LA COMEDIA Y FANTASÍA NORTEAMERICANAS DE LOS 40

La década de los 40 significó grandes cambios para la humanidad y, sobre todo, para la sociedad norteamericana. Durante el primer lustro la población ve con zozobra los inicios de la segunda gran conflagración mundial, con el avance arrollador nazi por Europa y el norte de África, y el amenazante expansionismo japonés que llevará al enfrentamiento abierto entre el ejército estadounidense y el nipón luego del bombardeo artero de la flota norteamericana en Pearl Harbor en diciembre de 1941. El espíritu de guerra se va a ver en la sociedad de los Estados Unidos: la participación abierta en la guerra va a movilizar toda una maquinaria bélica fabulosa, sino toda la campaña para justificar en el imaginario del ciudadano medio su participación no sólo con armas, medicinas o alimentos, sino con esposos, hijos, hermanos, algunos de los cuales jamás regresarán con vida. Una alta cuota para pagar su nuevo puesto en la orquestación mundial. Los autores pacifistas o antibélicos van a ser silenciados para dar paso a toda una campaña creativa en todos los niveles comunicativos a favor de la guerra, desde los simples carteles o panfletos, hasta la producción cinematográfica e incluso la industria del cómic (por ejemplo, la aparición de “Ojo Reventado – Pop Eye – Popeye”). Algunos cineastas, directores, actores, fotógrafos, van a ir al frente a hacer trabajo de propaganda, sea para ayudar en la moral a la tropa, sea para cumplir trabajo de oficina, sea para documentar las atrocidades que iban a ver durante el conflicto en sí: una cosa es la pantalla y otra la vida real. Un ejemplo notable es John Huston, quien hizo un documental de lo visto por él en la guerra y se mantuvo censurado por décadas. Una cara sin maquillaje nos muestra el verdadero rostro de la guerra.

Esa década se va a ver marcada por un pesimismo casi nihilista, individualista que se va a ver encarnado en obras literarias policiales como Raymond Chandler o James Cain, las cuales serán llevadas a las pantallas por diversos directores, como Hwaks, Huston, Tourneur, entre otros. Aparece el famoso cinema noir que ha de iniciar todo un estilo de actuación, de narración cinematográfica, de trabajo de luz y de caracterización de personajes. Obviamente aparecerán varias películas bélicas y muchas otras más, de otros géneros, que tendrán como marco referencial la guerra. Así tenemos CASABLANCA, una historia de romance y guerra que se convertirá en todo un clásico del cine. Muchos filmes fueron hechos, como CASABLANCA, cuando USA aún no estaba en guerra. Pero su participación era inevitable. Otros directores, actores, gente ligada al cine, usaron Hollywood para hacer una excelente propaganda contra la guerra. Tal es el caso de MRS. MINIVER de William Wyler, actuada por sólo actores ingleses y reconstruyen la vida de una ama de casa sencilla que ve su vida trastocada por el inicio de la guerra y todas las peripecias que tuvo que vivir para mantener unida a su familia. Esta película rodada en 1941 todavía no daba indicios de lo que sucedería en 1945.

Una vez culminada la guerra, la sociedad norteamericana, opulenta y dominadora, va a querer imponer su forma de vida y preservarla; una vez caído Hitler, va a aparecer un nuevo rival: el comunismo. El segundo lustro de esa década va a ver un nuevo acomodo de construcción de personajes en la cinematografía y se va a dar paso al cine de espías (lo hubo durante la guerra, pero con la profusión de la segunda parte) y el cine fantástico de terror, con la aparición de seres (alegóricamente) alienígenas que quieren invadir el mundo para destruir nuestra forma de vida. Ha empezado la Guerra Fría.

Pero el hombre, pese a todo, no puede dejar de reír. Puede convertir una situación difícil o penosa en una situación hilarante para hacer de esta vida algo amable en nuestra existencia. Tuvieron un entorno histórico difícil, había que hallar un remanso para poder sentirnos humanos frente a tanta miseria y situación crítica. Y ese remanso era la comedia. En muchos casos la comedia se va a inspirar en los acontecimientos históricos. Inevitable. El arte se inspira en su momento, en su coyuntura, se vuelve en una especial relectura de la misma. La gente se vuelca, como en los años 30, al cinematógrafo para evadir la cruda realidad, el temor a ser invadidos o bombardeados, o perder un ser querido.

esta es una pequeña muestra de películas que refleja el duro momento que le tocó vivir a la sociedad norteamericana y mundial, en general. Son filmes de evasión o denuncia, de risa franca o crítica mordaz, de mostrar el mundo o de cubrirlo. Son diversas propuestas. 

TO BE OR NOT TO BE (SER O NO SER) ERNST LUBISTCH 1941 Excelente comedia que tiene como marco histórico la invasión de Polonia por parte de tropas nazis. En el preámbulo de la guerra, diversos artistas polacos quieren montar una mordaz sátira contra Hitler, su incómodo vecino. La obra es suspendida con el fin de evitar conflictos con el amenazante gobierno nazi. De pronto la invasión. Para salvar a la resistencia polaca, va a ser necesario que esos actores lleven a cabo la mejor representación de su vida. Con Carole Lombard, Robert Stack y Jack Benny. Hilarante y desfachatada en muchas escenas. La risa también es una forma de lucha.

YANKEE DOODLE DANDY MICHAEL CURTIZ 1942 Esta obra es un gran musical en homenaje al compositor George M. Cohan. Construida en recuerdos, vemos desde el nacimiento de este músico hasta el momento en que es premiado por la Medalla de Honor del Congreso norteamericano. Vemos a un James Cagney como un eximio bailarín, quien encarna la biografía de este compositor de origen irlandés. Una muestra del ciudadano promedio que cree en sí y cómo gana su espacio con su arte en la sociedad americana. Buenos musicales, buenos bailes y una excelente actuación de un personaje siempre caracterizado como pendenciero.

FANTASIA BEN SHARPSTEEN (ESTUDIOS DISNEY) 1940 ¿Un film para niños en este grupo? Pues sí, puesto que este film no sólo atrajo a niños, sino a un sinfín de jóvenes y adultos a ver la magia de la música culta unida a la imagen, al sueño integrador que muchos artistas desde el siglo XIX habían estado pugnando. Cual sinestesia permanente, el sonido se une al color y al movimiento para darnos las escenas más inmortales del cine como el Aprendiz del Brujo con un Ratón Mickey genial que dirige la música de Paul Dukas para sus objetivos. O la Danza de las Horas de Ponchielli representada por hipopótamos, cocodrilos y avestruces. Siempre hay que volver a verla para soñar. Sencillamente bella.

THE GREAT DICTATOR (EL GRAN DICTADOR) CHARLES CHAPLIN 1940 Este film habla por sí solo. Chaplin se viste de gala para hacer la parodia de uno de los hombres más temidos y odiados durante esos años. Chaplin interpreta dos personajes parecidos en lo físico, pero separados por las circunstancias de las entelequias que creamos como sociedad: Hynkel (jugando con el nombre Hitler) es un dictador caricaturizado que somete a su país, Tomania, a sus locuras; y un barbero de origen judío, quien es tomado por equivocación por las tropas de Hynkel. Hay escenas geniales como el encuentro con Benzino Napaloni (Mussolini) o cuando Hynkel juega con el mundo en un ballet de lo más sugerente. El discurso final va a ser una fuerte crítica al mundo que a Chaplin le tocó vivir, lleno de intolerancia, e invoca por la paz, la esperanza, los derechos humanos y la comprensión.

THE PHILADELPHIA STORY (LA HISTORIA DE FILADELFIA) GEORGE CUCKOR 1940 Simpática comedia que reúne a un trío de actores muy famosos de la época: Gary Grant, James Stewart y Katharine Hepburn. Ella está indecisa por su nueva boda; rodeada de hombres intrigantes e irresponsables, es un claro reflejo de una clase alta frívola, despreocupada. Cuckor reunió a este grupo e hizo una comedia elegante. Algunas anécdotas de esta película es el hecho que Grant recibió 137,000 $ por su actuación, pero los donó para la causa británica en su lucha contra los nazis.

TRES COMEDIAS NORTEAMERICANAS DE LOS 30

Los años 30 en el mundo fueron años de grandes cambios sociales, económicos y culturales. La primera guerra mundial había llegado a su fin en 1919, pero las fuertes secuelas en el mundo se hicieron sentir en los famosos locos años 20 que culminaron con el famoso crack del mundo capitalista y el surgimiento de los partidos fascistas europeos y japonés de los 30. La convulsionada sociedad mundial se preparaba a pasos agigantados a su segunda gran conflagración mundial. Así pues, los años 30 empezaron con toda una agitación socioeconómica como nunca había vivido nuestra sociedad y se puede decir que es lo que vendrá a ser la sociedad actual, con sus cíclicas crisis mundiales y, tras la segunda guerra mundial, la focalización de los conflictos para mantener una suerte de equilibro con el cual se va a convivir en desde los 50 hasta la década final del siglo XX.

La fuerte crisis del capitalismo va a generar una fuerte zozobra a nivel mundial, época del desarrollo de las ideas sociales, así como los partidos políticos de izquierda, sea comunistas como socialistas (en el caso peruano, surge el aprismo, por ejemplo), así como inmensos clanes de poder que luego se convertirán en corporaciones (algunas ligadas al nazismo). En USA, la crisis va a generar profundos cambios radicales en la sociedad, la fuerte emigración interna hacia zonas más ricas, una fuerte depresión en varios estados de la Unión, la aparición de sindicatos, así como fuertes movimientos conservadores para poder defender sus intereses. En ese duro contexto, surge todo un movimiento artístico muy comprometido, como el literario, tanto como un arte evasivo, de distracción, como lo va a ser el cine. La Máquina de los Ensueños se va a poner a trabajar.

El arte, en una de sus diversas funciones, va a comenzar a trabajar con el fin de distraer a una gran masa de personas que han visto perder sus ahorros, propiedades, familia. Había la necesidad de crear un paliativo. Fuera del compromiso keynesiano de la política norteamericana, no basta para poder ayudar a un pueblo que ha visto su “american dream” venirse a menos. El cine va a dar a esa masa obrera, campesina, urbana deprimida la oportunidad de evadirse de esa dura realidad que tienen delante de ellos.

Durante esta década, el cine va a ver llenar sus pantallas con diversas comedias que le permite a los ciudadanos esbozar algunas sonrisas y muchas risas para sobrellevar el diario vivir. Surge, fuera de los musicales, la comedia en diversas variantes, siendo las principales la comedia disparatada, alocada, trasgresora, liderada por los Hermanos Marx, así como la comedia romántica, permitiendo a la maquinaria del Star System llegar a su máximo esplendor. Parejas clásicas van a llenar las pantallas para el suspiro de hombres y mujeres, época muy bien parodiada por La Rosa Púrpura del Cairo de Woody Allen. El cine se llena de satén, raso, joyas, para la gran distracción. Y Hollywood ve crecer su firmamento de estrellas y con ellas, los grandes estudios que comienzan a crear sus cuadros de actores, directores, músicos, fotógrafos, etc. Se convierte en la maquinaria que es en la actualidad. A partir de la segunda mitad de la década, Hollywood se llena de emigrantes cineastas europeos que huyen de la locura nazi o de los climas de guerra que se acercaban inexorablemente.

