ROSITA MORENO. El peronismo fue una de las etapas que diezmó el mundo cinematográfico de los 50. Muchos se fueron del país, siendo el caso más conocido el de LIBERTAD LAMARQUE por su desencuentro con EVA DUARTE. Ante la posible humillación, prefiere el exilio. Los años 60, años de crisis económica en este país, la creatividad llegaba a límites insospechados, dando como fruto una gran camada de directores que llevarán la cinematografía argentina a la fama: HÉCTOR OLIVERA, RICARDO WULICHER, RAIMUNDO GLEYZER, JORGE CEDRÓN, EDGARDO COZARINSKY y sobre todo los maestros LEOPOLDO TORRE NILSSON Y FERNANDO SOLANAS. La llegada de una dictadura cruenta de derecha tira por tierra todo el avance de esta sólida creatividad, y muchos de ellos tienen que marcharse. CORAZINSKY y SOLANAS continúan sus obras en el exilio. Otros son acallados y “desaparecidos” como es el caso de RAIMUNDO GLEYZER, asesinado durante el gobierno de Rafael Videla. Ese periodo se ha vuelto historia narrativa para muchos de los filmes de la actualidad. Pese a toda esta fuerte represión gubernamental, hubo algunas interesantes propuestas como la de la directora MARÍA LUISA BEMBERG, quien nos sorprendió con algunas buenas películas de temática femenina como MOMENTOS y SEÑORA DE NADIE. Discretamente, ADOLFO ARISTARAIN realiza dos de sus más grandes obras cinematográficas: TIEMPO DE REVANCHA y ÚLTIMOS DÍAS DE LA VÍCTIMA. La floreciente industria cinematográfica se vio fuertemente afectada por la crisis económica del gobierno de Raúl Alfonsín de los años 80 y todo lo avanzado casi cae en desgracia. Pero los 90 ve una explosión de cine que logró grandes aportes económicos de países europeos o de compañías independientes por lo que lograron sobrevivir a la mentalidad de libre mercado que implantó Menem; es por eso que esta industria se vio parcialmente afectada por el famoso “corralito financiero”, ya que la ayuda y financiamiento no dependían del entorno nacional. Ahora hay varios directores (que continúan la obra de otros mayores como al mencionado ADOLFO ARISTARAIN, LUIS PUENZO, LAUTARO MURÚA), actores (que siguen a los grandes como NORMA ALEANDRO, HÉCTOR ALTERIO, CECILIA ROTH, ULISES DUMONT – estuvo en Trujillo- FEDERICO LUPPI) y demás gente del cine que han puesto al cine rioplatense como uno de los más dinámicos y creativos del panorama mundial.
El cine uruguayo ha sido una suerte de periferia del cine argentino; la primera película considerada como tal se remonta recién a 1923, aunque la producción era muy limitada, pese a que el uruguayo asistía mucho al cine, mucho más que cualquier otro latinoamericano. La mayoría de sus filmes han sido coproducción, como así sucede con la película que se presenta en este pequeño ciclo. Ha tenido grandes actores, pero se han desarrollado en el cine argentino, tal es el caso de la grande China Zorrilla, excelente actriz de teatro y de cine. Uno de los más países más cultos de América es irónicamente uno de los países que ha visto partir a sus ciudadanos. Las dictaduras civiles de derecha fueron retratadas en la película ESTADO DE SITIO de Costa Gavras. Uno de sus mejores filmes es MATARON A VENANCIO FLORES (1982), film que fue despotricado en su país, pero que recibió un fuerte reconocimiento internacional. Algunos filmes recientemente han logrado cierta fama internacional, tal es el caso de EN LA PUTA VIDA de BEATRIZ FLORES SILVA, film en el que narra la terrible realidad de muchas mujeres que viajan para buscar una vida mejor y terminan prostituyéndose.
El cine chileno sí tuvo una vida paralela; los años de Allende fueron un caldo de cultivo de todas las artes en Chile; tras el golpe de Pinochet, muchos optaron por el exilio y por mucho tiempo la industria cinematográfica más relevante de ese país se hacía en el exilio; algunos directores como RAÚL RUIZ se quedaron en el extranjero y aún continúan su trabajo en países como Francia o Italia. Un gran documentalista chileno es PATRICIO GUZMÁN, quien hace su trabajo entre varios países y su Chile natal. SILVIO CAIOZZI es otro que trabaja “a salto de mata”. Patricio está reconstruyendo, vía el documental, el pasado de su país, sobre todo el periodo pinochetista y lo ha hecho a través de historias particulares de exiliados que regresan a ver cómo está Chile, casi un trabajo como el hecho por José Donoso en su libro EL JARDÍN DE AL LADO. Mención aparte merece un chileno que hizo su trabajo fuera de su país: ALEJANDRO JODOROWSKY, multifacético artista, director de un film de culto llamado EL TOPO. El retorno de la democracia formal sirvió para formalizar muchas actividades artísticas con el fin de asumir una marca de identidad (eso lo tiene muy claro el mercado liberal chileno); es por eso que a fines de los 90, ya se hablaba de un cine chileno, como fruta, pisco o vino, con calidad de exportación. Eso les permitió acceder rápidamente a un mercado de capitales que le permitió una sostenida producción no necesariamente de calidad. Es interesante leer la entrevista a ROBERTO TREJO, que apareció en la revista BUTACA SANMARQUINA No 9 (2001), quien cometa la estrategia para apoyar al cine nacional chileno. Pero entre tanto material, algo notable se ha de producir: algunas de ellas se presentaron en los festivales latinoamericanos hechos por la PUCP en Lima, y así conocimos la notable EL CHACOTERO SENTIMENTAL (1999) de CRISTIAN GALAZ; EL ENTUSIASMO (1998) de RICARDO LARRAÍN o MACHUCA (2004) de ANDRÉS WOOD (vista el año pasado en un ciclo de cine latinoamericano). Gracias a estos festivales hemos podido ver EN LA CAMA, la cual veremos en este breve ciclo. Chile está produciendo todo tipo de filmes, terror, comedia ligera, drama, e incluso ahora ha incursionado en filmes de karatecas (creo que es la única filmografía en castellano que lanza estas extravagancias)

ILUMINADOS POR EL FUEGO TRISTÁN BAUER ARGENTINA 2003 Un ex combatiente argentino de la Guerra de Malvinas intenta suicidarse. Su esposa convoca a Esteban, amigo y compañero en el campo de batalla, hoy convertido en periodista. El reencuentro dispara en Esteban el recuerdo de los días dramáticos en las islas, cuando él y sus compañeros eran cercados por el enemigo, el frío, el hambre y el miedo. Su visita va a hacer mucho más doloroso aún el recuerdo, cuando halle objetos de ese momento. Está basado en el libro homónimo de Edgardo Esteban, quien fuera soldado en el conflicto armado, y Gustavo Romero Borri, quienes adaptaron el material junto al director y al periodista Miguel Bonasso. Parte del rodaje del film -autorización mediante del gobierno británico- se realizó en las propias Islas Malvinas, territorio por el que se enfrentaron Argentina e Inglaterra entre abril y junio de 1982. Es un recuerdo doloroso y que en parte también involucró a los peruanos gracias al apoyo incondicional del gobierno de Francisco Belaunde. La derrota significó el derrumbe de la dictadura militar regida en ese entonces por Galtieri.

EL CUSTODIO RODRIGO MORENO ARGENTINA 2005 Es una película acerca de un trabajo que consiste en reemplazar la vida de uno por la de otro, acerca de la presión que esto implica y acerca de cómo esa presión finalmente estalla. Si el Ministro de Planeamiento sale de su auto, Rubén sale del suyo. La historia de un hombre gris, la sombra de otro, un personaje importante que le cuadricula toda la vida. El papel encarnado por Julio Chávez es la de un hombre sombrío, cotidiano, mediocre. Pero un día llega siempre a cambiar totalmente su destino.

CRÓNICA DE UNA FUGA ISRAEL ADRIÁN CAETANO ARGENTINA 2006 es la adaptación del libro de Tamburrini Pase libre - La fuga de la Mansión Seré, protagonizada por Rodrigo De la Serna. Casi toda la película se desarrolla dentro de un único ambiente, en el que los reclusos están a merced de sus custodios, los cuales han sido secuestrados durante la dictadura. Eran tiempos lúgubres no solo en Argentina, sino en Uruguay, Chile, Paraguay y un poco en nuestro país (hay que recordar la famosa operación Cóndor, operación por la cual algunos ciudadanos argentinos asilados en nuestro país, fueron secuestrados y aparecieron muertos en España, bajo la anuencia de las autoridades militares de l época de Morales Bermúdez y el gobierno fascista de Francisco Franco). Según lo que describe el autor del libro y el director es no querer hacer un panfleto, pero sí describir los horrores de un secuestro.

WHISKY JUAN PABLO RAVELLO y PABLO STOLL URUGUAY 2004 Genial film uruguayo, una pareja de ocasión para un momento que se sale de la monotonía para fingir felicidad; pero ese fingimiento va a cambiar completamente la relación que existía entre Jacobo Koler y Marta; el primero, un empresario de una antigua fábrica de medias, la segunda, la supervisora de la misma fábrica. La llegada del hermano menor de Jacobo del Brasil saca a la pareja laboral de lo cotidiano y fingen ser esposos para los demás. Ese fingimiento va a abrir una ventana de esperanzas para ambos; pero el paso no se da, y como esas fotos forzosamente posadas, el momento se desvanece para volver a la rutina. Hubiera sido así, pero lo rutinario no se restablece. Es un film con mucha tristeza, añoranza e ironía. Gran película de nuestro mundo

EN LA CAMA MATÍAS BIZE CHILE 2005 un interesante film chileno que trabaja la intimidad de las relaciones humanas, el espacio de los secretos y confidencias de lecho. Daniela y Bruno son dos desconocidos que se descubren en la calle y se atraen de inmediato. Respondiendo a un impulso deciden irse directo a un motel. Cuando han satisfecho su primera pasión comienzan a explorarse en un plano más profundo y allí es donde la historia cobra una fuerza inesperada. Uno espera hallar un cine erótico, pero el tema deviene en una búsqueda de lo que pasa en una pareja en esos secretos momentos en el lecho. El resultado es sorprendente. El carácter furtivo del encuentro les permite abrir sus emociones, secretos, sentimientos oscuros y sueños. Hacía tiempo que no se veía un cine tan maduro como este.

PLATA QUEMADA HÉCTOR PIÑEYRO ARGENTINA 2000 La historia de dos jóvenes delincuentes de los años 60 se vuelve una historia sórdida y violenta. El Nene y Ángel tienen la costumbre de trabajar juntos, en realidad son amantes y siempre andan juntos, como “mellizos”. Una mala maniobra y el plan de un gran robo hace agua, incluso con muertos y heridos, uno de ellos cae herido por una accidental ráfaga y la historia se complica; cine claustrofóbico, de encierros y personalidades falsas, muestra un periodo de apariencias. No es una de las mejores películas del director, pero sí tiene muchas escenas de “agallas” como pocas veces vistas en el cine argentino.

LOS ABISMOS DE BUÑUEL EN SU PERIODO MEXICANO

El instinto es la motivación central del cine de Buñuel.
Sus personajes viven con unas conciencias afiebradas por la tensión
entre la carnalidad y las condiciones que lo limitan: sociales,
biológicas o morales.
ASCANIO CAVALLO. SOBRE LUIS BUÑUEL


Buñuel ha sido un verdadero paradigma de cineasta polémico, genial y contestatario. Desde sus trabajos iniciales en España en la corriente surrealista, hombro a hombro, con artistas de la talla de Salvador Dalí, Buñuel va a empezar un largo camino cinematográfico trazado por su anticlericalismo, comunismo y soberbio ingenio que lo han hecho uno de los más grandes directores de todos los tiempos. Desde su PERRO ANDALUZ hasta ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO, Buñuel, adusto (como el retrato que pintó de él Dalí en 1924), dejó una estela de filmes, algunos de estos considerados verdaderas obras maestras de la cinematografía mundial. Por la Guerra Civil Española y la Segunda Guerra Mundial en la Europa de entonces, el director aragonés se vio forzado al exilio; debido a sus ideas izquierdistas, no pudo trabajar en Hollywood por lo que se vio obligado ir a México, país que recibió a cientos de intelectuales, sobre todo de origen español. Su incursión en estudios Churubusco fue trascendente para el cine mundial, trabajando con guionistas, fotógrafos, actores y sobre todo actrices, de quienes explotó sus artes con el fin de dirigir películas que alucinan a los amantes del cine y a los que no, también. Tal como reza el encabezado de esta reflexión, Buñuel fue una suerte de Marqués de Sade moderno (como plantea Octavio Paz), el cual supo mostrar en su producción mexicana toda esa voluptuosidad que hace al ser humano, un ser muchas veces impredecible. Pero en la misma reflexión escrita por Cavallo, nos dice que Buñuel no hace un giro intelectual hacia la destrucción, sino, al contrario, busca en el instinto la posibilidad de seguir adelante, de sobrevivir frente a las fallas terribles que las instituciones humanas no han podido corregir o remediar, pese a haber creado sistemas con el fin de garantizar la felicidad del hombre; así pues, ni el Estado ni la Iglesia han sido o son capaces de otorgar al hombre un sistema ideológico de seguridad, de ahí sus reiterados fracasos en lo individual. Su posición anticlerical le va a granjear cientos de enemigos dentro de la jerarquía católica, sobre todo luego del estreno de VIRIDIANA (1961), en la que hay una escena de lo más irreverente que hizo saltar hasta al Papa. La herencia del surrealismo ha hecho ver bastante onirismo en su producción, lo cual no es del todo falso, pero sí muy limitante. Nuestro Director quiso también enseñar cómo es la realidad, en sus escenas descarnadas y nada concesivas. Quizá haya muchos que queden escépticos sobre la sociedad, luego de ver varios de sus filmes. Pero esa no fue su intención. Militante él, su cine se valió de cualquier medio para mostrarnos todo. México le dio esa oportunidad y transformó el melodramón en el espacio de la lucha de instintos viscerales para vivir. No es benevolente, así es tristemente la realidad y, como dice Miguel Marías, aún tiene (Buñuel) toda la razón. Además, con poco dinero y mucho talento, tanto suyo como el de los que lo acompañaron, dieron al cine, obras maestras.

Aquí algunas de sus obras maestras:

LOS OLVIDADOS (1950) como dice George Sadoul, “..fue un grito de horror y de piedad, lleno de ternura bajo una aparente crudeza..” Es una visión descarnada de la pobreza, y que nos muestra de manera directa y sin concesiones la crueldad en ese mundo olvidado. Los pobres no son vistos como seres idealizados, sino son mostrados en ese mundo hecho para sobrevivir; cualquier rasgo de bondad es un chispazo de debilidad que puede costar caro. Esta película tiene sus grandes destellos surrealistas en las escenas del sueño de Pedro, en la muerte del Jaibo (el actor que veremos en EL LUGAR SIN LÍMITES de Ripstein) y el ciego libidinoso que acosa a una niña. La escena de la tortura de una pandilla al ciego pudo haber inspirado a otra secuencia en el clásico de Kubrick La Naranja Mecánica (1971). Fue la primera gran obra de Buñuel en tierras americanas (había filmado otras dos para ese entonces)

ÉL (1952) extraordinario filme, pareciera un típico tema mexicano, pero es un demoledora crítica al macho, al prototipo de la inseguridad y vemos dicha debilidad a través de las escenas alucinantes que este personaje de alcurnia nos puede mostrar por sus irrefrenables pasiones y temores. El actor Arturo de Córdova (Francisco) va destruyendo a su pareja Gloria (Delia Garcés) por sus obsesiones enfermizas, de corte fetichista y edípicas. En una sociedad en la que el varón es dominante por costumbre, las locuras de Francisco son aceptadas como la reacción normal de un esposo correcto frente a los posibles devaneos de su mujer. Toda una historia digna para un poema de Sor Juana Inés de la Cruz, sin más.

LA ILUSIÓN VIAJA EN TRANVÍA (1953) Aunque es considerada una obra menor en la filmografía de Buñuel y con pocos recursos técnicos, no deja de ser una simpática comedia urbana con varios toques surrealistas. Dos amigos trabajadores de la compañía de tranvías de México logran robar por un día su herramienta de trabajo que iba a ser destinada al depósito por obsoleta. El acto quiere ser enmendado pero las circunstancias provocan que la broma siga su curso. Mas, al fin y al cabo, no deja de ser una mera ruptura de la cotidianeidad de la vida de cada uno de estos hombres, como lo es en la mayoría de todos los seres humanos.

EL ÁNGEL EXTERMINADOR (1962) es una obra maestra; fue la última película de su ciclo mexicano y penúltimo con una actriz a la cual supo explotar en todo su talento: Silvia Pinal. La película, como obra maestra, tiene muchas lecturas por la gran cantidad de metáforas visuales que esta nos da. Lo más notable de este filme es el desarrollo de la historia en un solo espacio, creando micromundos a los que accedemos gracias a la cámara para resaltar esa marcada sensación de claustrofobia que nos quiere evidenciar con este encierro. En este enclaustramiento somos testigos, además, del deterioro de todo decoro burgués y moralista a extremos insospechados. De visión obligada.

NAZARÍN (1958) basada en la obra de Benito Pérez Galdós, del mismo nombre, es una interesante película que nos muestra a un Buñuel irreverente con la visión cristiana y lo absurdo que puede ser el mundo o las leyes que tratan de interpretarlo y regirlo. Cabe recordar que los escritores del 98, círculo al cual pertenece Benito Pérez, es un conjunto de hombres y mujeres que enfrente una fuerte crisis de fe; nos lo muestra Unamuno, Pío Baroja y esta pequeña obrita que muestra a un cura (Nazarín = Nazareno) que trata de enmendar el mundo con la palabra del evangelio; quijotesca ilusión que lo lleva a situaciones francamente hilarantes, pero dolorosas. Las escenas finales son bastante tristes y de paso da una buena patada contra toda esa pacata acción de muchos hombres y mujeres “religiosos” que dicen practicar la caridad cristiana.


Bibliografía:

HISTORIA DEL CINE MUNDIAL, George Sadoul, Siglo XXI editores. 1980.

LA GRAN ILUSIÓN. Varios. No 12. Universidad de Lima. 2000

DICTIONNAIRE DE FILMS. Bernand Rapp y Jean-Claude Lamy. Larousse. 1995.

EL CINE ÍNTIMO DE INGMAR BERGMAN

Uno de los más grandes cineastas del siglo XX, no es precisamente un director de masas. Ingmar Bergman es un extraordinario director cuya obra ha sido de una permanente investigación de la naturaleza humana y sus incesantes preguntas sobre la existencia y nuestro lugar en el cosmos. Producto de un rico periodo de post-guerra, casi toda su filmografía la desarrolló en los 60, cuando en Francia había una nouvelle vague; Alemania estaba sumida en una confrontación de ideologías que iba a ofrecer un excelente abanico de directores durante los 70; y el mundo en general se estremecía por una gran variedad de circunstancias, producto del choque de ideologías y el paulatino deshielo de la Guerra Fría. En ese contexto histórico y, quizá, como lo que pasó con los europeos post-descubrimiento de América, las dos guerras mundiales que arrasaron el continente hicieron que sus habitantes entraran en un colapso de valores y certezas...Había que rehacer el mundo. Así pues, cada una de las películas de nuestro maestro, con sus actrices fetiches (Bibi Anderson, Liv Ullman), ha logrado escudriñar un poco más ese intrínseco mundo de la naturaleza de la pareja, la soledad, el miedo por la muerte, la contemplación de nuestro pasado. En realidad, es uno de los directores que más ha trabajado con temas inspirados en su propia vida. Para una persona que hace una reflexión metafísica del tiempo que le ha tocado vivir, creo que tiene mucho material qué ofrecernos. Es por eso que, como el común de los mortales, no esperemos ver filmes en los cuales hay crímenes por doquier, persecuciones, acciones adrenalínicas que nos dejen exhaustos. En fin, lo que no nos ocurre a diario.
El cine comercial americano nos ha acostumbrado a ver ese tipo de película que nos tiene en vilo a cada instante; una acción violenta que nos arrebata del asiento; o algo melifluo, demasiado dulzón hasta los extremos que nos arranca lágrimas incomprensibles. Por eso, “enfrentarse” con el cine de Bergman, para muchos puede ser muy frustrante una primera vez; su discurrir es de contemplación, casi un realismo psicológico que abunda en detalles de nuestro comportamiento general. Nuestra vida cotidiana tiene esa gran conjunto de cosas pequeñas que van construyendo el día y nuestra existencia, con el conjunto de seres queridos y conocidos que van formando el espejo de nuestra memoria, y ese recorrido en solitario que es la vida (casi como Juan Pablo Castel en El Túnel de Sábato).

EL SÉPTIMO SELLO (1956) Considerada la obra maestra de nuestro director, es una interesante reflexión de un hombre del medioevo que retorna de la guerra (Max Von Sydow), desencantado, con su ayudante; y se topa con la muerte. Este insólito encuentro se prolonga gracias a una de las escenas que han quedado para la posteridad: juegan una partida de ajedrez durante la cual surgen un sinfín de preguntas que quedan sin respuestas . Esta es una obra moral, que fue extraída de una pieza escrita por él mismo llamada Pintura en madera, que se inspira en el Libro de las Revelaciones de San Juan el Divino. En los inteligentes parlamentos, los personajes hablan de todos los temores que los humanos tenemos por el futuro y ese conflicto que es la religiosidad, cuando ésta se ve sometida a extremos (como el caso de la plaga de peste bubónica en la Europa medieval). En muchos casos, el cinismo queda como única respuesta ante lo abrumado que puede ser la vida en su inconmensurable realidad.

LAS FRESAS SALVAJES (1957) una extraordinaria película despedida, un profesor (Víctor Sjöstrom) va a recibir una mención a lo largo de su vida académica y decide partir a la Universidad de Lund en un largo viaje en su auto, un viaje a su pasado, al descubrimiento de lo fue y es su devenir, sus relaciones con los padres e hijos, los recuerdos, los días veraniegos largos en su juventud, el rigor de su hogar, el haberse convertido en un viejo intolerante con sus seres queridos, el extenso diálogo con su nuera, el sueño con el verse a sí mismo en la muerte; en fin, un discurso visual de la vida en la cual vamos estableciendo vínculos y también los frustramos. Fue un chispazo el que generó el guión de esta película, un Bergman que un día quiso visitar la casa de su abuela. Quizá el que uno de los grandes del cine sueco, como Víctor Sjöstrom, haya encarnado su último papel, hace a esta película aún más entrañable.

PERSONA (1966) Este es un drama psicológico en la búsqueda de la Fe, búsqueda del alma: ¿existe esta? Hacia el final, la presenta como tal..Pero hay un cierto pesimismo, ya que vemos máscaras o formas que aparentan nuestro ser. Es un excelente estudio de cine para lograr de este las intenciones de un director como Bergman.