THE WOMEN (LAS MUJERES) GEORGE CUCKOR 1939 Cuckor fue siempre un gran director de actrices. Más aún cuando éstas se reúnen para despotricar contra los hombres y contra ellas mismas. Este film hace un estudio del mundo femenino de la lealtad y la traición, de la visión de la pareja desde la mujer, su posición en el matrimonio y los elementos de amenaza de éste. Hay formas de destrozar al enemigo sin matarlo, este film muestra cómo puede ser una guerra sin cuartel sin que el objeto de asedio se percate de lo que está sucediendo a sus espaldas. Genial la participación de Joan Crawford como la amante (femme fatale) y Norma Shearer como la esposa.

DUCK SOUP (SOPA DE GANSO) SAM WOOD 1933 Exorbitante film de los Hermanos Marx. La lógica lingüística es torcida como lo es en la obra de Alicia en el País de las Maravillas. Quien haya redactado el guion, ha tenido frente a sí toda una muestra de diálogos que podrían formar parte de un estudio psicoanalítico: total libre asociación de ideas para ligar lo absurdo. Además tiene un marcado tinte político, reflejo de los bruscos cambios que estaba experimentando Europa y que van a concluir con un conflicto mundial. Desopilante actuación de Groucho Marx, tan agudo; la presencia de gags y otros recursos cómicos o circenses; así como las evidentes referencias políticas a una Europa que va a caer en cenizas por la locura de ciertos dirigentes políticos.

THE AWFUL TRUTH (LA TERRIBLE VERDAD) LEO McCAREY 1937 La comedia romántica se fue convirtiendo lentamente en una suerte de guerra de los sexos. Grandes actores y actrices juegan roles en los cuales la confrontación celosa, la fidelidad, la integridad de los integrantes de la pareja se pone sobre el tapete. Esta comedia no es la excepción. El pretexto: la custodia de un pequeño perro por la situación de divorcio generada por una mutua desconfianza de la pareja conformada por Irene Dunne y Cary Grant. La ridiculización y los celos son una buena temática que todos los grandes directores han sabido trabajar, y este film tiene mucho de esto. La parcialización de los amigos de la pareja es otro de los simpáticos problemas que puede verse con frecuencia; es desenlace es genial, provocado por amigos y circunstancias para un final feliz en una sociedad deprimida.

MÚSICA, DANZA, CINE

Las grandes artes logran muchas veces felices consecuciones. Las artes antiguas se nutren de las nuevas a través de propuestas conjuntas que les permiten plantear ideas originales en las que todas se renuevan y crecen. En el caso de la música y danza, son artes antiguas en la humanidad que la han acompañado desde tiempos remotos y que difícilmente han quedado registradas en sus inicios; en el encuentro con el cine, éstas han logrado perennizarse con la ayuda del celuloide en los inicios y en lo digital en la actualidad. Fuera del soporte técnico, lo interesante es cómo han logrado conjugarse estas artes para lograr filmes que pertenecen a un género ya definido en el cine: el musical. Pero esta clasificación contiene varios espectros que a su vez incluyen otros géneros como el Biopic, Drama, entre otros. En algunos casos, la música es la que hace girar la historia, casi una moderna ópera llevada a la pantalla. Tal es el caso de las famosas óperas rock de los años 60 y 70, muchas de las cuales fueron conocidas por su versión fílmica (de relativa calidad), pero que sus melodías se terminaban imponiendo; y estas óperas rock iban acompañadas de grupos de baile que permitían, a través de los happenings “provocados”, conocer las propuestas de la danza moderna culta al baile popular. Así tenemos las de corte religioso como Jesucristo Súper Estrella, la ópera rock El Fantasma de la Ópera (interesante propuesta de Brian de Palma), la ópera rock Cats y la interesante Tommy, film que no fue visto en nuestro país. Pero el musical puro, también, generó propuestas interesantes desde las primeras adecuaciones del sonoro francés, como el film Bajos los techos de París de René Clair. La aparición del sonido supuso todo un cambio en la percepción y utilización del cine, y ante este cambio radical, se recurrió a la música para “salvar las vallas” que tenían que enfrentar. Muchos cineastas vieron el gran potencial que tenían por delante: imagen y música podrían complementarse con el cuerpo en movimiento. Los filmes norteamericanos de los 30 y sobre todo los 40, recurrió a ellos como un interesante entretenimiento, una válida evasión para los años difíciles post recesión económica y los años locos de la segunda guerra mundial; también ayudó a consolidar el star system, tan caro a Hollywood. Así aparecen las estrellas como Fred Astaire, Ginger Rogers, Gene Kelly, entre otros; o propuestas interesantes como natación y danza en la nadadora Esther Williams. Atrás de todos ellos había una gran maquinaria musical de compositores, cantantes, coreógrafos, diseñadores que movían “la maquinaria”; Ira Irving, George Gershwin eran nombres conocidos en el mundo musical culto, pero que dieron su talento para componer música para los filmes. Algunos, como Korngold, quien hizo obras maestras de bandas sonoras, terminaron por rechazar esta parte de su vida y renegaron a ese periodo por haber sometido su arte a la maquinaria lucrativa que era (y es) Hollywood. Pese a todo, esta maquinaria se ve incrementada en el momento que entre los premios de la Academia se incluye las categorías de banda sonora, tema musical y música adaptada. Algunos filmes clásicos vistos por nosotros son inconcebibles sin banda sonora o tienen una fuerte recordación con el tema, los que terminan por reforzar su éxito, como el caso de El Padrino, de la mano de Nino Rota.

Para la creación de la danza, el cine también fue un excelente espacio para masificar la danza que sólo se limitaba a un escenario. Los inicios del XX tenemos genios como Isadora Duncan o Maurice Béjart, quienes hacían en esta arte una profunda transformación, socializándola y yendo límites insospechados. La Duncan, con sus ideas socialistas, danzaba en las calles, en sindicatos o en movilizaciones. En los EEUU la aparición del jazz, enriquecido con los espectáculos de bailes pícaros sea en burdeles u otros lugares licenciosos, masifica no sólo la música, sino el baile. Y a esto no puede escapar el cine. Las coreografías sencillas y provocadoras de El Ángel Azul con una sensual Marlene Dietrich, con sus magníficas piernas, abrían el paso a ese campo del cabaret, de la boîte. La ópera se dirigía hacia el canto sencillo, proletario como en La Ópera de los Tres Centavos de Kurt Weill y Bertoldt Brecht. Lo clásico pasa de moda y los artistas toman de la calle lo que iba a ser los nuevos patrones artísticos. Era la herencia que venía desde los “malditos” (Verlaine, Baudelaire, Rimbaud) y es el legado que van a dejarle al Pop Art de los 60. La danza se proletariza y eso le permite experimentar nuevas propuestas. Hacia los 50, los ritmos frenéticos del rock, harán su inclusión en las pantallas y hacia los 60 muchos bailarines van a experimentar con el rock en escenario; así, grupos como Emerson, Lake and Palmer, o Pink Floyd son tomados por diversos grupos de ballet como los de Martha Graham o Pina Bausch para la creación de nuevas propuestas de danzas. El “descartonamiento” de las escuelas nos hacen ver el arte no se “quedó”, sino que buscó nuevas alternativas.


AMOR SIN BARRERAS (WEST SIDE STORY) ROBERT WISE, JEROME ROBBINS (1961) Es una descarnada historia de amor, un Romeo y una Julieta de diferentes etnias, llevada a los suburbios neoyorquinos; una historia rodeada de pandillas juveniles, disputas raciales y excelentes coreografías. Es un clásico del cine y sus melodías han sido entonadas por muchos cantantes, sobre todo tenores, uno de ellos es José Carreras y la soprano Kiri Te Kanawa. Leonard Berstein fundó un género fusionando el jazz y la presencia de todos esos ritmos latinos traídos por los emigrantes a Big Apple. Y a través de las danzas, vemos los fuertes conflictos étnicos que caracterizaron a los Estados Unidos en los 60, los cuales vuelven cada cierto tiempo cuando dicha sociedad entra en crisis, tal como sucede tras el 2008.

HAIR MILOS FORMAN (1979) Quizá una de las películas más emblemáticas del movimiento hippie de los 60. Aunque no llega a ser un gran film, sí es un gran testimonio de este momento de la historia de los Estados Unidos de esa década, la de cambios profundos. Este musical tiene un carácter antibélico, y quiere dar un mensaje de paz y amor en la era de Acuario. Un recluta que va al enrolamiento para ir a Vietnam y se encuentra con una comunidad hippie; una chica de la sociedad neoyorquina conoce al recluta y todo termina por enredarse; el final es un adelanto de lo que sucedió a la sociedad norteamericana que se hastiaba de ver a sus jóvenes regresar mutilados, traumados o muertos. La coreografía es de la gran bailarina y coreógrafa Twyla Tharp.

CABARET BOB FOSSE 1972 Alemania antes de la guerra. Berlín es un hervidero de artistas y es el esplendor de los clubes nocturnos en la capital germana y muchos actores y actrices buscan suerte. Interesante ver a través de los bailes cómo va apareciendo la ideología reinante de la época, la amenaza nazi, la censura velada y luego abierta, la decadencia de un momento. Surge el antisemitismo y una fuerte homofobia en un contexto en el cual había muchas personas con esas características. Alemania va lentamente hacia la hecatombe. Los artistas de la talla de Werner Finck, Friedirch Hollaender, Karl Valentin fueron silenciados y tuvieron que irse del país. El chiste político se volvió peligroso y muchos clubes fueron clausurados; eran espacios en los que la gente, pese al miedo, aplaudía a rabiar a Finck por sus ocurrencias agudas.

LOS PARAGUAS DE CHERBURGO (LES PARAPLUIES DE CHERBURG) JACQUES DEMY 1964 Un entrañable film de los 60, ganador de la Palma de Oro de Cannes. Como si fuese una ópera romántica (a lo Massenet) Michel Legrand escribe esta obra de amor muy sentimental. Una pareja conformada por Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo se juran amor eterno. Él es llamado al servicio militar durante la guerra de Argelia y ella queda embarazada. Las distancias terminan por romper este amor, peor aún cuando la familia de ella se ve en la necesidad imperiosa de encontrar dinero. Así cada uno toma su rumbo y un día en vísperas de navidad, ambos se encuentran en la estación de gasolina de propiedad de Guy (Castelnuovo). Un encuentro fugaz y que significa el cierre del ciclo de amor de ambos.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA (SINGIN´ IN THE RAIN) GENE KELLY, STANLEY DONEN 1952 Una de las obras maestras del género es además un homenaje al cine como tal, en su cambio del mudo al sonoro. Nos ofrece también una de las melodías más bellas hechas para el cine, la que da el título a todo este filme entrañable. La danza nos ofrece toda una lectura para hacernos entender toda la trama. Las partes cómicas son notables por mostrarnos todo ese trauma que fue para los actores de voz poco privilegiada y que cayeron en el olvido. O mostrarnos todas las imperfecciones que eran las primeras grabaciones, toda una obra de titanes. Imaginar, además, que la actriz que tenía la voz hermosa, Debbie Reynolds, no le pertenecía a ella, sino a la misma que hace el rol contrario, Jean Hagen. Ironías de la vida.

ALEXANDER NEVSKY SERGUEI EISENSTEIN 1938 Una de las obras maestras del maestro soviético, fue un film que tuvo problemas en su realización. La endeble paz del gobierno estalinista con la Alemania nazi no permitía que la gente expresase sus divergencias contra ese forzado pacto, producto de la vil repartición de Polonia. La música fue escrita por el gran compositor soviético Serguei Prokofiev y como actor principal Nikolai Cherkasov, a quien muchos conocían como “la voz”. Nevsky es un antiguo héroe de las estepas rusas que defendió la integridad territorial contra los mongoles, los polacos y los caballeros teutones. Esto era una clara alusión a la situación tensa que vivía la Rusia de entonces contra el posible enemigo. Pero tras el ataque alemán de 1941, la película fue rápidamente estrenada y sirvió como un factor de unidad para el pueblo que veía la amenaza nazi sobre la gran madre Rusia. Tiene todo un carácter épico. Grandes obras corales y una impresionante solo para contralto: Campo de la Muerte.