GRITOS Y SUSURROS (VISKNINGAR OCH ROP) (1973) Un film doloroso de estudio sobre el comportamiento de cuatro mujeres, tres hermanas y una sirvienta, en torno al proceso agónico de una de ellas, Agnès, quien tiene un cáncer terminal. Sus otras dos hermanas, lejos de ayudarla en su lenta agonía, actúan dolorosamente enfrentando sus demonios, sobre todo Karin, quien decide mutilarse con el fin de frustrar sus encuentros sexuales con su esposo. Sólo la sirvienta, Anna, quien había perdido un hijo, comprende la dimensión de la situación y decide ayudarla. Todo en un entorno estético bello que disimula el sentido trágico de la enfermedad, la frustración y la muerte.

TROLLFLÖJTEN (LA FLAUTA MÁGICA) 1975 Una visión muy libre y particular de la ópera de Mozart, cantada en sueco, y que la muestra como originalmente pudo haber sido: un cuento de hadas con algo de esotérico, destinado a divertir al pueblo. Esta ópera, parece ser, tiene una intención popular; para la opinión de José María Triana, esta ópera condensa todo los valores humanos y generales que un carácter sectario no hubiera podido compartir, precisamente por ser sectario. La filosofía sobre la amistad, el verdad y el amor al saber con los pilares que subyacen a lo largo de ella. Es una de las más frecuentemente representadas y tiene arias, dúos, tercetos y coros bellos para todos los timbres de voces. La propuesta escenográfica de Bergman está pensada para un mundo infantil, al cual muchas veces se posterga, dándole al arte una exclusividad para el adulto. Esta visión errada ha hecho que algunos artistas volteen de vez en cuando a los niños, quienes tienen pocos prejuicios para acercarse a una obra maestra, si es que el acercamiento es el adecuado para formar en ellos seres sensibles e inteligentes; es interesante que cada cierto tiempo el adulto artista busca lo que se denomina “naif” (cándido) para presentarlo como una propuesta. En cierta manera, esta propuesta encierra visos de naif, pero también nos muestra en paralelo la vida de los artistas (divos) quienes son seres cotidianos como cualquiera de nosotros.

SONATA DE OTOÑO (1978) muestra una interesante pero dura relación entre una madre - famosa pianista (Ingrid Bergman) y una hija – mediocre pianista (Liv Ullman), una relación muy dolorosa, que termina por aplastar y deteriorar un intento de reencuentro, luego de la viudez de la pianista. Esta es la única oportunidad en la que Ingrid Bergman trabajó con el maestro; también fue para ella, volver a la pantalla sueca (ella era sueca de nacimiento) y hablar su lengua hasta su muerte en 1981. La película tiene, además, una bella fotografía (Sven Nykvist) que permite mostrar un lindo entorno a las terribles situaciones que se pueden crear en el seno familiar, las más oscuras: odios, malos entendidos, frustraciones.

FANNY Y ALEXANDER (FANNY OG ALEXANDER) (1983) historia de hermanos, en la que el niño, Alexander, se acerca a una autobiografía de nuestro director; es, según él, una forma sincera de rendir homenaje al teatro, arte al cual ama mucho. Fue concebido para la televisión, por lo que tiene una extensión poco usual para el cine (3 horas). La historia transcurre en 1910, diecisiete años antes de su propia niñez, pero todos los elementos y circunstancias son propios de Bergman, quien tuvo una hermana mayor y otra menor

AKIRA KUROSAWA

Hablar de Akira Kurosawa es hablar de uno de los más grandes maestros que haya dado el séptimo arte a la humanidad; no sólo por las propuestas cinematográficas, sino por la calidad humana que nos mostró a través de los personajes sólidos de sus filmes. Sin temor a equivocarme, fue para el cine lo que César Vallejo para la poesía. En Ikiru (Vivir), vemos la grandeza del alma humana para encontrar la razón de su existencia ayudando a los demás y, gracias a esto, trascender; por otro lado, en Dersu Uzala, nos muestra la limpieza de la amistad entre los seres humanos de condiciones y entornos distintos que van más allá de esas barreras para entablar una profunda relación sin intereses ni mezquindades. Kurosawa (1910 – 1998) es el ser humano que buscó en sus filmes llegar a nuestra alma y darnos la posibilidad de redención. Además gracias a su obra, el cine japonés logró ubicarse en el panorama de las artes del celuloide y restableció los vínculos del Oriente con Occidente, luego de ese oscuro periodo que fue la Segunda Guerra Mundial.
Trabajó en varios géneros, y en su país fue muy conocido por abordar temas históricos con bastante suceso, que enriqueció toda una vertiente, el jidai geki. Tuvo una extensa filmografía, y en ella fue plasmando su filosofía, nos mostró su carácter universal con su identidad japonesa.

VIVIR (IKIRU) (1952) ¿qué le puede pasar a uno que sabe ya su muerte está próxima y nada va a cambiar esta situación? La posibilidad de la depresión es bastante factible y es un paseo paulatino por lo que fue nuestra vida. Quizá muchos caigan en la desesperación, pero varios deciden justificar su vida. Este es el caso de Kanji Watanabe, quien al enterarse de un cáncer terminal, le quiere dar un sentido a su vida: para esto, de un oscuro funcionario mediocre burocrático, pone todas sus fuerzas para ayudar a un grupo de vecinos en hacer un parque para niños. Una motivación personal para ayudar a su sociedad. Un legado que justifique su existencia en esta bella película.

SHICHININ NO SAMURAI (LOS SIETE SAMURAI) (1955) una película extensa de aventuras, es una de las más copiadas en el mundo occidental (incluso el filme BICHOS de los estudios Disney la abordó), corrobora la fama ya ganada para ese entonces del maestro. Todo se remonta a fines del siglo XVI, una pequeña aldea es amenazada por bandas de saqueadores que asolaban las campiñas durante las extensas y frecuentes guerras civiles. Así pues un grupo de pobladores decide contratar a algunos samurai para la defensa de la población. La historia parece todo un western con una serie de personajes bien delimitados, una acción permanente, una tensión que se resuelve con el ataque de los pillos a la villa y el logro final de los objetivos. Hay un extraordinario trabajo de cámara, buenas escenas en movimiento y con una buena dirección de actores. Con este trabajo, Kurosawa, aunque hizo un jidai geki, ofreció a occidente un filme más para el gusto de ellos. Un clásico.

RASHOMON (LA PUERTA DE LOS DEMONIOS) (1951) Una inmensa película que puso al cine japonés en órbita mundial. Para algunos es una obra que muestra lo aprendido por nuestro maestro de la cultura occidental: la fotografía en el cine de Fritz Lang; la representación teatral de Luigi Pirandello y la música de Maurice Ravel. Basada en la obra de Akutagawa Ryunosuke, es una profunda reflexión sobre la verdad y el ser humano: un crimen visto por cuatro participantes, incluido el muerto, nos hace ver que la verdad es relativa; cada uno de ellos posee su propia lectura, como una pintura cubista de un hecho. Todo para mostrar la futilidad de las cosas; y todo transcurre en las puertas de un templo quemado que reúne a tres personas. Terrible verdad que volvería escépticos a todos nosotros, pero el hecho de haber encontrado a un bebé abandonado y ser adoptado por uno de los tipos del cual no se esperaba nada, nos hace volver a creer en el hombre y la posibilidad de redención. Una joya.

DERSU UZALA (EL ÁGUILA DE LA TAIGA) (1975) Quizá una de las más bellas películas hechas sobre la amistad y la libertad del hombre en un equilibrio perfecto con la naturaleza. Como dice Llanos, es un filme al cual a veces la memoria puede ser ingrata por olvidarnos detalles de este canto a la esencia tanto humana como natural (si cabe el término). Es un filme de gran dimensión, que a pesar de los vastos planos que nos muestran la naturaleza inconmensurable, también es minimalista (mucho antes que acuñara el término) por la preocupación de detalles que nos muestra el avance del tiempo, pero que queda en la huella de cada uno de nosotros. Como lo llaman algunos, es un filme-río.

KAGEMUSHA (1980) El maestro del cine japonés nos entregó esta bella obra que reconstruye el Japón del siglo XV con ese espíritu feudal que primó hasta el siglo XIX. La encarnación de la grandeza de un guerrero por su doble (un hombre vulgar) va calando en este último hasta prácticamente reencarnarlo. El proceso es interesante y, a través de sus ojos, vemos un mundo de simbología y formalismo, así como un sentido de humanidad que siempre caracterizó el cine de Kurosawa; las escenas finales con la caída de la sombra del guerrero flotando con el emblema de la familia real combatiente son impactantes pues nos muestran la total transformación del suplantador hasta asumir un identidad de compromiso por un ideal.

RAN (1985) es una de las obras más destacadas y una excelente lectura de la obra El Rey Lear de Shakespeare; un señor feudal a su vejez desea dividir su reino entre sus tres hijos, los que se van descubriendo en su veleidades y ambiciones, una terrible frustración al viejo padre. Como los genios universales, uno toma prestado la obra del otro para poder redondear un mensaje, en este caso el de la soledad del poder y la soledad en general de los hombres por buscar quién nos acompañe en el discurrir de la vida y la insensatez de nuestras luchas por algo que no tiene sentido, quizá una de las obras más amargas de la cinematografía de nuestro Director


Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Las 100 mejores Películas, John Kobal, ALIANZA EDITORIAL, 4ta edición, 1995.

Historia Ilustrada del Cine, René Jeanne, Charles Ford. ALIANZA EDITORIAL, 3er tomo, 1981.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

La Gran Ilusión, La Vía Láctea, varios autores, UNIVERSIDAD DE LIMA, No 10, 1999-1

CIRCULO DE LA VIDA PIER PAOLO PASOLINI

Yo, ahora, tengo poco tiempo: por culpa de la muerte
Que se viene encima, en el ocaso de la juventud.
Pero por culpa también de este nuestro mundo humano
Que quita el pan a los pobres, y a los poetas la paz.

“AL PRÍNCIPE” – POEMAS - PIER PAOLO PASOLINI


Pier Paolo Pasolini (1922-1975) fue uno de los más grandes cineastas italianos del siglo XX; polémico y comprometido, comunista y homosexual confeso, persona que tuvo a Jesús, Freud y Marx como sus modelos o paradigmas; creó desequilibrios vitales tanto en la sociedad italiana como en el mundo artístico en general. Fue un poeta en la palabra y en la imagen a pesar de que algunos críticos piensan más que sacrificó al cineasta por el poeta interesado en mostrar un discurso de ideas. En su provocación, utilizó diversos medios textuales o visuales para transgredir, subvertir el orden y no dejar a nadie conforme. Muchos han de ver su cine acartonado o rudimentario (como el caso de IL VANGELIO SECONDO MATEO), pero su rigor sobre una lectura cinematográfica se acomodaba a sus intenciones comunicativas como el hecho de emplear al filme propiamente dicho en tanto el medio para expresar sus ideas.
Pasolini llega tarde al cine; su primer trabajo cinematográfico fue en el año 1961, luego de su intenso recorrido en el mundo de la literatura, sea en poesía, dramas o ensayos. Comprometido con la causa marxista, se dedicó a la recolección y difusión de la poesía popular italiana, dedicándose incluso a hacer una antología para hacerla conocida al mundo intelectual y artístico oficial. Por sus posturas críticas, se alejó del Partido Comunista por discrepancias en cuanto al tratamiento del pensamiento de Antonio Gramsci y la postura del partido de alejarse del pueblo a quien se debía. Dicha actitud le fue granjeando enemistades; muchas veces parecía un personaje díscolo difícil de controlar, gestor de ácidas reflexiones sobre dirigentes de instituciones varias, incluidos sus amigos intelectuales. Ya en el cine, su obra tiende a seguir la escuela Neorrealista, a la cual admiró mucho. Su formación de cineasta no fue académica, es por eso que muchas de sus películas han de presentar deficiencias o conceptos técnicos cinematográficos muy rudimentarios; pero, pese a todo, supo trabajar con directores como de la talla de Federico Fellini, con actores como Silvana Mangano o Terence Stamp o con artistas como María Callas.
En el ensayo que escribió José Carlos Huayhuaca (La Pasión de la Muerte según Pasolini, HABLEMOS DE CINE, No 75-76), en una aguda reflexión revisa la obra de nuestro Director; pero es drástico en hacer ver que su obra se fundaba en una intención tanática exacerbada, en la que lo sexual pasa a un plano meramente provocativo y se centra en un trabajo detallista, casi morboso, de buscar elementos de corte necrófilos: toda una antitesis a la propuesta de compromiso de lucha y liberación de PPP. El concepto que engloba este Círculo de la Vida lo acercaría a Buñuel como continuador de espacios vitales para el ser humano, como el reciente ciclo que acabamos de ver.
Se inspiró en los entornos campesinos u obreros y de estas canteras sacó a muchos de sus actores aficionados, así como a sus amantes, algunos de los cuales (Ninetto Davoli) fueron llevados a la pantalla grande como actores principales. Pero esta vida privada, para muchos licenciosa, también estuvo acompañada por un espíritu político ácido y crítico, situación verdaderamente incómoda para el régimen de entonces. El 2 de noviembre de 1975 nuestro director fue asesinado por un delincuente, Pino Pelosi, de 17 años a quien, dice, le había propuesto tener relaciones sexuales. Cuando se hizo público el asesinato, la intelectualidad y los artistas italianos dudaron sobre los móviles de este crimen, que tenía un tufillo a complot o crimen político. 30 años después, algunas pistas nuevas han surgido, que apuntan a que todo lo dicho esa noche de noviembre no es del todo cierto y que hay muchas cosas más oscuras por descubrir.

CUENTOS DE CANTERBURY (I RACCONTI DI CANTERBURY) (1972) El presente ciclo denominado “de la vida” muestra una lectura especial de 3 obras cumbres de la literatura mundial. Esta película toma como base la obra de Chaucer, una aguda y severa reflexión de la Inglaterra medieval, cargada de sensualidad a pesar del rigor religioso imperante. Nos muestra, además, las marcadas diferencias entre los grupos sociales en las que la vida de las personas no pasa de ser un mero acontecimiento más (poco se ha cambiado al respecto sino basta ver las matanzas de nuestro novísimo siglo). Muchas escenas podrían darse en cualquier contexto por lo sencillas y jocosas que son, y están teñidas de irreverencia y espíritu bastante prosaico y vulgar. Los discursos visuales finales no son nada gratos para la iglesia, pero es un testimonio del libre pensar que anunciaba lentamente la llegada del Renacimiento.

EL DECAMERÓN (DECAMERONE) (1971) Basada en la obra de Boccacio, es una libre interpretación de este notable libro que reúne los cuentos de 10 jóvenes refugiados en un palacete, huyendo de la peste. Los cuentos son todo un mosaico de la Italia prerrenacentista, que cuenta historias muy divertidas de gente de toda condición social que se mueven por diversos intereses. Los cuentos elegidos por PPP sacaron de las casillas a las autoridades religiosas de muchos países, como el nuestro. La historia del robo sacrílego a la tumba de un obispo o la de la que acontece en un claustro de monjas son ambas muy graciosas, pero bastante intencionadas (ya lo hemos dicho en la introducción de esta presentación, PPP criticó la Curia romana). Por la acción (y sanción) del Cardenal Juan Landázuri, este filme fue censurado en el Perú, aunque ya se estaba proyectando el mismo en el famoso Cine Roma en Lima. El escándalo suscitado (con cierre momentáneo de cine incluido) hizo que mucha gente fuera hasta a Chile a verla. En realidad, hay varias escenas en las que la iglesia no sale bien parada.

LAS MIL Y UNA NOCHES (I FIORI DELLE MILLE E UNA NOTTE) (1974) ¿Quién no ha leído u oído algunos cuentos que salieron de la boca de la legendaria Sherezade? PPP toma algunos de ellos y hace un viaje a la Arabia feliz, el Yemen, para ofrecernos periplos eróticos en una cultura sensual y todos rodeados de parajes míticos y ensoñadores de este lugar del planeta. Gusta el desenfado como aborda los temas del erotismo, el cual ha de ser posteriormente castrado por las religiones monoteístas inspiradas en el judaísmo (el cristianismo y el islamismo). En muchos parajes de la película, hay grandes saltos que dificultan la secuencia narrativa del mismo. Pero en la globalidad, cumple el cometido de lo que es un filme que reinterpreta las técnicas del lenguaje hablado cuando narra cuentos. Con este filme, cierra este ciclo de la vida y se embarca en el que sería su última película: SALÒ, filme que contrasta marcadamente con lo visto en los tres de este círculo.


Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980.

La pasión de la muerte según Pasolini, José Carlos Huayhuaca, HABLEMOS DE CINE, No 75-76, 1980


http://www.pasolini.net/espanol_biogr01.htm

http://www.cinenganos.com/varios/Pasolini.php

LOS AÑOS 60

Great nonsense has been spoken of that time.
But I can tell you saw then
A terrible darkness on the face of men,
His last astonishment, and now that I´m
Old I behold it as a young man yet.
None of us now knows wht it means,
But to this day our loves and disciplines,
Work there and watch. We do not forget.
JOHN BERRYMAN, THE DISCIPLE


Ya casi 40 años nos alejan de una de las décadas más apasionantes de la humanidad en su conjunto: la de los 60. Un intenso periodo en el cual se han de gestar los cambios de la nueva era, la búsqueda de los derechos humanos individuales y colectivos (sobre todo igualdad racial y de género), la revolución sexual con la aparición de la píldora, el desarrollo de la ciencia en cuanto a las comunicaciones y transporte (la primera transmisión vía satélite fue cuando un ser humano puso por primera vez su pie sobre la luna, allá en 1969); la década del aggiornamento de la iglesia católica tras el Segundo Concilio Vaticano. La minifalda y los colores chillones eran el abierto desafío de los jóvenes de entonces, quienes oían a los Beatles o los Rolling Stones. Década que se inició con un leve deshielo entre las grandes potencias de entonces (EEUU. y la URSS.), encabezadas por líderes que querían, quizá, una nueva sociedad mundial: Kennedy y Kruschov, respectivamente. Uno cayó bajo las balas, otro fue silenciosamente desplazado y acabó sus días en una Dacha, una típica casa de campo rusa. En otro lado del planeta, Mao empezó su turbulenta Revolución Cultural, periodo que ahora sus cineastas abordan con un agudo interés. Su prédica va a entrar en los salones de clases universitarios y hará estallar a partir de 1967 una serie de revueltas en pro de la modernización de la sociedad y el poder. Su punto culminante es el Mayo del 68, cuando por unos días la Imaginación estuvo en el poder. Esto va a precipitar la caída de aquel que representaba el antiguo orden: Charles De Gaulle. África iniciaba su lento y duro camino hacia la independencia; algunos países la obtuvieron de manera pacífica, otros como el Congo belga (actualmente Zaire) tuvo dolorosos baños de sangre con la misma muerte de su líder, Patricio Lumumba; lo mismo le sucedió a la Argelia de Ben Bella por parte de Francia. En América Latina tanto la Guerra Fría como lo sucedido en las aulas universitarias se van a trasladar a las calles de Buenos Aires, Santiago, Brasilia, México o Lima; algunos países van a caer en manos de dictaduras militares o civiles, tales como Argentina, Brasil, Bolivia, Ecuador, Perú y Uruguay, con diferentes consecuencias; el primero en ser derrocado va a ser João Kubitschek en Brasil, quien intentó modernizar el país y dar más atención a los desposeídos; esta situación en Latinoamérica se va a ensombrecer a los inicios de los 70, cuando en Chile se trunque el primer gobierno socialista de Salvador Allende, elegido por el pueblo (Pinochet, 1973). La América latina luchaba por su espacio bajo el sol, y muchos optaron por métodos radicales, siguiendo el estilo de Cuba con Fidel Castro; la presencia y admiración de un hombre como el Che Guevara han quedado en el imaginario colectivo de la sociedad latinoamericana, a pesar que se lo quiera negar. Pero las marcadas secuelas de la Guerra Fría se van a centrar en ciertas regiones del planeta, siendo las más convulsivas Medio Oriente (Israel y sus vecinos) e Indochina, sobre todo, Vietnam.
La sociedad norteamericana venía de una década de bonanza económica tras la culminación de la Segunda Guerra Mundial, toda una gran potencia militar y con un estilo de vida patrón que va a ser modelo difundido por sus medios de comunicación; además es una década de dirigentes paranoicos que veían en todo y en todos el peligro rojo. Cuando EEUU reemplaza a Francia en el conflicto del Lejano Oriente, encontró su talón de Aquiles. Luego de una dolorosa separación de la península coreana para contener la marea roja, los gobernantes norteamericanos se sienten en la obligación y en la ocasión (por supuesto) de convertirse en el adalid de la democracia y los derechos de los pueblos. Kennedy quiso arreglar los problemas tanto internos como externos, sea los derechos civiles de la minoría negra, así como salir paulatinamente de Vietnam, Camboya y Laos; el problema de Cuba puso en alerta a la maquinaria militar norteamericana y esa sensación de invulnerabilidad se vio profundamente afectada. Los conservadores y paranoicos no van a escatimar en enviar a muchos de sus jóvenes a ser masacrados, muertos o mutilados en Vietnam. Así la intelectualidad norteamericana, las aulas universitarias, sobre todo Berkeley con pensadores como Henry Marcuse, se pondrán de pie para cuestionar al sistema: el Black Power surgirá como parte de esta coyuntura y no solo Martin Luther King, Malcom X o Angela Davis se harán conocidos, sino también esa multitud de hombres y mujeres negros que levantarán su puño para mostrar ese poder; las imágenes de los atletas negros vencedores de las pruebas de 100 ó 200 metros planos en las Olimpiadas de México en 1968 hablan por sí solas. Y en San Francisco surge uno de los movimientos sociales más interesantes de las últimas décadas: los hippies, el poder de las flores. De pronto el stablishment se ve fuertemente cuestionado, las calles son ganadas por jóvenes antibeligerantes, desafiantes al sistema, con un culto al amor libre, al consumo de drogas psicodélicas, a una moda libre, estridente, con una música que saca de quicio a los mayores: el rock.
El arte, en este fascinante contexto, no podía estar exento; los bruscos cambios sociales se ven en la plástica con Lichtenstein, con Warhol; el teatro llama al happening; el rock accede al clásico que ya venía desde Stockhausen y recae en sofisticaciones de Yes o Pink Floyd en Inglaterra; en la sociedad norteamericana grupos emergentes como Creedence Clearwater Revival, Santana, The Doors, Allman Brothers, The Who o America llevaban adelante el mensaje crítico del momento que había inaugurado Bob Dylan con sus canciones The Times they are changig´ o Blowin´ in the wind ; ya Calder creaba sus esculturas movibles y la literatura rescataba a sus malditos como Bukowsky o Salinger, vejados una década anterior; Ferlinghetti, Ginsberg seguían a Jack Kerouac…Norteamérica es un volcán en creación permanente.
¿Y el cine? El arte masiva va a tener también grandes cambios; la década anterior la cinematografía era reina y señora del escenario; mas, a fines de los 50 aparece una pantalla pequeña que será un desafío en los 60: la televisión. Este medio comunicativo cambiará los gustos del gran público tanto en forma como en contenido. La grandiosidad de escenarios de los filmes de los 50 van a pasar a escenarios simples e incluso de pocos planos y rápidos como exigía la televisión; y las tramas demandan ahora personajes más sencillos y desarrollos más simples. Los clásicos directores de cine son reemplazados por un grupo de directores independientes, jóvenes, algunos de ellos venidos del teatro, con presupuestos bajos, con actores desconocidos.