A HARD DAY´S NIGHT RICHARD LESTER 1964 este film británico tiene como principales actores a los integrantes del grupo The Beatles. Se realizó durante el boom de la beatlemanía. Un viaje del grupo para presentarse en Londres se ve amenazado por las hordas de fanáticos que quieren abordarlos. Logran evadirlos, pero da paso a otros sucesos. Filmada casi a lo nouvelle vague (Richard Lester fue uno de los grandes del free cinema), es una comedia irónica, casi psicodélica, con espontaneidad en la pantalla, que muestra errores de filmación intencionalmente. Y las canciones todas están en el álbum del mismo nombre. Vale destacar “And I love her”, “she loves you” entre todas.

SOMBRERO DE COPA (TOP HAT) MARK SANDRICH 1935 La obra maestra de Fred Astaire y Ginger Rogers Una gran muestra del tap que impusieron en los años 30. Jerry llega a Londres para hacer un espectáculo, allí conoce de manera accidentada a Dale, Jerry va a tratar de captar su amor y las danzas y melodías van a apuntar a eso. La música es de Irving Berlin y la melodía “cheek to cheek” (mejilla a mejilla) se convirtió en todo un clásico de la canción romántica. Obra de satín, seda, danza y romance.

HOWARD HAWKS, EL VIEJO ZORRO PLATEADO

“Rodar unas cuantas buenas escenas y no aburrir al espectador”

HOWARD HAWKS

Uno de los más versátiles autores del cine norteamericano, Hawks ha ido del clásico cine de gánster a la comedia, del musical al western. Fue un verdadero artesano cinematográfico que acometió los géneros del cine con sólidas propuestas, con algunos filmes que son clásicos y sentaron las bases del género en cuestión. Sus películas son veladas críticas a costumbres y valores de la sociedad norteamericana de su época, tratando de derrumbar falsos mitos sobre el éxito económico y el ascenso socioeconómico de los años 20, años dorados del hampa.

Este multifacético director (también fue aviador, diseñador aeronáutico, entre otras cosas más) nació un 30 de mayo en 1896 en Goshen, Indiana (EE.UU.) Realizó estudios de ingeniería mecánica en Cornell, pero en sus tiempos de vacaciones hizo sus primeras incursiones en el cine en Hollywood. Según Tod McCarthy, su biógrafo, su experiencia de estudios en la ingeniería, así como su paso por el ejército de los Estados Unidos fue, en cierta manera, decisiva para su posterior carrera cinematográfica. Realizó obras tanto en el periodo mudo (8 filmes en total) como en el sonoro, espacio en el que ha de realizar sus obras maestras. Hawks fue un director con su propio estilo, gustaba un cine sobrio, con una buena dirección actoral y sobre todo el manejo de la cámara para poder lograr de cada uno de sus actores todo un para lenguaje que enriquecía el texto cinematográfico en cuanto a la construcción de caracteres. Se codeó de buenos guionistas para hacer textos directos, breves, pero brillantes. Además, pese a trabajar para diversos estudios, mantuvo cierta independencia con su trabajo fílmico. Muchas veces reescribía, él mismo, algunos guiones y no pasaban por la supervisión y censura de las instituciones para las que trabajaba, y pasaban las más de las veces con cierta holgura, privilegio que sólo tenía, también Alfred Hitchcock.

Augusto Torres divide su obra en “cuatro apartados”: las obras centradas en un hombre en peligro; las comedias centradas en la lucha de sexos; los westerns y las inclasificables, que podemos colocarlas dentro del cinema noir (como lo hace Antonio Santamarina). Fue un hombre rodeado de gente inteligente que en cierta manera trabajó para él como es el caso de William Faulkner o Henry Hemingway. Aunque no tuvo una actitud muy proclive hacia las mujeres (por ejemplo, decía que las mujeres “entorpecían la acción en un western), muchos de los prototipos femeninos van a ser pauta para la descripción de algunos caracteres femeninos sea en la sociedad como en la construcción de personajes en el cine. Estudiosos del cine como Mark Cousins explica que las mujeres presentadas por nuestro Director suelen ser duras y, por el contrario, los hombres aparecen humillados; incluso comenta que tenía cierta predilección para trabajar con personajes masculinos llevados por actores impasibles y contenidos, caso John Wayne y Humphrey Bogart. Todo género que tocó le supo imprimir su toque, el toque que, según comenta David Boxwell, está más cerca de la irreverencia, trasgresión. Y una de esas características está en la nominalización de sus personajes, con el uso de motes o apodos que sacaban de cuadro la convencionalidad tradicional de la familia y las relaciones interpersonales.

Hawks se fue un 26 de diciembre de 1977, dos años después de que la Academia lo reconoció, por fin (como le pasó a Chaplin) con un Oscar honorífico. Pero queda como el más grande romántico realista del siglo XX, según palabras de Cousins.

SCARFACE (CICATRIZ) (1932) Una obra maestra de la construcción de una figura tan popular como lo era el gánster, personaje idealizado y que en cierta forma se convierte en el paradigma de la idiosincrasia norteamericana y el sueño americano: el famoso self made man, el que triunfa por sí mismo y se convierte en un hombre de éxito social y económico (muy parecido a lo que pasa ahora con la concepción del éxito y su estrecho vínculo con el dinero). La crítica de la sociedad de entonces es dura por la forma contradictoria como se trata a esos entonces hombres ricos y poderosos (como sucede con el narcotráfico en nuestros países). Ante la forma como se presentó este film sufrió censura, recortes y modificaciones en la narración del mismo. A lo largo del film, vemos escenas de violencias, fiel reflejo del mundo del hampa de cualquier parte del mundo y cualquier momento histórico (ver en la actualidad en caso de los sicarios, que ya comienzan a tener presencia en nuestra sociedad). El manejo de códigos, signos, iconos, que los identifican como una suerte de grupo social se volvió un modelo para otros filmes de gánster, en general de la serie llamada cinema noir.


BRINGING UP, BABY (LA FIERA DE MI NIÑA) (1938) Una simpática comedia que se circunscribe entre las películas centradas en la guerra de sexos entre Gary Grant, el paleontólogo David Huxley, y Katharine Hepburn (Susan). Un profesor eminente ve amenazada su obra por una joven heredera entrometida y voluntariosa. Las situaciones que se van sucediendo a lo largo de la historia son bastante hilarantes, como mascotas impertinentes, tías viejas cómplices, fieras equivocadas – dos leopardos-, gags de lo más recurrentes. Cada escena deriva en la siguiente empujada por las acciones, produciéndose situaciones cada más embarazosas y risibles. En un principio, Grant no estaba muy convencido de hacer este papel. Nos va pintando dos cosas: la liberalización de la mujer y su avance arrollador frente a los hombres, por un lado; y una velada crítica a la alta sociedad norteamericana, insolente, trasgresora, no escatimando nada ni a nadie para lograr sus objetivos. En cierta forma, este film nos presenta uno de los prototipos femeninos del universo de nuestro director. No tuvo un éxito inmediato, casi fue un fracaso de taquilla y, según el mismo Hawks, confiesa que sus personajes son excesivamente estrafalarios de los cuales el público no iba a encontrar un centro de referencia al cual “atarse”. Pero fue un gran comediante, Harold Lloyd, quien al verla dijo ser la mejor comedia construida que había visto en el cine.

THE BIG SLEEP (EL SUEÑO ETERNO) (1946) Un film extraordinario que cuenta con la ayuda de tres buenos guionistas (entre ellos, William Faulkner), basado en la novela de Raymond Chandler (uno de los grandes de la novela negra) y cuenta con la clásica dupla Bogart – Bacall, quienes venían de trabajar juntos en otra película de nuestro director: Tener o no Tener. La historia gira en torno al chantaje que sufre la hija de un ex militar retirado multimillonario. Aparece nuestro detective Phillipe Marlowe, quien se mueve en un terreno bastante gaseoso de doble moral, bastante marginal, pero en el que se encuentra la mayor parte de los personajes que van apareciendo a lo largo del film. Marlowe se mueve en un terreno minado por lo erótico, lo delincuencial y peligroso, puesto que a lo largo de la narración, el detective no termina por ubicar a las personas que están de su lado o los que no. Y, a través de la historia, vemos una sociedad decadente, de valores trastocados, signados por el poder y el dinero, un terreno en el que todo vale. Y esto la hace una de las cumbres del género negro.


RÍO BRAVO (1959) Un western clásico, una obra maestra del género. Se podría incluir esta obra en el grupo de filmes que incluyen historias de un hombre solo frente a grandes decisiones. En este caso, un alguacil que ha capturado a un hermano del delincuente más poderoso de la región. El alguacil halla el apoyo de un grupo de hombres que cuestionarían un resultado a su favor. Como el destino, ya se halla establecido dentro de la tragedia. Pero la misión de este viejo alguacil (John Wayne) es llevar adelante la justicia. Un rol interesante es de la mujer fatal (Angie Dickinson), “Feathers” (plumas), quien lejos de jugar un papel de traicionar o entorpecer la acción (como Andrés Caicedo), asume un rol más activo y decisivo en la trama. Es la mano del director que hace un manejo actoral y de escena que la hace un obra imperdible. Como dice Bedoya, es el trabajo de cámara que nos permite captar los detalles que hace a sus personajes humanos y grandes a la vez.


Fuentes:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

La Gran Ilusión – No 04, primer semestre, 1995.

El Cine Norteamericano en 120 Películas – Augusto M. Torres, Alianza Editorial, 1994.

El Cine Negro en 100 Películas – Antonio Santamarina, Alianza Editorial, 2006.

Las 120 Mejores Películas – John Kobal, Alianza Editorial, 1995.

Historia del Cine – Mark Cousins, Blume, 2005.

Ojo al Cine - Andrés Caicedo, Grupo NORMA, 1999.

UN NEURÓTICO NEOYORQUINO: WOODY ALLEN

“Allen es un chistoso capaz de hacerle llorar, de risa, al propio Búster Keaton”.

JOSÉ CARLOS HUAYHUACA, Allen´s Complaint, Hablemos de Cine, 73-74, 1981

Allen es el director que se muestra abiertamente a través de sus filmes. Influido por Bergman, Godard y Fellini, ha hecho una interesante carrera en la cinematografía norteamericana y, luego por razones ya no artísticas, ha terminado mudándose a Inglaterra, donde realiza en la actualidad su prolífera carrera. En un acucioso pequeño ensayo de José Carlos Huayhuaca, publicado en la extinta revista HABLEMOS DE CINE, él, Huayhuaca, nos hace una interesante reflexión de este judío neoyorquino que comenzó de manera errante en su cine hasta llegar a consolidar filmes sólidos en los que su neurosis, su sexualidad conflictiva y su interesante capacidad de autodestrucción se ven más consolidadas y con chispazos de genialidad. Nacido como Allan Stewart Köninsberg, se transforma en el actual Woody Allen cuando comienza a trabajar como periodista en diversos diarios neoyorquinos en 1952.Su paso por la televisión en 1952 lo vincula con otro grande de la comedia judío-norteamericana, Mel Brooks. Antes de realizar el film que lo hizo conocido a nivel internacional (ANNIE HALL), Allen había filmado una buena cantidad de filmes tanto como director así como actor, algunas de ellos muy simpáticos por el humor corrosivo que presentaba, así como el juego intelectual que exponía: TODO LO QUE QUERÍAS SABER SOBRE EL SEXO (Y TEMÍAS PREGUNTAR) y sobre todo, EL DORMILÓN. En el ensayo de Huayhuaca, se hace mención de esta suerte medio díscola de Allen en su creación de guiones, personajes, escenarios de sus obras tempranas. Allen es muy amante de hacer hablar a sus caracteres las ideas y temores que discurren por su cabeza, así como todo ese bagaje cultural, social y atávico heredado (vale la redundancia) de esa sociedad judía neoyorquina, esquizofrénica, culta y rodeada de tabúes y prejuicios. Y Allen se ha encargado de excavar los temores de su ciudad, sus preguntas que casi rodean lo escéptico y su necesidad de “unir” la parte corpórea con la intelectualidad, la que nuestro afamado director maneja con destreza. Con ANNIE HALL Allen comienza a presentar un cine más constituido, más orgánico que permite ver caracteres reales (como sacados de la calles de Nueva York), más elaborados y creíbles. En realidad, acercarse a la vida puede tener muchas vertientes, siendo una de ellas la comedia, tan trasgresora como paralizante de la piedad, ya que en cierta manera la comedia le da “licencia” a nuestras emociones para permitirse un momento de crueldad con la vida; y Allen va más allá, lo hace consigo mismo. Sus filmes nos lo muestran así, permanentemente “despedazado”, un corte frío psicoanalítico de su vida, de sus ideas, temores, pasiones, complejos, sueños y frustraciones.
Allen, este judío jazzero que se resistía a dejar su Manhattan querido, se tuvo que alejar de ella por la disputa y señalamiento de culpabilidad contra él por parte de su ex pareja, Mía Farrow. En la actualidad sigue su carrera en Londres.
Hemos decidido focalizar este breve ciclo en su ciudad favorita (aunque nunca dejó de evocar referencias de su pasión por NY, sino habría que ver El Dormilón, en la que nos da una soterrada versión crítica del Planeta de los Simios, más algunos espacios empleados un lustro antes por Kubrick de la ciudad moderna –siempre la ciudad- en La Naranja Mecánica). El Woody neoyorquino es el que ve a su ciudad, no como un foco aplastante de problemas, sino el espacio ideal para poder desarrollar todas sus fobias, paranoias y neurosis.

ANNIE HALL, 1976, titulada en castellano como DOS EXTRAÑOS AMANTES, le permitió encumbrarse entre los directores divos por haber obtenido el Oscar a la Mejor Película y la Mejor Dirección (1977) es una velada crítica al mundo intelectual (al cual no puede escapar y es un miembro más feliz de éste). Alvy Singer es un escritor que se engancha con Annie Hall, una provinciana que comienza a hacer carrera en el mundo feroz de NY. En cierta manera una primera gran revelación personal de su mundo, es además una reflexión sobre la pareja y el amor: Los diálogos son rápidos, de cargadas referencias intelectuales y, a veces, demasiado “gringos”; pero no por eso, menos interesantes e hilarantes; además, es su primer filme, de una serie de ellos, en que los personajes femeninos se vuelven sólidos, independientes y gravitacionales a lo largo de la historia. El film muestra un magistral uso de los intradiálogos, como rememorando al gran Joyce, en una conversación por lo demás entretenida de ese momento que implica conocer a la futura pareja y lo que va pasando por la cabeza de cada uno de ellos.

MANHATTAN, 1979, es sin lugar una de sus obras maestras. Hecha en blanco y negro, más la música de Gershwin empleada de manera magistral, la Rapsodia en Azul abre y cierra este bello filme haciendo largos planos de Manhattan, nunca tan poéticamente mostrada. Ésta es una película de esperanzas y promesas, de restablecer la confianza que está ahí en cada uno de sus habitantes, en este caso encarnado por Mariel Hemingway (Tracy), que rescata para Isaac Davis (Allen) el valor de la palabra y de los vínculos entre las personas. También el mundo intelectual es benévolamente vapuleado, pero cumple ese importante objetivo de humanizar las relaciones en una ciudad que podría ser el paradigma de la frialdad; para mostrar esa humanización, Allen hace largas narraciones temporales y espaciales, en las cuales sus personajes van evolucionando hacia sus intereses.

THE PURPLE ROSE OF CAIRO (LA ROSA PÚRPURA DEL CAIRO) 1985 ¿Se imagina uno que inesperadamente el personaje que uno ve en las pantallas se dirige a ti y se sale de la pantalla para tener una vida propia contigo? Esta es una propuesta de este genial director, y en sus trabajos siempre hay ese tufillo de ironía y desencanto que muchas veces nos deja una suerte de infelicidad, pero de certeza. Esta película tiene ese velado propósito: el cine no deja de ser una máquina de sueños. La ilusión que una simple chica, Cecilia (Mía Farrow) ama de casa frustrada, tiene del hombre de sus sueños, de pronto se ve hecha realidad; pero, lejos de hallar la felicidad, es el encuentro desencantado con el mundo soñado y la cruel verdad, el mundo real. Es una reflexión amable y sincera del cine de un hombre que lo ama, en cuanto a su propuesta como tal y el mundo emotivo que desarrolla en la gente que lo vive. Se podría considerar este film como un acto reflexivo sobre el cine, metacine puro.

HANNA AND HER SISTERS, (HANNA Y SUS HERMANAS) 1986, es otra bella película, una obra maestra, en la que vemos a Hanna (Mia Farrow) como el personaje eje de las tramas, hermanas en torno a las cuales giran hombres interesantes motivados por el amor, el ansia, los recuerdos y el azar. Hanna es una mujer perfecta, quizá demasiado, que encierra una extraordinaria relación con sus hermanas, quienes a su vez se ven involucradas en relaciones, muchas de ellas, truculentas. Las relaciones entre seres tan disímiles marca el hilo narrativo de la película, en las que Lee, April, Norma, Mickey, Elliot se deslizan buscando su identidad en los otros. Como explica el Larousse, es una película en la que “se respira el perfume de las cosas vividas y serenamente recordadas”.

CRIMES AND MISDEMEANORS (CRÍMENES Y PECADOS) 1989 Esta es una de las obras más desencantadas de Allen; es una triste metáfora del amor y justicia humana, enfocadas por un filósofo, que termina suicidándose, y un rabino, que queda ciego paulatinamente. Dos hermanos, uno exitoso, oculista, amenazado por su amante de denunciarlo, contrata a su hermano marginal, ligado al hampa para eliminar a la amante. El remordimiento del hermano lo hace dialogar con su cliente, el rabino que va quedando ciego. Por otro lado, Allen juega el papel de un guionista de TV sin mucho éxito, cuyo cuñado le da un trabajo de hacer un documental sobre la vida de este mediocre y ufano director. Simultáneamente sigue un proyecto: un documental sobre la vida y obra de un filósofo, cuya obra se centra en el sentido de la vida y el amor. El suicidio del mismo y el crimen impune hacen de esta obra una de las más amargas de su cinematografía.

CINE DE TIRA CÓMICA

Nuevamente la Tira Cómica está en la Alianza Francesa de Trujillo. El año pasado, contra viento y marea, sacamos adelante nuestro primer festival de BD y este año, pese a diversas vicisitudes económicas, abrimos nuestra segunda versión.

La BD ha tenido vertientes sólidas que han trazado escuelas en las sociedades en las que se desarrollaron. La BD estuvo muy ligada a la expansión del desarrollo industrial y de sus medios de comunicación. Sus orígenes en la sociedad inglesa y luego en la norteamericana estuvieron ligados al periodismo, el cual va a usar estos recursos para incrementar sus ventas y generar la fidelización de clientes. Lo mismo va a suceder en la sociedad estadounidense, pero luego, la explosiva creatividad de los autores de las tiras cómicas periodísticas se van a enfrentar a la censura y a la parametrización de criterios estéticos y de contenidos. Lo que va a salvar esta nueva arte en las sociedades anglosajonas, prioritariamente, la norteamericana es la aparición del cómic. Al aparecer estos textos y su venta libre en el mercado de las publicaciones, la censura no va sobre este producto y obtiene su pasaporte a la fama. El cómic comienza a tener vida propia y se fundan dos grandes editoriales escuelas : la Entertaining Comics (E.C.) y la Marvel Comics Group, que establecen códigos especiales en esta nueva arte. Ya libre del periodismo, el cómic crea sus personajes, sus tramas, sus códigos de comunicación. Aparecen héroes que van a ser consumidos masivamente en esa sociedad de los 30 y los 40. Estos héroes ahora son consumidos de otra manera : a través del cine. En los 60, aparecen los Comix-book, más como un producto de la era hippie, la sicodelia, los conflictos raciales, la guerra de Vietnam y otros grandes problemas y realidades que vive la sociedad norteamericana de entonces. Son tiras muy ácidas, muy simples y como dicen algunos críticos, desarrollan el feísmo como una forma de protesta al momento que los toca vivir.

En Europa, la BD va a tener otra vertiente y en algunos casos va a contrarrestar el apabullante avance de los cómics. En muchos casos, la construcción de los BD es más exquisita que la vista en los cómics, además de una exhaustiva observación de las escenas que se iban haciendo. Hacia final de los 50 e inicios de los 60, surge Pilote, una revista BD que va a influir en el gusto y consumo de esta arte en la sociedad europea. Va a ser la vitrina de un grupo bastante nutrido de « diseñadores », muy agudos y dirigidos a un público adulto, camino poco explorado. Luego llega la sofisticación en la producción de BD, verdaderas obras de arte que escapan de lo cómico o satírico, y entra en el campo de la belleza creada.

En Asia, otro va a ser el camino toda por este continente liderado por Japón, el gran creador del Animé, modalidad que ha desplazado en muchas partes del mundo las diversas manifestaciones locales. En los últimos años, las empresas de BD han tomado el modelo de presentación de una BD de animé y han transformado la parte lingüística en la lengua vernacular en la que se edita dicho anime. La presentación es, por ejemplo, de derecha a izquierda, tal como se presenta un texto cualquiera en japonés ; todo lo demás se respeta en la presentación del mismo: los dibujos, el trabajo de color, la construcción del personaje, la historia, los globos lingüísticos.

Una pequeña selección:

METRÓPOLIS (メトロポリス) OSAMU TEZUKA 2001 El genial creador de Astroboy, la famosa serie de televisión de los años 60, crea esta interesante obra, inspirada en la bella película muda del director alemán Fritz Lang, film que lleva el mismo nombre. La temática es la misma (incluso la escenografía creada, con modelos arquitectónicos del film mudo) y es un dechado de un mundo robótico, frío, pero con atisbos de humanidad para, precisamente, salvarla de su desgracia. Tal como Astroboy, el pequeño robot creado por el Dr. Elefant (por la forma peculiar de su nariz) y su extraño corazón que le genera sentimientos, el mundo de METRÓPOLIS es un mundo de divisiones y odios. Los robots son bastante inteligentes, pero no tienen derecho alguno y son esclavizados y destruidos por unos malhechores que fungen ser protectores de la humanidad, protegidos por el hombre fuerte de la ciudad. El mismo hombre malvado de esta sociedad plutocrática decide hacer construir un robot que supla a su hija amada muerta. Y surgen los conflictos y desgracias en este mundo futurista. El film muestra todos los grandes vicios sociales de la humanidad : la concentración del poder, el dinero, la diferencias de clases, el elitismo, la segregación. Además, ya en cada festival de BD mundial, el animé ya tiene un espacio para ello reservado.