BUTCH CASSIDY AND THE SUNDANCE KID 1969 GEORGE ROY HILL Cuando todo parecía que el western estaba en franca decadencia, llega este film que refresca el género y catapulta a esta dupla (PAUL NEWMAN y ROBERT REDFORD) como una pareja singular y violenta, del medio Oeste, la propuesta es interesante, con datos históricos reales, pero con ciertos elementos anacrónicos empleados con un buen humor, que da un buen respiro a este género. La canción central de Burt Bacharach, “Gotas de lluvia caen sobre mi cabeza”, popularizó más esta película. Acompañan a esta dupla la actriz Katharina Ross. Según la historia esta dupla de bribones terminó sus días en Bolivia.

THE GRADUATE (EL GRADUADO) 1967 MIKE NICHOLS Este es un verdadero retrato de los conflictos generacionales acertadamente mostrado en esta película, y es un clásico de los 60, con la música de Simon and Garfunkel, con canciones que se volvieron todo un icono musical como El Sonido del Silencio. Un recién graduado, Benjamín (Dustin Hoffman), en agasajado hasta el hartazgo por sus padres, quienes no respetan sus indecisiones y las crisis de un recién egresado; es abordado y seducido por una señora, amiga de sus padres, la Sra. Robinson (Anne Bancroft), la pronta llegada de su hija (Katharina Ross) cambia los planes; una estrategia para demoler amistades falla y los objetivos no son logrados. Film entrañable y de necesaria visión para entender esta loca década.

EASY RIDER (BUSCO MI DESTINO) 1969 DENNIS HOOPER Es un verdadero río-documento de ese espíritu de libertad que recorría a la sociedad norteamericana. Dos hippies (el mismo Hooper y Peter Fonda) han amasado cierta cantidad de dinero vendiendo droga, y así deciden con sus motos enrumbar hacia Nueva Orleáns para ver los carnavales. En su viaje atraviesan ese gran país, inmenso en extensión y geografía humana como son los Estados Unidos; las escenas del Monument Valley, antes inmortalizado por John Ford, son emocionantes, así como ese acercamiento a las minorías y a entender ese mundo muchas veces marginado por el sistema. Pero también se van a encontrar con fuertes manifestaciones de intolerancia que en cierta manera caracteriza a un buen sector de la sociedad estadounidense, así es como se presagia el fin.

THE WILD BUNCH (LA PANDILLA SALVAJE) 1969 SAM PECKINPAH Uno de los filmes más violentos rodados en el western, una nueva visión del héroe en esta sociedad cambiante, es también una suerte de destrucción de cierta inocencia al verse frente a situaciones en las cuales tiene que decidir entre la lealtad a sus amigos o a sus principios. Hecha con poco presupuesto, utilizó sobre todo recursos de cámara o montaje más que escenarios u otros elementos que hubieren demandado un desorbitado presupuesto. Los tiempos cambian. También es la oportunidad de viejas glorias del cine que van viendo el ocaso de su estrellato como es el caso de William Holden, a quien lo acompañan Ernenst Borgnine, Warren Oates, Ben Jonson y Emilio “Indio” Fernández.

THE PARTY (LA FIESTA INOLVIDABLE) 1968 BLAKE EDWARDS Este es un film disparatado con el que cerramos este ciclo; una comedia con muchos gags (parece una película de Jacques Tati) que depende mucho de la capacidad de observación que tiene el espectador a través de la cámara. La presencia de un actor como Peter Sellers, como un desfachatado actor hindú, nos asegura una fiesta ciertamente inolvidable, en la que se sucederán escena tras escena a cual más disparatada, con una velada crítica al tufillo del Hollywood.

ALGO SOBRE LA NOUVELLE VAGUE

Quizá uno de los periodos más ricos e intensos vividos en las últimas décadas corresponde al periodo entre los años 60 y 70. Durante ese lapso se suscitaron en el mundo fuertes cambios sociales, políticos, y obviamente culturales. El mundo de los 50 venía influido por la sombra de la Segunda Guerra Mundial y el nuevo equilibrio de fuerzas que se va a llamar LA GUERRA FRÍA, periodo en que las grandes potencias dispersaban un conflicto frontal a través de conflictos regionales que se había iniciado con la casi guerra civil en Grecia y trasladado luego a Corea. El mundo estaba dicotomizado, polarizado; aunque ya se hablaba de un Tercer Mundo emergente con nuevos líderes que ofrecían alternativas a los dos mundos más desarrollados. Europa era el continente que más cambios drásticos había sufrido durante la II Guerra Mundial, azotada por bombardeos y la posterior reconstrucción de los países; además las grandes potencias ven cómo una a una de sus colonias van independizándose por las buenas o por las malas. Casi toda África tiene un solo puño levantado y la violencia de las colonias también se trasladó a varias ciudades europeas. Francia es uno de los países que recibió de pronto esos dramáticos cambios que han de transformar el panorama del mundo entero.
Así como Gran Bretaña va perdiendo mucho territorio de ultramar, lo mismo acontece con Francia sobre todo con la pérdida de colonias como Indochina y Argelia; la violencia independentista en esta última va a golpear algunas ciudades grandes francesas con las consiguientes repercusiones revanchistas.

El arte en general recibe los fuertes cambios de una sociedad que va hacia revoluciones cortas y drásticas (como el Mayo del 68) y comienza a verse a sí mismo; el arte se vuelve una suerte de ventana para poder comprender mejor lo que va sucediendo en mi entorno. Ya no es necesario grandes escenarios sino ver cosas más cotidianas y sencillas (quizá por el impacto del neorrealismo italiano, pero en otro contexto) que expresen los convulsos cambios que se van operando en esas sociedades como ya lo iba describiendo Marcuse en su libro “El Hombre Unidimensional”. La tendencia a la homogenización de la sociedad encuentra una respuesta insospechada en el cine experimental francés y que va a teñir las otras cinematografías del continente. Es así que surge la Nouvelle Vague y esta va a ser seguida por sus propuestas e ideas por los cineastas de ambos lados del continente, la Europa del Este y del Oeste con extraordinarios resultados.


LA INFANCIA DE IVÁN (IVANOVO DETSVO) (1962) Esta película lanza a la fama a Andrei Tarkovksi, una dura historia de un niño soviético, Iván, durante la II Guerra Mundial. El actor Kolia Bourliev encarna un papel de un niño marcado por la muerte de su madre y hermana, y lo lanza a un suicidio heroico. Pese a lo vivido, Iván no cae en el nihilismo y se cubre de un romanticismo que gana simpatías del espectador, luchando por un ideal. Impacta la escena final, cuando al asalto de Berlín (con documentales de la época) en la búsqueda de los archivos de guerra, nos enteramos de la triste suerte de nuestro pequeño.


ALPHAVILLE (1965) es un filme poético de anticipación, dirigida por Jean Luc Godard, con un actor fetiche como lo fue Eddie Constantine en el rol del detective Lemmy Caution, quien viaja a Alphaville a destruir este país sometido por una computadora. Logra su plan y salva a una chica que le sirve a su causa gracias a que ella pronuncia las palabras prohibidas: TE AMO. Todo un juego semántico, de imágenes, que se remonta a los expresionistas alemanes que rescata lo humano frente a la lógica fría y calculadora (lo que llamaba a la atención, Marcuse)


LOS 400 GOLPES (LES QUATRE CENTS COUPS) (1959) Incluimos este notable filme de François Truffaut por ser el hito de la Nouvelle Vague y desde ya todo un clásico. También descubre a un actor con el cual va a continuar su extensa filmografía, Jean-Pierre Léaud, quien encarna al niño Antoine Doinel, maltratado y cómplice de un hogar conflictivo. Una sanción lo hace huir hacia lo desconocido. Es uno de los más entrañables filmes de nuestro director, quien siempre gustó de trabajar con los niños y su mundo; en esta película, ese mundo no es nada grato y nuestro pequeño héroe es un ser desterrado, rechazado y obligado a buscarse un sitio en este mundo totalmente solo.

AL FINAL DE LA ESCAPADA (À BOUT DE SOUFFLE) (1960) con este filme Jean Luc Godard da un vuelco a la concepción del cine. Una sencilla historia de marginales se vuelve toda una propuesta cinematográfica, como haber cortado trozos de realidad y haberlos ensamblado en la dinámica de la imagen. Fue hecho en casi un mes y es la síntesis de la búsqueda hecha por diversos cineastas de los 50, como Melville, Franju y Bresson, marcada con un fuerte dinamismo y perturbadora que ha de afectar a sus principales actores: Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. Todo es fortuito, como muchas cosas de la vida.

EL EVANGELIO SEGÚN MATEO (IL VANGELO SECONDO MATTEO) (1964) Es una visión hermosa de la vida de Jesús vista por un comunista como lo fue Pier Paolo Pasolini. Su visión es la de un hombre que acerca a este Jesús al hombre, tal como también lo hizo muchos años después José Saramago en su libro “El Evangelio según Jesucristo”. Sus imágenes son sencillas, pero poderosas, sinceras, sin maquillajes; y respetan el contexto histórico desmitificando los casi dos mil años que nos separa con este hecho histórico- religioso. Es un Jesús más humano, pero duro, drástico, con palabras que serían el terror de mucha gente en la actualidad. Todo esto acompañado con la música de J. S. Bach (La Pasión según San Mateo) y otras obras corales étnicas. La obra la dedicó a la memoria de Juan XXIII, el Papa bueno.

LOS AMORES DE UNA RUBIA (LASKY JEDNÉ PLAVOLÁSKY) (1965) Un interesante filme de la cinematografía de Miloš Forman en su patria, es una comedia muy simple que trata de la vida de una chica obrera bastante ingenua que vive en Zruc, un pequeño pueblo de la Checoslovaquia socialista. Como todos los seres humanos, se enreda en pasiones y sueños, los cuales suelen a veces costar caro. Muchas de las escenas parecen sacadas del libro LA BROMA de su compatriota Milan Kundera. Luego de este suceso, nuestro director se enrumbó a los Estados Unidos.

BETTE DAVIS´EYES

She´ll take a tumble on you
Roll you like you were a dice
Until you come up blue
She´s got Bette Davis eyes

KIM KARNES, BETTE DAVIS EYES


Hay personajes que entran en el mundo de la leyenda sutilmente por un rasgo físico que se convierte en un icono: los sorprendentes ojos de Bette Davis. Pero este rasgo tiene tras de sí a una de las actrices más inteligentes que haya pasado por el ecran. Nació en 1903 en Lowell, Massachussets y tuvo una madre que, según decía la Davis, nunca pronunció la frase “no puedo” y este carácter fue impreso en la vida de una chica que llegó a Hollywood un 3 de diciembre de 1930, luego de esporádicos trabajos juveniles en las tablas en los escenarios de Broadway. Su camino por el cinematógrafo fue duro ya que su belleza no era muy “estándar”; obviamente, lo más inmediato era ser una beldad más que un carácter en escena. Cuando ya estaba decepcionada de su incursión en el mundo cinematográfico y empacaba maletas para regresar a Nueva York, la compañía Warner Brothers la convocó para que trabajara para ellos. Pero no fue una carrera fácil; talentosa ella, quería que le asignaran papeles de carácter, pero los patrones no supieron explotar su talento.
Pero su inmensa capacidad histriónica y su carácter fueron cada vez más reconocidos hasta que la oportunidad le llegó con Of Human Bondage (1934). Tuvo una serie de trabajos pequeños y, en algunos casos, fue obstaculizada como el caso de la Warner que le seguía dando papeles sosos en comedias vacías. Incluso la condicionaron para que pueda recibir el papel principal en LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ a cambio de trabajar en un papel estúpido en una tonta película llamada God´s Country and the Woman. Ella no aceptó y por eso perdió el rol…. El resto ya es historia y será explicada en cada una de las películas de este ciclo.
Una cosa sí: en el interesante artículo de David Overbey (THE MOVIE, CHAPTER 14, 1980), la reconoce como la actriz más talentosa del cine americano y, que pese a que –según algunos críticos- ella sometió sus roles a su propio carácter, remontó filmes de poca calidad dándoles un brillo que solo ella podía imprimirles; y que, diga lo que se diga, no podemos dejar de poner nuestros fascinados ojos en los trabajos que ella hizo

Algunos clásicos

JEZEBEL (1938) De William Wyler, es un filme hecho a la medida de Bette Davis, a modo de desagravio por no habérsele asignado el rol de Scarlett O´hara en LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ. Bette Davis (Julie) y Henry Fonda (Preston) son las estrellas de JEZEBEL, intenso drama sureño, que acontece en Nueva Orleáns. Julie es una chica caprichosa, desafiante y perturbadora en una sociedad tan conservadora como la de Lousiana, lo que provoca el distanciamiento de su amado Preston. Éste se casa y hace su vida. Fue demasiado para la caprichosa Julie, quien trata de reconquistarlo con acciones absurdas. En una mortal epidemia de fiebre amarilla, Preston cae enfermo y es enviado en cuarentena con pocas probabilidades de sobrevivir. Julie pide a la esposa de éste, una norteña americana, acompañarlo a la cuarentena, sabiendo que ella también se condenaba a muerte segura por contagio. Una forma de redención para una película de cortes fríos y perfectos. Como nuestra actriz era bastante dominante, en cierta manera el rol de Scarlett hubiere sido desbordado sin el manejo de un director de la talla de W. Wyler.

DARK VICTORY (AMARGA VICTORIA) (1939) Una amarga película del director Edmund Goulding, centrada en una persona necia, adinerada y frívola, quien ve de pronto su mundo deteriorado por un cáncer cerebral fatal. La enfermedad se va manifestando paulatinamente y ella quiere negarlo todo encerrándose en el alcohol y la vida mundana, con un grupo de amigos despreocupados de lo que los rodea. Una caída en una actividad de equitación (la única actividad que le preocupaba) llama la atención de todos; se suceden una serie de eventos tristes que hace al final de cuentas que un doctor la examine, siempre a regañadientes. El cáncer está extendido, pero una exitosa operación lo detiene, aunque por un tiempo limitado. Luego de rechazar la idea de la muerte, reflexiona y decide llevar una tranquila vida retirada con el médico que la salvo y ama. Las escenas finales son duras y conmovedoras, con una soberbia actuación de Judith-Bette Davis. Es, pues, un amargo triunfo. Actúan también George Brenda, Humphrey Bogart y Ronald Reagan

THE LITTLE FOXES (LA LOBA) (1941) Otra espléndida película dirigida por W. Wyler y quizá una por la que más se la recuerda en el mundo del celuloide. A través de este filme, vemos el ascenso arrasador del capitalismo moderno, sin escrúpulos y, también, la lucha silenciosa de las mujeres por ganarse un lugar “bajo el sol”. Y para hacerlo no va a dudar en tomar decisiones que nos espanta por lo que pueden ser. Es interesante ver que su hija representa todos los valores y la moral de la sociedad sureña, que también fue retratada en Jezebel. Aunque la película nos la muestra odiosa e intrigante, no debemos olvidar que la posición de la mujer en ese contexto no era nada envidiable y su lucha era doble y descarnada. Wyler ha sido un gran director que ha sabido trabajar con ese carácter y personalidad que la Davis tenía; e indudablemente el personaje de Regina Giddens, la Loba, es inmortal.

ALL ABOUT EVE (TODO ACERCA DE EVA) (1950) Un filme superior de J. Mankiewicz, una visión perfecta, fría del cínico mundo hollywoodense. Una Bette Davis extraordinaria acompañada de una serie de actores y actrices geniales como Anne Baxter, Celeste Holm y George Sanders. Cada uno encarna un papel en el aplastante y arribista mundo del estrellato, en esta caso en el mundo del teatro, que no olvidemos, nuestra actriz conocía bien. Las escenas finales son estupendas y cíclicas. El encuentro descarnado de dos personajes sin escrúpulos es uno de los momentos cumbres del filme, o cuando Eva comienza a cerrar el círculo de presión, creando un red de intrigas alucinante. Un final redondo para mostrar la gloria y decadencia de las estrellas de la actuación frente a un espejo, cierra la idea de lo cíclico que es la vida. Esta película inspiró (incluso prestó el título) a la película de Almodóvar TODO SOBRE MI MADRE, en la que se hace una suerte de paralelo con las historias de Marisa Paredes y Cecilia Roth. Es un buen ejemplo de observación aguda del mundo de la farándula, acompañado de ágiles e inteligentes diálogos. Hay una presentación fugaz de Marilyn Monroe. Una joya para no perderse.

WHAT EVER HAPPENED TO BABY JANE? (¿ QUÉ LE PASÓ A BABY JANE ?) (1962) ¿Cómo hizo Robert Aldrich para reunir a estas dos actrices, Bette David y Joan Crawford, en este intenso drama psicológico? Lo cierto es que el trabajo de ambas es soberbio y el odio de la vida real (enemigas acérrimas) se trasladó al plateau de filmación. Un filme de deterioro y de perversión y crueldad perfectamente estructurada. El terror se incrementa en cada acción que Baby Jane realizaba, en su insana idea de volver al pasado, alimentada por los objetos que la rodeaban. Es un buen filme de horror. Imaginar que las actuaciones de ambas las hizo candidatas al Oscar, siendo nuestra actriz la ganadora de dicha este trofeo.


Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

El Cine Norteamericano en 120 películas, Augusto M. Torres. ALIANZA EDITORIAL No 13, 2002.

The Movie. David Overbey. Capítulo 14, 1980.

LOS FANTASMAS DE LA NORTEAMÉRICA DE POST GUERRA

-Estás loco –dijo el director-. Olvídalo,
no pienso rodar ninguna de tus calenturas infantiles.

-¿Calenturas? Te estoy hablando de la historia
contemporánea de este país.

El fantasma del cine Roxy, Juan Marsé



Durante los años de post guerra, una vez culminada la Segunda Guerra Mundial, el cine tuvo en la Ciencia Ficción la posibilidad de difundir ideas de un contexto marcado por el fantasma de la Guerra Fría, la psicosis de la Bomba Atómica y la presión marcartista diezmadora de la intelectualidad norteamericana liberal de entonces. Ante esta coyuntura, todas las artes, incluida el cine, libraban batallas contra los sectarismos o abrazaban la causa de los mismos, bajo la sombra inquietante de una posible Tercera Guerra Mundial. La paranoia de un conflicto bélico atómico hizo ver fantasmas en ideas que se hallaban fuera de y en el vasto territorio americano.
El conflicto de Corea no hace sino atizar los temores de una sociedad que se sabía rica, opulenta (the american way of life) y que iba a luchar por preservar dicho estatus y modo de vida.
Los mensajes subyacentes para preservar la ideología encontraron en elementos opuestos la posibilidad de su continuidad, elaborando ideas dicotómicas para su justificación. La maniqueización de las sociedades, hombres e ideologías contrarias iban a ser los valores significativos que sostendrían los nuevos contenidos sígnicos para una sociedad que consumía rápidamente elementos audiovisuales, el cine incluido. Monstruos extraterrestres, naves espaciales amenazadoras, mutaciones radioactivas, mal manejo de la tecnología contra el hombre, todas situaciones desestabilizadoras que atentan contra la sociedad, ergo contra el humano.
Muchas de las ideas ahora nos parecen ingenuas, pero para ese entonces, eran advertencias contundentes que movían el morbo de una comunidad como la norteamericana, que venía de ver los estragos de la guerra, la locura de los regímenes fascistas, el pavor de las dos bombas atómicas que habían asolado el territorio japonés y el incontenible avance del fantasma del comunismo en países como Grecia, Italia o Corea.
Para los ojos de una persona del siglo XXI, las técnicas no pasan de ser fruslerías para lo avanzado a la fecha; pero el contexto sí es interesante y el mensaje subliminal que subyace es bastante sutil en algunos casos, en otros casi un elemento panfletario. Pero lo que sí queda claro es esa polarización que se vivió en Norteamérica en los años 50.

Algunos clásicos:

LA COSA CHRISTIAN NYBY (1951) Este es el filme más paranoico del ciclo. Muchas coincidencias acontecen para mostrarnos un grupo de personas, militares y científicos, enfrentarse con un ser extraterrestre con características asombrosas. Y todo esto transcurre en el lugar más inhóspito del planeta, el Polo Norte, quizá puerta de entrada para el enemigo ideológico. Lo interesante es el tratamiento del personaje que encarna al científico en jefe, quien asume un torpe rol conciliador con el invasor; quizá sea una clara advertencia a todo el mundo científico que había hallado asilo en Estados Unidos durante la guerra y que pudieran tener cualquier comportamiento ambiguo posteriormente (Von Braun, Einstein, Fermi, entre muchos otros). Hay un buen remake de John Carpenter (1982).


EL MUNDO EN PELIGRO GORDON DOUGLAS (1954) Este filme es una advertencia a la humanidad. Con el título de THEM, un nido de unas inmensas hormigas, producto de la radiación, comienza a asolar la zona de Nuevo México, cerca de Alamogordo, lugar donde se realizó la primera prueba atómica. Según cuentan que cuando Albert Einstein vio la potencia de dicha bomba y los estragos posteriores, vaticinó que la Cuarta Guerra Mundial sería con palos y piedras. La figura del científico asume una talla inconmensurable, participa en las tomas de decisiones y es un líder al cual se lo sigue. Todo lo contrario de lo visto en la película anterior. Cuenta con una serie de recursos técnicos buenos para la época, fuera del hecho que hay todo un respaldo científico en lo expuesto en el filme.


LA GUERRA DE LOS MUNDOS BYRON HASKIN (1953) esta película es más o menos de culto, basada en la obra de H.G. Wells, con el mismo nombre. Si la obra literaria tenía por fin llamar la atención a la soberbia victoriana de la Inglaterra de fines de siglo XIX, nuestra película llama la atención también a la soberbia humana que se desmorona y nada puede hacer frente al avance demoledor de los habitantes de Marte. Pero la humanidad es salvada por lo que menos se esperaba. El uso de algunos términos para denominar a los ovnis es de uso corriente entre los cultores de la ciencia ficción. Fue todo un suceso en su época.


LA MOSCA KURT NEUMANN (1958) Interesante filme de ciencia ficción y terror, es una clara advertencia a los juegos ilimitados de la ciencia. Cierta vez la revista TIME publicó allá por el año 1977 toda una edición sobre los descubrimientos genéticos de ese entonces, que ya hablan de clonación, mutaciones, el genoma. La revista tenía por título TINKERING WITH LIFE, algo así como HACIENDO TINKA CON LA VIDA. El contenido refiere a esta actitud de muchas personas ligadas a la Ciencia con carencia ética o poco sentido de responsabilidad. Y las consecuencias son aterradoras; pero lo interesante es que muchas de estas situaciones dolorosas se han convertido en vacunas, curas o medidas preventivas. Así pues, muchos de los experimentos realizados por el siniestro Dr. Mengele con los prisioneros judíos han dado resultados para la ciencia médica. Un dilema que subyace a lo largo del filme. El final es aterrador y conflictivo.