EL CRISTAL ENCANTADO (THE DARK CRYSTAL) JIM HENSON 1982 Una bella fábula de dualidad humana. Esta obra es trabajada con muñecos o marionetas, « dirigidos » por el creador del programa de televisión « Los Muppets ». Como una antigua leyenda o mito de las creaciones, esta historia se centra en el origen del mal que se remonta a mil años atrás. Una raza viciosa y perniciosa detenta el cristal para su beneficio y han sembrado el terror en el mundo. Han ido arrasando a criaturas para alimentar a la decadente especie de los skekses, de forma de ave de rapiña ; pero estos tienen una contraparte : los místicos. Místicos y skekses están fuertemente ligados. Para restablecer el orden en el caos (como buen mito viejo) se necesita la presencia de un pequeño héroe que no sólo salve a estos pocos sobrevivientes « elegidos », sino al mundo entero.

AZUR Y ASMAR (AZUR ET ASMAR) MICHEL OCELOT 2006 Este es un film que representa el choque-encuentro de dos civilizaciones, la cristiana y la musulmana. A través de la historia de dos jóvenes, uno de origen musulmán, moreno; y el otro cristiano, rubio, vemos la historia de la intolerancia de todos los tipos. Ambos fueron criados cuando niños juntos por la madre de uno de ellos, una criada musulmana. Sufre la indiferencia y crueldad de su patrón, un severo noble, y la lanza a la calle sin nada (una historia de nunca acabar, como suele pasar con muchas mujeres domésticas, injustamente desempleadas por caprichos o injusticias patronales). El tiempo pasa y ambos niños son ya jóvenes con toma de decisiones. El rubio va a buscar a su amada nodriza a las tierras de ella y en su viaje va a conocer la otra cara de la medalla; va a probar el amargo trago de la segregación, la discriminación y la explotación humana. En el devenir uno se va dando cuenta que los conflictos pueden ir resolviéndose con la tolerancia y el conocimiento del otro. En un mundo tan conflictivo y con tanta movilidad social como el europeo, estos filmes ayudan a la sociedad a tomar perspectiva constructivas de su tejido social.

BOOGIE, EL ACEITOSO GUSTAVO COVA 2009. Esta obra está inspirada en la genial tira cómica del creador Fontanarrosa, agudo y ácido “comentarista” de su época y sociedad. Boogie con Inodoro Pereyra (ya su nombre los dice todo) son los personajes encargados de destrozar los mitos que leemos en los diarios o vemos en televisión. Nada de concesiones, ni perdones. Boogie le da de alma a la sociedad de consumo, al capitalismo, a la guerra dirigida (como la de Vietnam e Irak), al individualismo puro (tan de moda en la actualidad, gracias a las maravillas del sistema actual). Por eso, este film es muy violento, elevando muchas escenas a la violencia gorn, al estilo Tarantino. Desde muchos aspectos, su fría actuación es nada más el reflejo de una sociedad cada vez más insensible y creadora de absurdas justificaciones de las grandes estupideces que solemos hacer.

ANIMACIÓN EN TRUJILLO

LA TIRA CÓMICA Y EL CINE DE ANIMACIÓN

Quizá uno de los géneros más hermosos que se ha generado en las artes literarias y audiovisuales es el fantástico: grandes narradores han abordado para deleite de millones de lectores, el cuento y la narración fantástica, como una extraordinaria prolongación de los sueños y del inconsciente colectivo que ya forman parte del patrimonio de la humanidad. La música, pintura, escultura, también lo han hecho; pero es la literatura en la que más se creó: Andersen, Wilde, Wilhem Grimm, entre muchos más, nos han dado un vasto repertorio que nos ha acompañado desde la niñez nuestra y de la Humanidad en general. El cine no fue ajeno (ni, espero, nunca lo sea) a este maravilloso género que hizo prácticamente como suyo ante la imputación de muchos artistas e intelectuales, que estaban a favor y en contra del naciente arte: la máquina de sueños (Traummaschine). Fue un hombre de gran visión quien descubrió esa gran capacidad de la imagen en movimiento: George Méliès. Gracias a él el cine descubre algo maravilloso y que arrastra a multitudes: los efectos especiales para un propósito específico, el de entretener.

Por otro lado, la revolución de las comunicaciones desde el siglo XIX en adelante fue creando a través de los diversos medios empleados, sobre todo el periodismo, una serie de propuestas comunicativas tanto nuevas como algunas antiguas, pero que no habían destacado por alguna razón del momento; así la novela de misterio y la de ciencia ficción tuvieron su apogeo gracias a las entregas diarias, semanales o quincenales que alcanzaron grandes escritores como Julio Verne. Así también fueron apareciendo los primeros anuncios, lo que luego sería la Publicidad; y luego algunos dibujantes vieron en estos nuevos periódicos publicadas sus propuestas de pequeñas historias gráficas, llamadas viñetas. Es el nacimiento masivo de la Tira Cómica. La propuesta como tal es más antigua, algunos las datan a los dibujos y jeroglíficos del antiguo Egipto; cierto es, uno al ingresar a las tumbas del Valle de los Reyes frente a Luxor, uno ve la historia contada y graficada del dueño de la tumba. Pero todo apunta a que las viñetas tal como las conocemos empiezan en 1820, cuando se publicaron ciertas bandas dibujadas llamadas Aleluya o Aucas, y tenían intenciones educativas (esto aún se hace, sino vean todas las propuestas educativas sobre todo en materia de salud). El desarrollo del periodismo y la difusión de ésta en dichos diarios les permitió ir madurando e independizándose; el aporte de la caricatura y la incorporación de los globos lingüísticos ya la hacen actual. La Lingüística en los 60 le va a dar un extraordinario valor en el desarrollo del campo de la semántica y la semiótica. Es así que se van creando escuelas de tiras cómicas alrededor del mundo. Algunas tienen toda una carga ideológica demasiado evidente y es a través de ellas que se va conociendo el mundo (por ejemplo el estilo americano de vida y Archie y sus amigos). Francia (a la cual llama Bande Dessinée) tuvo también toda una extraordinaria producción (es, en cierta manera, la cuna de esta arte menor); los artistas galos sacan a relucir una serie de personajes y quedan fijos en el imaginario social ASTERIX en Francia y por la parte francófona de Bélgica, TIN TIN. Muchos han visto en estas propuestas cierto chauvinismo y racismo, pero son también, como cualquier manifestación de arte, producto de una coyuntura, una época. En Latinoamérica va a ser Argentina la que lleve la batuta y nos sorprende con dos grandes maestros: QUINO y FONTANARROSA. MAFALDA es la niña incómoda que asusta a los regímenes militares y estos la van a tildar de comunista e izquierdista. Quino debe irse del país. Con él parte mucha intelectualidad, ya que la junta militar (como la chilena) vio con malos ojos que estas figuritas hablen mal de ellos. Como los títeres, los personajes de las tiras cómicas destilan filosofía popular, modo de pensar de una sociedad y reflejan los problemas y pobrezas del momento que les tocó vivir; esto se ve evidente en casos norteamericanos como POP EYE (ojo reventado) quien debe luchar contra la amenaza amarilla japonesa; obvio, surge durante el ataque de Pearl Harbor. Oriente va a dar una producción extraordinaria que en un principio estuvo centrada para el público japonés; luego se expande al mundo como MANGA. Luego pasa al cine como ANIME. Para un público adulto de más de 60 años, esto les es extraño, para los de 50, sí fuimos testigo de varios manga en televisión: ASTROBOY, EL HOMBRE DE ACERO.

Hoy por hoy, el cine y la tira cómica se complementan. Han alimentado el uno al otro en las nuevas producciones surgidas. Pero ambos corren el peligro de quedar en una mera acumulación de efectos especiales o dibujos fantásticos, peligro que ha arrastrado a un sinfín de realizadores-artesanos, quienes se han jactado de hacer cine, cuando ya nada dista de haber creado una suerte de play-station. Simplón y sin contenido. Personalmente, un triste ejemplo de esto es la manida trilogía de Matrix, que ha ido decayendo hasta presentar una tercera versión dedicada al culto del efecto especial, y haber dejado el arte en casa. Una vez pregunté a un chico de unos 19 años qué le había gustado de la película y de qué trataba; no me supo decir a ciencia cierta de qué trataba, pero sí me dio un cúmulo de descripciones fotográficas, mas no personajes definidos en una narración sólida.

Parte de esta gran actividad que se realiza en Trujillo que convoca a los fanáticos y creadores de Tiras Cómicas, la Alianza Francesa y la Universidad Privada del Norte, en colaboración con el colegio SIR ALEXANDER FLEMING quieren ofrecer un extenso ciclo de películas y cortos, inspirados en la tira cómica o son tiras cómicas en movimiento. Varias de estas películas son más viejas que quien escribe este artículo, pero como los grandes cuentos (Las Mil y una Noches, La Cenicienta, Pinocho) son como el buen vino: mientras más añejos, mejor. Las películas elegidas para este ciclo de una manera u otra han sido hitos dentro del cine de animación. Cada proyección estará precedida por cortos de grandes tiras cómicas como LA PANTERA ROSA, BUGS BUNNY, LOS PEQUES, entre otros.

KIRIKOU ET LES BÊTES SAUVAGES (KIRIKOU Y LAS BESTIAS SALVAJES) MICHEL OCELOT Y BÉNÉDICTE GALUP, 2005 es la segunda película de Michel Ocelot que comenzara en 1998 con "Kirikú y la bruja". El abuelo de Kirikú está de acuerdo y, decidiendo que aquella historia se quedó corta, procede a describir un viaje alucinante que, como película, queda sobradamente justificado. La animación dirigida por Ocelot (y en este caso también Bénédicte Galup) parece de entrada un pobre competidor para las grandiosas producciones de Píxar y Disney, así que uno no puede dejar de sorprenderse ante el éxito de la primera película. Hay en la sencillez visual de Kirikú, una profundidad moral y antigua necesaria y más que satisfactoria. Es una delicia que la forma de contar de sus autores sea tan respetuosa con el modo de hacer clásico, el de los hermanos Grimm por ejemplo, y la posibilidad de la muerte no se edulcore aunque sí se presente de una forma apta para ser entendida sin traumas.

LA PROPHÉTIE DES GRENOUILLES (LA PROFECÍA DE LAS RANAS) JACQUES – RÉMY GIRERD, 2003, Cuarenta días y cuarenta noches de lluvia están a punto de sucederse, como ya ocurriera en el Diluvio Universal. Las ranas, que profetizan la catástrofe que se aproxima, intentan avisar a los humanos. Así, dos adultos y dos niños buscan refugio en un enorme granero que se convierte una especie de arca de Noé improvisada. En esta increíble casa flotante reúnen a los animales de su granja y a los animales del zoo vecino. Pero desafortunadamente, la única comida disponible que les queda son 28 toneladas de patatas que llevan a bordo. Mientras los cerdos llenan sus barrigas y los animales herbívoros no se quejan, hay murmullos de descontento por parte de los animales carnívoros, que empiezan a repartir miradas glotonas hacia las pantorrillas. La profecía de las ranas es una original fábula animada, similar a Rebelión en la granja, de George Orwell.