EL DÍA QUE PARALIZARON LA TIERRA ROBERT WISE (1951) Un bello filme pacifista, quizá el lunar de todo este ciclo. Aquí vemos todo lo que una película de Ciencia Ficción de los 50 demanda: robots, ovnis, científicos, los militares, la Política y la Familia. Pero aquí todos los elementos actúan de manera paranoica para destruir a seres que nos visitan pacíficamente. Y nos dan una lección sobre nuestro comportamiento; es un filme valiente, de una severa llamada de atención a los políticos, militares y los MaCarthy que abundaban en el Congreso de los Estados Unidos. Su mensaje es de esperanza y conciliación, y ha de pasar mucho tiempo para volver a retomar ese mensaje pacifista que lo veremos en ENCUENTRO CERCANO DE TERCER TIPO y E.T., ambas de Spielberg.



Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Historia Ilustrada del Cine, René Jeanne, Charles Ford. ALIANZA EDITORIAL, 2º y 3º tomos, 1981.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

Enciclopedia Salvat del 7mo Arte, Raúl Sampablo y Emili Teixidor. SALVAT EDITORIAL. Tomo 1. 1986.

FEDERICO FELLINI

“Las primeras imágenes del Eros y las premoniciones
de la muerte nos atrapan en cada sueño; el fin del mundo comenzó
con nosotros y no parece querer acabar; la película de la que tenemos
ilusión de ser solo espectadores es la historia de nuestra vida.”
ITALO CALVINO, “AUTOBIOGRAFÍA DE UN ESPECTADOR”



Para muchos jóvenes, las distancias geográficas e históricas se han achicado gracias a la globalización informativa y ciertos viajes virtuales que nos hacen creer que accedemos a la verdadero conocimiento de la vida de un pueblo, sus costumbres, virtudes y defectos, su percepción del mundo. Gracias al arte, se va descubriendo que esta herramienta virtual nos ayuda a ver solo una pequeña parte de la inmensidad de la geografía humana en todas sus manifestaciones.
El arte ofrece a aquel que lo contempla, lee u oye, múltiples lecturas que tienen referentes diacrónicos, sincrónicos, además de la misma hermenéutica de la pieza bajo observación. Es una obra abierta, que puede tocar la fibra del momento vivido como un referente espacio-temporal; o puede hacer una elisión del mismo (pero que no escapa de un referente consustancial que le dé soporte de existencia). Así se llegue a situaciones de individualismo creativo o interpretativo como lo plantea Ortega y Gasset en su libro LA DESHUMANIZACIÓN DEL ARTE, el hombre no deja de tener esos referentes inmediatos. Por otro lado, tampoco es suficiente calcar la realidad para mostrarnos el interior del momento con un burdo realismo imitativo de lo visto, oído o sentido. Tanto creador como re-creador (lector u oyente) hacen sus propias lecturas desde referencias suyas de lo que estamos transformando (como lo plantea Sartre).
El extraordinario movimiento cinematográfico europeo de post guerra tuvo en el Neorrealismo italiano una feliz consecución de lo anteriormente dicho. Una Italia pobre, de escasos recursos una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, dio un puñado de directores, actores, fotógrafos, guionistas que deslumbró las pantallas del orbe. Películas como Roma, città aperta; Ladri di biciclette; Paisà; son filmes que marcaron toda una época y mostraron al mundo que con mucho ingenio y poco dinero se podía hacer obras maestras. Y los argumentos o contextos no eran nada del otro mundo, era como poner la cámara en la calle y rodar la vida cotidiana en su miseria, en su ternura, en su alegría. En esa coyuntura, en ese puñado de directores como de De Sica, Rosselini y otros, aparece LA STRADA de Federico Fellini.
Los directores italianos, como todos los europeos (y ahora los chinos), tienen poco qué pedir fuera de su espacio para darnos lecturas extraordinarias de vida. Estos pueblos viejos de historia, de revoluciones, guerras, conquistas, pensadores, artistas, no reclaman nada a nadie (y sería una mofa pedírsela a alguien o a otra cultura); sin pecar de autárquicos, sus referencias inmediatas son tantas, con una vida cotidiana tan viva y un ambiente de cultura en torno a ellos que casi sería una necedad no encontrar tema.
Nuestro maestro fue esa alma sensible que supo captar la inmensidad humana de su pueblo; sin pecar de conductista o revolucionario, nos mostró el espíritu de hombres y mujeres a través de personajes maravillosos que han quedado en nuestras retinas.

AMARCORD (RECUERDO) (1973) Aunque la palabra signifique “recuerdo” en dialecto romano, Fellini no quiso que este filme fuese encasillado como uno de remembranzas y nostalgias. Reuniendo a una buena cantidad de personajes simpáticos y más de uno extravagante, nos reconstruye la historia de un pequeño pueblo durante los años del fascismo de preguerra. Pero es cierto que hay muchos elementos muy fellinianos, como el espíritu colectivo circense y festivo de los habitantes del pueblo, con un sentido del humor ácido que nos remite a las diferencia de clases, todos estos evocados en las memorias de nuestro Director, reunidas en LA MIA RIMIMI. Ganó el Oscar al mejor filme extranjero.


LA STRADA (LA CALLE) (1954) ¿Qué hace a esta película tan bella y entrañable? Es la película felliniana por antonomasia, con circos, ferias, y personajes de farándula. Es un filme de llegadas y partidas, de fracasos y redenciones, de risas y lágrimas. Sobre todo hay un personaje femenino, Gesolmina (Giulietta Massina, la esposa de Fellini) extraordinaria, que encarna un personaje torpe a la que la vida le enseña lo que es la calle, en su soledad y la necesidad de aferrarse a alguien. Además es también una feliz unión de dos grandes como lo fue Fellini y el músico Nino Rota, el cual compuso esta inmortal melodía que desde ya tiene vida propia. Como ha escrito Ítalo Calvino, del cual hemos tomado un fragmento de su “AUTOBIOGRAFÍA DE UN ESPECTADOR”, es una película en la que nos vemos reflejados, en la que no somos simples espectadores sino vemos discurrir en ella, diversas escenas que se acercan a nuestra vida cotidiana.


SATYRICON (1969) Está basada en la obra de Cayo Petronio Árbitro, noble romano del Siglo I d.C. Es una de las relecturas más interesantes llevadas al cine, con una escenografía alucinante, un maquillaje que quedó en la retina de los primeros espectadores de este filme y un tratamiento moral de acuerdo a la época, pero con la también participación personal de nuestro Director; creó un escándalo por el tema, pero hay que entender todo esto en el contexto de una época como lo fue la del Emperador Nerón, gran amigo de Petronio. Circulan personajes vividores, poetas frustrados, artistas díscolos, nobles envilecidos, semidioses. Y seremos testigos de la orgía romana en su esencia. Todo a través de ocho historias que tratan de la disputa de dos jóvenes por el amor de un esclavo adolescente y hay tantos elementos y patrones de comportamiento tan parecidos a los nuestros que es casi una pequeña lección de historia, antropología y sociología.



Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Las 100 mejores Películas, John Kobal, ALIANZA EDITORIAL, 4ta edición, 1995.

Historia del Cine Mundial, Georges Sadoul. SIGLO XXI EDITORES. 5ta edición, 1980

Tutto Fellini, Varios. LA GRAN ILUSIÓN, No 02, 1994.

EL MUNDO MÁGICO DE DISNEY

Creo que muchos de nosotros hemos crecido bajo la atracción poderosa de alguno de los personajes creados por el Mundo Disney: Mickey, Donald, La Bella Durmiente, Bambi, Dumbo, Blanca Nieves hasta Nemo o Buzz Lightyear. Estos personajes salidos de los Estudios Disney forman ya el patrimonio de la humanidad, y no solo del mundo infantil. Algunos de estos han sido toda una revolución en la técnica así como en la construcción de la caracterización de los mismos. Obviamente hay toda una carga ideológica en los mismos, pero no creo que haya algo creado por el ser humano que escape a ello ¿o sí? Por eso, no es justo anatematizar algunas de aquellas maravillas creadas por grupos de dibujantes genios o programadores, maestros en la observación del mundo físico para poder caracterizar como ejemplo a siete enanos con identidad propia o Bambi en un bosque con todo el ciclo de vida que eso significaba.
Fue Walt Disney un hombre muy inquieto con varias ideas que comenzó a explotar desde 1920 que empezó haciendo cortos animados para una compañía en Kansas. Con un amigo suyo, Ub Iwerks, comenzó la búsqueda de personajes que iban a ser su repertorio, hasta llegar a Mickey Mouse (1927). Pero va a ser en 1937 que se va a convertir en el amo del mundo de la animación, gracias a su largometraje animado: BLANCA NIEVES Y LOS SIETE ENANITOS.
Muchas de las propuestas de sus estudios no fueron del todo entendidas en su momento, tal es el caso de FANTASÍA (1940), la cual fue vista como muy pretenciosa entonces; y estas obras recién han sido valoradas años después. El periodo bélico de la Segunda Guerra Mundial alteró el ambiente laboral de sus estudios, sea por disputas de salarios o divergencias en los proyectos; así perdieron a un gran caricaturista llamado Art Babbit. El estudio Disney se vio sometido a apoyar la campaña bélica e hizo una serie de documentales y cortos animados a favor de la causa. Terminado el conflicto, comenzó su racha de documentales sobre la naturaleza; de ahí el camino vertiginoso de sus estudios no ha cesado y tenemos una feliz consecución en el trabajo de los estudios Pixar y los estudios Disney.

Algunos clásicos:

BLANCA NIEVES Y LOS SIETE ENANITOS (1937) esta obra de arte es un cuento recopilado en el folclor germano por los Hmos. Grimm. Es cierto que las tiras cómicas, los dibujos animados, los comics, han ido dando al mundo personajes entrañables no sólo para el mundo infantil (Picapiedras, Ratón Mickey, Tribilín, El Pájaro Loco, Batman); pero la creación de 7 enanitos, 7 caracteres que han pasado a formar el patrimonio humano, hace de esta película una de las cumbres del arte infantil. Además se inicia la técnica aplicada a obras de este género (como el rotoscopio y el proceso multiplano para crear los fondos), acompañada con el technicolor. Hay escenas cumbres, como la de la transformación de la reina en una bruja; o la escena cuando huye Blanca Nieves por el bosque para evitar ser asesinada. Esta obra demoró 4 años en su realización y reunió un grupo de trabajo extraordinario. Una obra titánica. Fue el primer gran largometraje infantil. Y muchas de sus melodías aún son parte del repertorio infantil obligado.

FANTASÍA (1940) una de las obras maestras de los estudios Disney y es una feliz consecución de imagen y música, que ha permitido a diversas generaciones “ver” la música culta (no clásica, ya que este término corresponde a un periodo musical, periodo que irónicamente no está representado en esta elección). Grandes compositores son acompañados con bellas imágenes, algunas de las cuales han pasado a la posteridad como el caso de Mickey como aprendiz de mago en la obra de Paul Dukas o la famosa interpretación visual de La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky, una recreación del mundo jurásico; ni qué decir de la aterradora versión de Una noche en el Monte Calvo de Modesto Moussorgsky. En las artes siempre ha habido esa intención de unir cada una de ellas, a guisa de un arte total. Además se ha tratado por muchos medios de romper ese prejuicio- gran pared producto de intereses e ignorancia, que han distanciado el arte culto con el público en general. Recuerdo que en los años 70 , en España se gestó cierta masificación de la música culta con músicos como Miguel Ríos y el fallecido Waldo de los Ríos; al primero le debemos la versión rock del 4to movimiento de la 9ª Sinfonía de L.V. Beethoven (del cual “veremos” su 6ª Sinfonía) y de De los Ríos, Sinfonía # 40 de Mozart y otros compositores más. Ya todo un clásico para niños y adultos, esta película tuvo una suerte de relectura en el año 2000 con poca fortuna

PINOCHO (1940) Una pequeña obra maestra, adaptación del cuento de Carlo Collodi; la melodía de esta película caracterizó a los Estudios por años. Esta simpática historia ha sido llevada al celuloide por muchos directores y actores (el último es Begnini), siendo una de las más logradas con personajes humanos, la de Luigi Comencini (1971). Nuestra película es notable en la creación de personajes como Pepe Grillo o los truhanes que embaucan a nuestro héroe a una vida de éxito fácil y engañoso (un mensaje claro para evitar los secuestros....). Las sucesivas escenas que van mostrando el distanciamiento entre su padre Geppeto y Pinocho, hasta las alucinantes imágenes en el interior de una ballena, de la idea bíblica del Jonás y el Leviatán (ballena, en hebreo-) muestran el proceso de redención y la parábola del retorno de la oveja descarriada.

EL REY LEÓN (1994) Luego de una serie de éxitos con LA SIRENITA y sobre todo LA BELLA Y LA BESTIA, esta producción dio todo un espaldarazo económico a los estudios Disney. Además obedece a una serie de notables cambios que el mundo experimentaba en ese momento, como la irrupción de movimientos anti apartheid, por lo tanto una visión más étnica del asunto (recuerden sino todo tipo de publicidad sobre las minorías raciales, ropa étnica que se generó en esa época y el gusto que se desarrolló por lo folclórico). También vemos una lectura especial del mundo: el historia cíclica. Esto significa un cambio interesante en la perspectiva del progreso. Lástima que el sistema económico imperante no respete la idea que subyace a lo largo del filme el valor por las cosas sencillas, humanas y colectivas.

BICHOS (1995) otro largometraje creado por John Lasseter en sus estudios PIXAR para los estudios Disney. Es una perfecta combinación de los western americanos de los 50 ( la música épica que acompaña toda la historia) y con el tema tratado por el maestro Kurosawa en su película LOS SIETE SAMURAI. La trama es sólida y muy divertida, y muestra ese extraordinario mundo en miniatura en paralelo al mundo de los humanos. Flit es un personaje creativo y divertido. Mucha diversión que no tiene cuándo parar. La escena del rescate de Dot con la fuga respectiva es bastante hilarante y mantiene a todos en suspenso. Notable.

LA CENICIENTA (1949) Del bello cuento de Charles Perrault, este es otro gran clásico de Disney, no tanto por ella (Cenicienta) sino por la increíble fauna que la acompaña: ratones, perro, caballo y un antipático gato, que no deja de robarse la pantalla. También es una de las películas que más críticas recibió en cuanto a los retratos de los principales personajes, arquetipos raciales que no encajaban con muchas realidades, un prototipo de Barbie. Debido a estos estereotipos tan marcados hubo países que cuestionaron los contenidos subyacentes de los mismos y hubo una discreta censura contra los mismos. Los países nórdicos planteaban una discusión sobre los mismos para evitar crear severos arquetipos en sus sociedades. Pero, pese a todo, y gracias a estos personajes de “apoyo” que se roban la película es que nuestro filme se ha hecho un clásico de nuestro artista. Vale.

LA BELLA Y LA BESTIA (1991) Esta bella película de los estudios Disney tuvo tanto éxito que postuló entre las cinco candidatas a la mejor película en la versión Oscar de 1992. El tema ha pasado en la memoria de los pueblos y ha sido abordado por algunos directores del cine como Jean Cocteau. Este bello cuento de Mme. Leprince de Beaumont es una historia de amor fou, el amor más allá de los límites. Aunque suavizada en la versión Disney, no deja de ser una extraordinaria creación con personajes de lo más alucinantes como Gastón, Lumière o todos los hechizados que caminan por todo el castillo encantado; además tiene melodías y cantos que nos hacen recordar a las clásicas de los años 50 como Cenicienta o La Bella Durmiente. Es una película para todas las edades.

EL LIBRO DE LA SELVA (1968) Una versión bastante caprichosa y muy latina de la obra Rudyard Kipling de su selección de cuentos Mogwli, se han creado un conjunto de personajes que, a pesar de no ser fieles a la obra, no dejan de ser muy divertidos, sobre todo el oso Baloo, con el trabajo vocal el no menos famoso Tin Tan, cómico mexicano de los 50 y 60. Hay personajes por lo demás pintorescos y obedecen a un contexto en que los humanos teníamos más tiempo para apreciar las relaciones interpersonales y en general convivir con los vecinos y amigos. Las escenas de los tres buitres son formidables y ojalá sean plenamente entendidos por nuestros niños, condicionados por las relaciones cibernéticas.

LA BELLA DURMIENTE (1959) Otro clásico del mundo Disney, es una producción con una serie de nuevas técnicas en el color y formación de la imagen. Este es otro cuento de Perrault, que maneja una serie de arquetipos de la mujer desvalida- varón dominante; pero que en realidad, es la mujer en su actitud pasiva la que “funge” de motivador externo para el varón. Esta idea es medieval, la del caballero que lucha por una dama y un reino. Es interesante ver esta idea de relación de pareja de conceptos platónicos recíprocos, mientras que la historia no deja de estar plagada de una serie de elementos violentos.

ALADINO (1993) Uno de los grandes logros en los estudios de animación es comenzar a contar con un gran abanico de actores y actrices dispuestos a dar sus voces (e histrionismos) a la configuración de un carácter o personaje. Casos tenemos como el de Woody Allen con Z en HORMIGUITAS entre otros actores como Sharon Stone, Silvestre Stallone, quienes son solo dieron sus voces sino grabaron algunas reacciones faciales en computadora para configurar el rostro de los nuevos dibujos. En el caso de Disney, muchos actores (¿una nueva opción de trabajo frente a una posible amenaza de desempleo de la racha de actores virtuales?) han hecho lo mismo y en este caso es Robin Williams quien da su voz para hacer un extraordinario genio. Hay escenas francamente alucinantes por el atropello sucesivo de eventos que la hacen parecer una película de los Hermanos Marx, ni más ni menos.

TOY STORY (1994) el primer largometraje que trabaja todo con ordenador, creada por John Lasseter y es una producción de los Estudios Disney del año 1994. Es la conclusión de un largo trabajo que Lesseter había hecho de manera independiente, como para la Pixar , reúne el grupo más entretenido de juguetes imaginados cuya misión básica es sobrevivir. Y ocurren las historias más disparatadas e hilarantes que hacen de este filme, entretenimiento puro. Además abrió un rica veta de alcances inimaginables, no sólo con una continuación ( la número 2) , sino con filmes como Hormiguitaz o Bichos.

TOY STORY 2 (2000) el largometraje que complementa a la primera versión, también creada por John Lasseter . En esta aparecen los mismos personajes de la versión anterior, pero se le van añadiendo algunos femeninos que van a hacer este filme, bastante divertido. Es también puro entretenimiento con personajes que buscan sobrevivir y permanecer juntos. Muchas de las escenas creadas en el ordenador van a ser empleadas en otros filmes como Monsters Inc o algunas han sido importadas de otra buena película de animación por computadora como Bichos

Bibliografía:


1) The art of Animation, David Robinson, The Movie No 15, 1980
2) The beginning of Disney´s wonderful world, David Robinson, The Movie No 15, 1980
3) Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

JAVIER ECHECOPAR, maestro

Trujillo, Teatro Municipal, 7:30 de la noche, lunes 03 de noviembre. El teatro parcialmente lleno, Javier Echecopar sale al escenario con guitarra en mano. Con magistral movimiento comienza a interpretar las canciones de su repertorio. Javier en los últimos años ha sido un incesante investigador del reperterio musical peruano de la colonia y husmeado en archivos y trabajos de investigación que abordan este tema (como el delicioso estudio que realizó Juan Carlos Estenssoro sobre la vida y obra de José Onofre de la Cadena y Herrera, interesante personaje vinculado a Trujillo). Su exitosa carrera dedicada a la música lo ha llevado a ser el mejor guitarrista en lo barroco (me temo no sólo en el Perú, sino en Latinoamérica) y gran impulsor del rescate de nuestro patrimonio. No ha escatimado esfuerzos para vincular la música culta con la popular (ambas se nutren recíprocamente) y tiene una vasta producción discográfica (personalmente poseo 4 discos compactos que suelo oír con frecuencia). Aunque no soy muy aficionado a la música de guitarra, Javier tiene una gran capacidad de intepretación que llamó mi atención (como pocos guitarristas lo han hecho como Lagoya, Raúl García Zárate o Andrés Segovia). Gracias a eso, me embarqué en la empresa de oírlo con más frecuencia, lo que me permitió hacer gratos descubrimientos como el excelente disco GUITARRA ANDINA DEL PERÚ, en el cual hallé interesantes propuestas personales de HUÉRFANO PAJARILLO, que había oído en la versión del maestro Raúl García e incluso una versión en vivo que alguna vez oí a Jaime Guardia (hace muchos años) en versión de charango. Interesante es este bloque de yaravíes en los cuales ha podido captar el alma andina, en su dolor y alegría. Su trabajo mostrado su álbum LO MEJOR DE JAVIER ECHECOPAR es impecable; en este oí la primera versión de nuestro himno (el cual presenta después en un reinvención en CUATRO SIGLOS DE GUITARRA) y tiene unas versiones notables de unos lieders de Alfonso de Silva, con la limpia voz de Josefina Brivio (había oído estas versiones al piano con voces de sopranos como Mariella Monzón, Jacqueline Terry y Nora Usterman). Esta versión es limpia e interesante la audición en guitarra (siempre la había oído en piano). Las canciones modernistas son tan sensibles y muchas veces es difícil hallar ese humor de la misma; recuerdo ASHAVERUS, una bella canción poco interpretada; pero en el disco la versión de LAS GAVIOTAS es soberbia.
Pero lo más notable va a ser su trabajo en lo barroco; interesante y metódico trabajo el de CUADERNO DE MÚSICA PARA GUITARRA DE MATÍAS MAESTRO que data de 1786, el cual es más extenso en CUATRO SIGLOS.. y en LA GUITARRA EN EL BARROCO DEL PERÚ.
El concierto ofrecido en Trujillo mostró un amplio y sintético panorama de su trabajo académico. Estuvo acompañado por el "Cuarteto Trujillo" en la Suite Barroca Peruana en su propia versión. La primera parte se centró en lo barroco, tanto andino como español americano en las buenas transcripciones que él ha hecho de la inmensa obra de Martínez de Compagnon (mucha de esta la he conocido interpretada para un ensemble de cámara colonial y una buena versión es la del grupo ARS TAKI y la de Aurelio Tello.
La segunda parte se abrió con la transcripción a guitarra de la obra coral HANACPACHAP, pero lo interesante fue las variaciones que le dio a tan bella canción, cuya letra es original en quechua. Para mantener el sabor norteño de su visita interpretó una musicalización del poema de César Vallejo ESPAÑA, APARTA DE MÍ ESTE CALIZ en versión libre llamada Cáliz del 36. Dos alusiones a nuestro mar en Pájaro Marino y Chicama, luego una marinera; las raíces vinieron con dos canciones de Manuelcha Prado y cerró con su propuesta de nuestro himno.
Es un eximio guitarrista, espero que vuelva por nuestra ciudad; y espero que el público mejore para tener un concierto de primer orden, como nos lo merecemos ¿di?