U, SERGE ELISSALDE y GRÉGOIRE SOLOTAREFF 2006 Es una joyita del cine de animación francés. Estos dos creadores ya habían dirigido y escrito otra excelente película de animación, Loulou et autres loups…. Una serie de historias en torno a las aventuras de Loulou, el lobo. “U” es un desliz para el espectador, una invitación a viajar en un mundo quimérico y alucinante. Esta película es una fabula de una grande riqueza evocando el fin de la niñez, con gravedad y humor. Como la princesa Mona, nada es previsible, todo es moviente. Literalmente extraordinario

L´ÌLE DE BLACK MOR, (LA ISLA DE BLACK MOR) JEAN – FRANÇOIS LAGUIONIE Jean Laguionie es un especialista famoso de la animación francesa, ha ganado la Palma de Oro a Cannes, en 1978, por un corto metraje de animación. En esta película, Jean ha creado la historia de La Isla de Black Mor, inspirándose de sus sueños de su niñez y de la tradición literaria de la novela de aventura de Robert Louis Stevenson, Joseph Conrad o Jules Verne. Los grafismos de La Isla de Black Mór parecen a los cuadros del pintor francés Henri Rivière[], porque todo el equipo de la película se ha documentado mucho para reproducir exactamente los paisajes y los detalles del siglo 19.

LAS TRILLIZAS DE BELLEVILLE este es un film excelente de Sylvain Chomet, quien nos cuenta la historia de una abuela osada y decidida y de su nieto, quien es secuestrado durante una carrera de bicicletas. Con su perro Bruno, la abuela, Madame Souza, van a la búsqueda de su amado nieto; en la travesía se le une un trío de ancianas, quienes habían sido unas famosas cantantes de vaudeville. El mérito de este film es que en pleno 2003, cuando todo el mundo ya trabaja con la computadora, esta película es totalmente dibujada, gran mérito. La obra es más para un adulto y presenta sátiras sociales, sobre todo contra la sociedad norteamericana (a la cual muestra como consumista e insensible, bueno en realidad es una descripción)

BLANCA NIEVES Y LOS SIETE ENANITOS esta obra de arte data del 1937, cuento recopilado en el folclor germano por los hermanos Grimm y sale de las canteras de los estudios de Walt Disney. Es cierto que las tiras cómicas, los dibujos animados, los comics, han ido dando al mundo personajes entrañables no sólo para el mundo infantil (Picapiedras, Ratón Mickey, Tribilín, El Pájaro Loco, Batman); pero la creación de 7 enanitos, 7 caracteres que han pasado a formar el patrimonio humano, hace de esta película una de las cumbres del arte infantil. Además se inicia la técnica aplicada a obras de este género (como el rotoscopio y el proceso multiplano para crear los fondos), acompañada con el technicolor. Hay escenas cumbres, como la de la transformación de la reina en una bruja; o la escena cuando huye Blanca Nieves por el bosque para evitar ser asesinada. Esta obra demoró 4 años en su realización y reunió un grupo de trabajo extraordinario. Una obra titánica. Fue el primer gran largometraje infantil. Y muchas de sus melodías aún son parte del repertorio infantil obligado.


NOCTURNA, UNA AVENTURA MÁGICA Esta es una fantástica película española que tiene por héroe a un niño con su gato Tobermory (el del cuento del literato Saki). Nuestro héroe tiene que salvar al mundo de un súbito apagón de estrellas, lo que sumiría en la oscuridad eterna a la noche. Y así emprende el camino para rescatar a Adhara, la estrella que siempre lo acompañaba en sus noches en el orfanatorio. Los directores Víctor Maldonado y Adrià García han hecho una maravilla.

EL VIAJE DE CHIHIRO esta hermosa película animé es una verdadera joya para cerrar este ciclo. El director Hayao Miyazaki ya tiene varios premios encima, y éste (filme) ha ganado varios premios desde el 2001. Toda la imaginería japonesa es llevada a la historia de esta niña en una experiencia en la que conocerá personajes de lo más disímiles y no tan maniqueizados como los del mundo occidental. Es un homenaje a la memoria, al recuerdo a todo aquello que forma el patrimonio de lo que hace a uno un ser humano: su nombre, su familia, su sentido de pertenencia, su pasado. Es interesante ver un personaje siniestro como Yubaba, que sufre como madre y tiene una hermana gemela que es el complemento. Casi la figura del mundo dual Quijote-Sancho. Una obra de arte.

FANTASÍA una de las obras maestras de los estudios Disney, data del 1940, y es una feliz consecución de imagen y música, que ha permitido a diversas generaciones “ver” la música culta (no clásica, ya que este término corresponde a un periodo musical, periodo que irónicamente no está representado en esta elección). Grandes compositores son acompañados con bellas imágenes, algunas de las cuales han pasado a la posteridad como el caso de Mickey como aprendiz de mago en la obra de Paul Dukas o la famosa interpretación visual de La Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky, una recreación del mundo jurásico; ni qué decir de la aterradora versión de Una noche en el Monte Calvo de Modesto Moussorgsky. En las artes siempre ha habido esa intención de unir cada una de ellas, a guisa de un arte total. Además se ha tratado por muchos medios de romper ese prejuicio- gran pared producto de intereses e ignorancia, que han distanciado el arte culto con el público en general. Recuerdo que en los años 70, en España se gestó cierta masificación de la música culta con músicos como Miguel Ríos y el fallecido Waldo de los Ríos; al primero le debemos la versión rock del 4to movimiento de la 9ª Sinfonía de L.V. Beethoven (del cual “veremos” su 6ª Sinfonía) y de De los Ríos, Sinfonía # 40 de Mozart y otros compositores más. Ya todo un clásico para niños y adultos, esta película tuvo una suerte de relectura en el año 2000 (por sus 50 años) con poca fortuna.

SHERCK un antihéroe perfecto, el personaje que destruye los mitos del personaje lindo, atractivo y rompecorazones. Es un Ogro, vive en un pantano, huele mal y tiene un feo color verde; y va en busca de una dama, que también es una no dama; y en el transcurso del filme, vemos la parodia de todas las películas de niños y las otras también; todo con una sorna increíble que hace el deleite de grandes y chicos, que ven cine (es casi como aprender historia con Asterix). Si uno ama el cine y quiere ver cómo alguien puede ser irreverente pero con estilo, no debe dejar de ver esta película; está en castellano, pero la voz del burro y su discurso coloquial es de lo más simpática (como los famosos buitres de EL LIBRO DE LA SELVA); la presencia de todo el mundo de la fantasía es graciosa, diferente al trato que recibió en ¿QUIÉN ENGAÑÓ A ROGER RABBIT?

LA PRINCESA MONONOKE Una bella obra de Hayao Miyazaki, quien se adentra en el mundo medieval japonés para contarnos esta historia de la lucha entre el hombre y la naturaleza, entre los desequilibrios que provocamos y la posibilidad de la redención. Esta historia es bastante esotérica para los ojos occidentales, pero la simbología sintetiza el conflicto del hombre entre el bien y el mal, y la dolorosa situación de la decisión que ha de generar el mal. En muchos aspectos se parece a la película australiana FERNGULLY, en su identificación por la naturaleza, la paz y la fraternidad.

¿QUIÉN ENGAÑÓ A ROGER RABBIT? Esta película es una excelente muestra de combinación de los dibujos animados con la vida real. No es la única muestra, incluso vemos en FANTASÍA, cuando Mickey se acerca al maestro Leopoldo Stokowski para felicitarlo luego de la magistral dirección en El aprendiz. Robert Zemeckis hace una graciosa combinación entre un personaje cómico y un fracasado detective. Quieren destruir el mundo de la fantasía (Bujolandia) y para eso los empresarios encuentran diversos medios cómo apoderarse y desaparecerla.

HITCHCOCK´ SUSPENSE, THE MASTER

Sobre el cine de Alfred Hitchcock se ha escrito bastante e, incluso, se le ha imputado ser el maestro de la angustia narrativa, de la zozobra. Su obra ha sido muchas veces vulgarizada con el fin de hacerla más “digerible” para el público en general. Sin embargo, la obra del Maestro está más allá de todos los encasillamientos a los que se le ha querido someter para poder hacerla más comercial. En realidad, la técnica visual y la narrativa escenográfica que Hitchcock empleó a lo largo de su cinematografía tenían la intención que el espectador entendiese el plot, la trama, desde un inicio; pero donde radicaba la tensión era en el desarrollo de la misma, los detalles que iban apareciendo, de tal manera que el público iba armando un rompecabezas interesante, envolvente, impostergable. Los detalles ayudan a cerrar un círculo de sospechas, intrigas, casi como una obra literaria de Conan Doyle, no hay lazos sueltos.

La vulgarización de su prolífera obra y el hecho de que hubo algunos filmes deficientes y necesariamente evitables, han ayudado a maltratar la creatividad del genio. Quizá sea sintomático que nuestro maestro jamás haya recibido un Oscar principal al mejor director, pese a que hay varias películas de su filmografía que son parte del patrimonio de obras cumbres del Séptimo Arte. Algunas de sus obras se han vuelto obras capitales de la cinematografía e, incluso, generan secuelas con cierto éxito, más por el mérito de la prima obra que por la calidad de los filmes siguientes; así tenemos PSICOSIS, que generó algo de 5 ó 6 filmes de dudosa calidad, algunos incluso dirigidos por el actor principal, ANTHONY PERKINS. A lo largo de su obra experimentó con técnicas audaces para lograr sus propósitos, tal es el caso de LA SOGA, en la que en su solo plano discurre este film para toda una reflexión filosófica sobre el poder y el crimen. El espectador vive el suspense cuando el profesor de los díscolos alumnos se sienta sobre el baúl donde yace el cadáver de uno de los alumnos; de pronto somos testigos de lo que está sucediendo y eso incrementa nuestra tensión. Es un recurso genial. Cierto es que tiene alguna que otra piecilla hecha con el fin de entretener, pero no deja de tener su huella y ese extraordinario sentido del humor negro, tan british que nunca perdió en su estadía en los Estados Unidos. El rigor de su trabajo se entendió poco en su época, algunos filmes maestros fueron considerados grotescos en un inicio, pero su genio rebelde fue acompañado de un esquema de trabajo riguroso, quizá heredado de la educación jesuita que recibió en su patria cuando joven.

Felizmente su obra puede rebatir cualquier infausta imputación, como la que sufren todos los grandes maestros de cualquier arte. El ensayo que nos presenta Ascanio Cavallo sobre el maestro en la revista La Gran Ilusión (No 9, 1999), habla sobre el colapso de la identidad, que va a ser el leit-motiv de todas sus películas en su etapa norteamericana (aunque también se ve en algunas de las obras en su trabajo realizado en Gran Bretaña, su patria). Pero si hacemos un recuento de las obras más conocidas de nuestro director, veremos que dicho dilema se ve encarnado en cualesquiera de los personajes principales en su carrera filmográfica desde REBECA hasta PSICOSIS. Este grupo de películas nos permitirá tener una visión bastante sólida del trabajo del maestro en los Estados Unidos.

SHADOW OF A DOUBT (LA SOMBRA DE UNA DUDA) 1943 Una película oscura, intrigante, agobiante. Un personaje díscolo y temible encarnado por Joseph Cotten, uno de los grandes actores de Hitchcock, lleva una personalidad bizarra y peligrosa. Cual hombre encantador y atractivo, llega a casa de su familiares y entra rápidamente en el círculo de esta y sus amistades, no sabiendo que están frente a un despiadado asesino; su sobrina ata cabos, pero necesita comprobarlo; al sentirse acorralado, Cotten no duda en deshacerse de su sobrina (Theresa Wright). Tensión pura.

REBECCA (REBECA) 1940 basada en la obra de Daphne de Maurier, le interesó desde un principio, mas el precio de los derechos de autor se volvió imposible; pero el productor David Selznick compró los mismos y se la pasó a nuestro Director. El actor pensado para el papel de Máxime de Winter fue Laurence Olivier, versátil actor de teatro, quien realiza un carácter bastante bizarro (como muchos de los creados por Hitchcock) y una Joan Fontaine (Sra. De Winter) que es acosada permanentemente por la memoria o fantasma de la primera esposa, cuyo nombre lleva el título de este filme. Es la primera batalla en la que productor y director se iban a encontrar para marcar sus territorios; aquél quería una película lo más fiel al best-seller; éste veía en la obra un camino hacia un versión más independiente. Se comenta que el Maestro fue muy intrigante entre todos los miembros de la filmación, para generar un suspense que marcó a la historia de la película y las relaciones que establecen entre todos los personajes.

THE WRONG MAN (IDENTIDAD EQUIVOCADA) 1956 una obra kafkaiana, aunque considerada de aliento menor, austero, habida cuenta que luego le sigue su obra maestra VÉRTIGO; el tema de la pérdida de identidad por diversos factores (en este caso) es el leit motiv de esta película, muy parecida a esta gran obra como lo es MONSIEUR KLEIN de Joseph Losey. Como en EL PROCESO de Kafka, un ciudadano, encarnado por Henry Fonda, se ve envuelto en un problema; pero, a diferencia de Kafka, aquí nuestro amigo se ve envuelto en una equivocación por diversas circunstancias; la reconstrucción de su pasado para poder salvarse conlleva a la destrucción sistemática y dolorosa de la personalidad de su esposa.

REAR WINDOW (LA VENTANA INDISCRETA) 1954 para muchos una obra maestra del voyeurismo, el placer de la persona fisgona, con las impecables actuaciones de James Stewart, como el periodista-fotógrafo L.B. Jefferies, y la siempre bella Grace Kelly, como Lisa Fremont. Una interesante reflexión sobre la cámara-ojo, pero con todo el morbo de la observación acuciosa de una persona acostumbrada a ver la noticia donde no la hay. Para muchos críticos, el papel desempeñado por el periodista es el mismo que gusta hacer el Maestro en cada una de sus películas: la ventana es un mero ecran. Además inicia un trabajo intenso con James Stewart y Grace Kelly como veremos en los siguientes filmes. En una entrevista que le hizo François Truffaut a nuestro maestro, este confesó que le gustaba trabajar con James Stewart cuando quería trabajar en su film más emoción; con Gary Grant trabajaba más el humor.

THE MAN WHO KNEW TOO MUCH (EL HOMBRE QUE SABÍA DEMASIADO) 1955 Este film es un remake, de una extraordinaria versión inglesa de 1934 con Peter Lorre; el escenario cambia de Suiza a Marruecos, el actor fetiche James Stewart y la rubia Doris Day (se dice que Hitchcock tenía una fuerte predilección por las rubias como Grace Kelly o Kim Novak) ambos se ven involucrados como testigos en el asesinato de un agente secreto; todo este asunto les va a acarrear una serie de problemas desde el hecho que su hijo es secuestrado y todo este lío va a terminar en un sala de conciertos y, posteriormente, en una embajada de un país ficticio. Los sucesos se van resolviendo por la pareja y hasta la música juega un papel importante; quizá sea este el hecho por el que la canción que interpreta Doris Day (Qué será) haya hecho famosa esta película.

DIAL M FOR MURDER (MARCA M PARA MORIR) 1955 En realidad a esta película le falta poco para ser una de las obras maestras de nuestro director. Es una adaptación al cine de una obra teatral de Frederic Knott, quien él mismo se encarga de hacer la adaptación para la pantalla; en los principales roles están Ray Milland (Tony Wendice) quien trata de asesinar a Margot, su esposa (Grace Kelly, siempre bella), y trata de utilizar a un ex compañero de colegio, Anthony Dawson. Mark (Robert Cummings), el amante de Margot, sospecha de su rival. Este film tiene la suficiente tensión narrativa, el suspense hitchcockniano, para incluirla entre los clásicos, pese a la débil actuación de Cummings. Pese a todo, mantuvo la integridad de concentración que emplea como un recurso obligatorio el teatro para preservarlo a lo largo de esta película, por eso es un film de pocos escenarios.

VERTIGO (DE ENTRE LOS MUERTOS) 1958 Obra maestra de Hitchcock, es una historia con un espíritu necrofílico policial. La novela base es de dos autores (Pierre Boileau y Thomas Narcejac) de otro gran clásico policial: LAS DIABÓLICAS. Sólo su talento iba cambiando los elementos de sorpresa en elementos de suspense. La película tiene dos partes claramente diferenciadas, cada una más excitante que la otra, engarzados por sus personajes principales (James Stewart y Kim Novak) rodeado con la perfección de la obsesión pura, magistralmente acompañada con recursos técnicos alucinantes, distorsiones de imágenes, etc. De visión obligatoria.

PSYCHO (SICOSIS), 1960. Otra joyita del mundo hitchcockniano, con una de las más soberbias actuaciones en el cine moderno, la de Anthony Perkins, carácter del cual le fue difícil desprenderse (algo así como Jack Nicholson y su representación tanto en Alguien voló sobre el nido del cuco y Resplandor). Norman Bates va a quedar como uno de los personajes clásicos del cine y esa atmósfera que ha querido ser emulada por otros (como el remake de Van Gus o el mismo Perkins, sin éxito). Janet Leigh, pese a su corto papel, hizo una contundente actuación.

EL BUEN ÓSCAR

Huelga decir que es por casi todos conocidos el espectáculo de cine más auspiciado, el Oscar de Hollywood. Todo se ha dicho al respecto y cada año millones de personas se cuelgan a cualquier medio de difusión masivo para poder participar en algo en la máquina de sueños. Así el glamour de actores y actrices permiten hacer conocidos, potenciar o marcar la decadencia de modistas, fotógrafos, estilistas y cirujanos plásticos.
En los últimos años las elecciones para el mejor filme no ha dejado de estar teñido de movimientos decisivos para un espaldarazo de un director o actor, así como asegurar la fuerte inversión hecha en alguna película de moda (recuerden TITANIC). Desde la primera versión del Oscar allá en 1926 (se hacía por dos años) muchos Oscares han sido otorgados a buenos y malos actores y actrices, buenos y malos directores; así como a buenas y malas películas (¿recuerdan Rocky?). También el Oscar ha sido una forma de llamar al orden a algunos díscolos directores, actores o libretistas; y en otros casos ha pasado por alto sobre genios en el séptimo arte; tal es el caso de Orson Welles, Alfred Hitchcock, Stanley Kubrick, Charles Chaplin, Quentin Tarantino (en Pulp Fiction, notable), Jean Seberg, etc..
En algunos casos, fue también el escenario de protestas como la de Marlon Brandon o la más reciente contra la torpe y abyecta decisión de Bush de invadir Irak; también fue un espacio de confrontación cuando varios actores no se plegaron al reconocimiento (Oscar honorario) de un gran director, pero un triste traidor, delator: Elia Kazan. Fue incómodo y triste ver escenas que ya estaban previstas. Cosas de la vida.
Ver las entregas en canal de televisión de señal abierta (sobre todo en las peruanas) es muy aburrido porque la continuidad del espectáculo ha sido sacrificada para satisfacer la publicidad de los patrocinadores, y recibe recortes que quitan coherencia narrativa. Personalmente, me parece una falta de respeto que le digan a uno que va a ver tres horas de lcualquier Entrega, cuando en realidad sólo vemos una hora y media, y la otra de tandas comerciales, sacrificando shows muy simpáticos en pro de una pasta dental o de uno de cualquiera de esos bancos auspiciadores.
Este puñado de filmes nos va a mostrar algunas que sí están en el candelero de las obras maestras y no es, en cierta manera, necesario el hecho de haber recibido un Oscar para su reconocimiento.

ON THE WATERFRONT (NIDO DE RATAS) (1954) Dirigida por Elia Kazan, con los actores Marlo Brandon, Rod Steiger y Eva Marie Saint, nos narra la lucha sórdida y violenta de los muelles neoyorquinos, la corrupción de los sindicatos manejados por mafiosos, la impotencia de la gente común y la lucha por la verdad. En una época teñida de marcatismo, es un filme valiente que bien le pudo haber valido la censura; pero la presencia de estas estrellas de cine la hizo en cierta manera “invulnerable”.

GONE WITH THE WIND (LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ) (1939) Filme mítico, dirigido por Víctor Fleming, un extensa narración de la caída del Sur norteamericano por el Norte en pleno proceso de expansión (desde entonces no se ha detenido ¿o sí?). Un extenso fresco que nos muestra a cuatro personalidades, movidas por buenos y malos sentimientos, dependiendo como los veamos. Scarlett (Vivien Leigh) es el pilar de esta película, mujer que vive las circunstancias y se adapta con un sentido del pragmatismo increíble, lo cual nos la muestra sin escrúpulo alguno. Y lo más interesante es la filosofía transformadora de Scarlett y Rhett Buttler (Clark Gable), un vividor; es para una Norteamérica en un mundo al borde de la II Guerra Mundial, una filosofía de un futuro que uno puede cambiar. En realidad es una gran película que muestra el rol que va a desempeñar los Estados Unidos en el nuevo orden social.

ALL QUIET ON THE WESTERN FRONT (SIN NOVEDAD EN EL FRENTE) (1929-1930) Este bello filme anti bélico dirigido por Lewis Milestone, está basado en la novela del alemán Erich Maria Remarque. El espíritu explosivo y jubiloso para el reclutamiento de jóvenes en un liceo no deja ver la sinrazón de una guerra y envía a su población juvenil a una masacre segura. Cuando los jóvenes reclutas se encuentran con los veteranos, éstos se encargan de “bajarlos a tierra” y comienzan a ver la crueldad y crudeza de la guerra. El mundo estaba susceptible a estos hechos (hacía 10 años había concluido la I Guerra Mundial, La Gran Guerra, tema de este filme) y, pese a las muchas películas que criticaban las guerras, el mundo se dirigía penosamente hacia una segunda

GANDHI (1982) Es un verdadero fresco histórico dirigido por Richard Attenborough y con la actuación de Ben Kingsley. Esta reconstrucción nos muestra uno de los líderes notables del siglo XX, cuya visión cambió el orden mundial a través de un método, luego empleado por pacifistas del mundo entero. Puso a la India en el orden mundial. La actuación de Kingsley es buena y se hace conocer en la cinematografía como todo un actor versátil (recuerden a Stein en La Lista de Schindler). Pese a la gran labor de este pequeño gran hombre, no fue suficiente para evitar los futuros conflictos entre hindúes y musulmanes (hasta la fecha).

THE BRIGDE ON THE RIVER KWAI (EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI) (1957) Dirigida por David Lean, este es un gran filme bélico, que utiliza el contexto de la II Guerra Mundial para hacer propaganda a la gran capacidad de laboriosidad y responsabilidad del ejército inglés, ante el desafío que pone en duda dichas “valores” como es la construcción de un puente sobre dicho río. Ante una serie de eventos y bajo el mando del Coronel Nicholson (Alec Guiness), emprenden dicha obra. Y durante su realización, se van desarrollando una serie de eventos que nos acercan a diferencias y choques culturales, rodeados de costumbres e paradigmas rígidos y coercitivos. Uno y otro van mostrando lo mejor y lo peor de sus culturas. Además, es una película de escenarios y merece ser vista en gran pantalla, creación hecha obviamente para contrarrestar el frenético avance de la televisión. Es una verdadera obra maestra de escenarios y personajes sólidos.

THE FRENCH CONECTION (CONTACTO EN FRANCIA) (1971) Este filme de William Friedkin lanzó a la fama al policía Popeye, encarnado por Gene Hackman. El mundo de las drogas comienza a cambiar el ritmo de la vida de la sociedad norteamericana de manera paulatina e inexorable. Algunos policías realizan labores insospechadas para evitar el ingreso de la misma y capturar a los “peces gordos”. Basado en una historia real, tiene una secuela, pero no superaron a esta película que nos muestra los diversos tentáculos del poder, tan enraizados que ya se tornan difícil de establecer los límites.

LAWRENCE OF ARABIA (LAWRENCE DE ARABIA) (1962) Otro gran filme de David Lean, con Peter O`Toole, Omar Shariff y Alec Guiness, sobre la historia de Lawrence en su misión de hacer contacto con las diversas tribus árabes y aglutinarlas contra el Imperio Otomano durante la I Guerra Mundial. A través de él (Lawrence) vemos a un pueblo con un amplio sentido de libertad, quizá producto de ese ambiente tan sobrecogedor que es el desierto en su terrible belleza. Lo más triste de todo es que las promesas ofrecidas por él a los árabes sobre su independencia no fueron sino otorgadas hasta después de la II Guerra Mundial.

GRAND HOTEL (GRAN HOTEL) (1931-1932) De la novela de Vicky Baum, es una película dirigida por Edmund Goulding, y tenía por intención hacer resaltar la figura bizarra y fatal de Greta Garbo, quien encarna a una bailarina de ballet, y la de John Barrymore, en el papel de un Conde quebrado y ladrón. Pero quien destaca es la joven Joan Crawford, quien encarna el papel de una secretaria ambiciosa. Todos estos personajes reunidos en el Grand Hotel en Berlín.

THE SILENCE OF THE LAMBS (EL SILENCIO DE LOS INOCENTES) (1992) Un buen filme policial de Jonathan Demme, que nos hace conocer un nuevo tipo de monstruo, Dr. Lector – Anthony Hopkins. Su refinamiento es tan elevado como su crueldad; el nuevo terror está en la sofisticación, en los juegos de palabras, en la semántica y el psicoanálisis. Quizá con más agudeza hubiera sido una brillante película.

AMADEUS (1984) Una verdadera joyita de Milos Forman, retorna a su Praga natal para filmar en esa bella ciudad esta libre recreación (del autor Peter Shaffer- Equus) de la vida del gran Mozart y su pretendida pugna con Salieri, magníficamente encarnado por Murray Abraham. Para la gente que ama la música es una extraordinaria oportunidad de “ver” la misma en tan bellos escenarios como es la vieja capital checa, una joya centroeuropea a la cual el mismo Mozart le dedicó una sinfonía y triunfó más de una vez con sus óperas, sobre todo Don Giovanni. Es todo un placer para melómanos y para los amantes del cine

SPIELBERG, UN GENIO DEL ENTRETENIMIENTO

Hablar de Steven Spielberg es hablar de esa Hollywood que produce entretenimiento puro para el vasto público que hace del cine una perfecta evasión. Gracias a un apoyo económico sostenido, Spielberg ha hecho mega producciones en las cuales ha mostrado todos los avances de la técnica para la creación de efectos especiales sofisticados y bastante caros. Apoyado por sus extensos presupuestos, ha sido además una suerte de rey Midas cuando empezaba algún trabajo, no significando esto que hayan sido todos de calidad, puesto que muchas de sus películas no dejan de ser una visión demasiado meliflua de las relaciones familiares de una típica familia norteamericana de clase media, con personajes demasiado edulcorados.
Por él, varios proyectos de cine de animación han sido llevados a cabo, sirviendo como una suerte de paraguas (productor) tanto para directores novatos (George Lucas en GUERRA DE LAS GALAXIAS) como los ya veteranos (como Tobe Hooper en POLTERGEIST). En los últimos casos, su desarrollado olfato del éxito económico y de aceptación por la mass-media, le ha “permitido” embarcarse en dichos proyectos que han sido siempre un suceso en los círculos comerciales. La fama de nuestro director empieza con el filme JAWS (TIBURÓN) (1975), durante una década plagada de películas – catástrofes (La Aventura del Poseidón, Terremoto, Infierno en la Torre). Pero hubo otros filmes ya personales que sí fueron un fiasco, que, gracias a su fama y a la fortuna acumulada, lograron cubrir los fuertes gastos que significaron no sólo la filmación sino la fallida distribución de los mismos, como el caso de 1941, un intento frustrado de comedia que sucedió a su primer éxito.

Algunos filmes notables:

JAWS (TIBURÓN) 1975 Sacar a relucir uno de los más grandes miedos del hombre, el de ser una presa de un depredador yace en el inconsciente colectivo de la especie humana, quizá ya sembrado en nuestros antepasados cavernarios, quienes eran presas de grandes depredadores con quienes les tocaba luchar por un lugar bajo el sol. Este temor visceral cuando cae en manos de un maestro del espectáculo, logra una feliz consecución para crear este clásico del terror. Este film ha hecho saltar y gritar a miles de espectadores desde que fue proyectada por primera vez y, pese a que la hayamos visto varias veces, las escenas cuando aparece el inmenso escualo generan en cada uno de nosotros ese miedo primitivo de ser una potencial víctima. Es, además, una severa llamada de atención a la vanidad humana en su actitud de querer domar la naturaleza y esta cada cierto tiempo te pasa una factura difícil de pagar o asumir. El temor a lo incontrolable está aquí latente, el temor que algo se nos vaya de las manos y en el momento menos esperado sea una estaca que termine con todo lo que proyectamos o construimos. Será siempre un clásico.

CLOSE ENCOUNTER OF THE THIRD KIND (ENCUENTRO CERCANO DE TERCER TIPO) (1977) para muchos, la mejor y más bella película de nuestro director, filme de alma infantil y con una extraordinaria actitud de conciliación con el mundo y la infinita posibilidad de hallar vida inteligente pacífica; por mucho tiempo la ciencia ficción estuvo plagada de películas macartistas y bélicas, muchas de ellas totalmente panfletarias sobre el peligro de la Guerra Fría (hay que ver filmes como The Thing – La Cosa- o The War of Worlds – La Guerra de los Mundos). En realidad, este filme aparece en un mundo que salía de un ciclo de cine-catástrofe para entrar en la era Carter en los Estados Unidos; la visión más pacifista de este estadista (entre Nixon / Ford y Ronald Reagan) también tiñe la producción cinematográfica. Pero además recurre a ese espíritu heredado de la Revolución de la Flores de los 60 (hippies) que busca una actitud más inocente hacia las cosas, por eso son los artistas y los niños quienes se convierten los “vasos comunicantes” (parodiando a Neruda) con los extraterrestres; así podemos entender su otra gran película E.T. (1982) que ya vimos en otro ciclo. La genial música de John Williams para Encuentro sirve como vehículo de comunicación entre ambas especies y abre el infinito de posibilidades de aprendizaje ya expresada en esa frase: “(hoy) empieza el colegio”. Además la presencia de un cineasta, el francés François Truffaut, un hombre que hizo bellas películas sobre niños y su mundo, da validez de ese espíritu que se iba extinguiendo de los 60. Para reflexionar.

E.T (EL EXTRATERRESTRE) (1982) este bello canto a la amistad de Spielberg en un periodo caracterizado por un endurecimiento de las relaciones entre las potencias de entonces con un presidente tan reaccionario como Ronald Reagan Los filmes de entonces trataban de hacer catarsis de los demonios de la Guerra de Vietnam. En los 50, las películas de ciencia ficción siempre mostraban alienígenas agresivos. La idea de ser invadidos ha estado siempre presente en una sociedad tan paranoica como la norteamericana. Spielbeg lanzó este filme en 1982 y tiene como antecedentes una de las obras maestras de este director: ENCUENTRO CERCANO DE TERCER TIPO (1977). En realidad esta película y la que presentamos en este ciclo son una suerte de lunar entre todas aquellas que han abordado el tema.

POLTERGEIST (1982) Esta película fue dirigida por el veterano en filmes de horror Tobe Hooper y con la producción de Spielberg. Es el quinto largometraje para nuestro director, quien por primera vez hizo una película de horror sin asesinatos o muertes truculentas (hizo la famosa The Texas chainsaw massacre en 1974). Pese a esto, tiene una serie de recursos para asustar al más prevenido de los espectadores. Una familia de clase media en un pequeño pueblo norteamericano de lo más apacible en California se ve de repente perturbada por una serie de acontecimientos anormales; la niña de la casa, en su inocencia, abre una puerta inimaginable debido a su espíritu lúdico y candidez; y estos se van incrementando invadiendo su tranquilidad hasta llegar a un clímax de total alteración del hogar por los fenómenos paranormales. Gracias a los efectos especiales de la época y el buen trabajo de luz, sonido y música, nos vemos envueltos en esta historia que empieza con el más cotidiano de los artefactos eléctricos: una televisión.

SCHINDLER´S LIST (LA LISTA DE SCHINDLER) (1994) es un drama histórico de más de 3 horas, que tiene por personaje principal a una personalidad tan ambigua como la de Oskar Schindler. Caracterizado por Liam Neeson, es una película en la que rinde homenaje a sus raíces, la judía. Nos muestra la transformación de este hombre, que era un explotador rapaz, aprovechador de las circunstancias, en un hombre conmovido y hasta cierto punto acomplejado por su entorno. En muchos casos hay ciertas sobre actuaciones, algunos personajes están muy estereotipados (sobre todo Amon Goeth / Ralph Fiennes, entre otros más) y el discurso pudo ser más reflexivo sobre la vida global de Schindler, un hombre que quebró cuanta empresa empezaba. Pese a todo, no deja de ser un testimonio duro de lo sucedido en el Holocausto, por eso el filme, en blanco y negro, emplea un recurso de color como una sutil marca para mostrar, a través de detalles, los horrores de la guerra, así como la esperanza de la paz y el bienestar; pero no está a la talla de EL PIANISTA de Román Polansky.

JURASSIC PARK (1993) ¿Quién de nosotros no ha soñado con conocer alguna vez uno de aquellos grandes reptiles conocidos como Saurios? Es un velado secreto de la humanidad de poder ver alguna vez un Tiranosaurus Rex o un Estegosaurus. Pese a los avances, hasta la fecha, de la ciencia, es difícil saber qué color de piel tuvieron estas grandes bestias o algunos hábitos o comportamiento etológico (vale la redundancia) individuales o grupales. Pese a la presencia de algunos buenos actores e incluso del director inglés Richard Attenborough, los verdaderos protagonistas son las grandes bestias virtuales, toda una hazaña de la tecnología creando estos seres que han aterrado a más de un espectador infantil. Pero creo que fuera de esta descomunal muestra de actores virtuales, también están algunas ideas que siempre han quedado en el aire y que se diluyen en la película por ser más un filme de entretenimiento: la responsabilidad y la ética frente a los hechos. Lo alguna vez pensado en Mundo Feliz de Huxley (A Brave New World): clonación, estandarización, optimización y otros conceptos tan irresponsablemente manejados en la actualidad, se vuelven contra el hombre. No importan los escrúpulos, ni doctrinas, ni ideologías, no importa el hombre.... Por eso es interesante cuando uno de los científicos dice: “me impresiona la falta de humildad ante la creación”. Como repito, lástima que se pierda por priorizar la aventura más que la reflexión.



Bibliografía:

Diccionaire des Films – Bérnand Rapp, Jean-Claude Lamy, LAROUSSE, 1995.

Los fantasmas de Norteamérica – Isaac León Frías, Ricardo Bedoya, HABLEMOS DE CINE, No 72, 1980

Otros Dos Nombres del Cine Fantástico: ROMERO y HOOPER – Ricardo Bedoya, HABLEMOS DE CINE, No 77, 1984

Hablemos de Cine, No 76, 1983

Studio Magazine Hors – Série, Studio Magazine No 94, 1994